La pieza excede las expectativas esperadas al ofrecer un variado y rico espectro interpretativo con comicidad, el drama, el stand up, la tragicomedia y lo poético expresado en llanto real
El tema del alcoholismo como enfermedad social, es inagotable. La imagen que proyecta la publicidad de su consumo, es idílica incluso a pesar de introducir (por mandato de leyes) la advertencia sobre su exceso.
Este espectáculo, se repite este jueves, sábado y domingo. Es una experiencia que establece varios precedentes. Es singular proeza artística, pese a algunos fallos técnicos y de manejo del tiempo.
Matilda, el musical, fuera de toda duda, es, como versión nacional, la proeza teatral más extraordinaria de 2024 y de muchos de los años transcurridos. Los precedentes que deja esta representación son muchos, pero por encima de todo, lo que se obtiene es una representación escénica que deja sentir en escena el presente y futuro inmediato teatral/musical dominicano, mediante un desborde de talento y energía que trasciende la fuerza estética de sus dos cierres, a cargo de toda la compañía.
Fotos de la Produccion Matilda, el musical (RD)
Dirigida por Manuel Chapuseuax, la pieza teatral replantea el drama de desesperanza, inscrita en la atmósfera onírica y mágica, a partir de la imaginativa de Gabriel García Márquez
El 2024 ha sido uno de los años más productivos para el teatro dominicano, con más de 12 montajes de significación artística en los primeros siete meses del año. Los teatristas nacionales han elevado sus apuestas y, a pesar de lo costosa que es la ruta de los montajes, nos han premiado con su arte.
Es ejercicio de inteligencia bien documentado y matizado en sus actuaciones, con algunos fallos, de humor negro, rebeldía, sarcasmo, gracia, sentido trascendente de una fe cristiana
Me sorprendió con este montaje hilarante y revelador y evadido del esquema tradicional del subgénero escénico de denuncia el sexismo, porque presenta características mucho más profundas que la banalidad que sugiere su título.
Acudimos a Sala Ravelo, del Teatro Nacional, acumulando todas las reservas posibles porque ya hemos visto tantas producciones, haciendo un ejercicio, en general, del panfleto escénico que, en el fondo, procura vender boletas, tomando la bandera que aprovecha la absurda y condenable desigualdad de género y arremetiendo, porque es popular y fácil, contra poderes establecidos y en especial el de la visión conservadora de las Iglesias.
Las vaginas son ateas convoca y refuerza, desde su título, estos preceptos, pero qué bueno que, a pesar del temor y el prejuicio, nos decidimos a verla, debido a que no era lo que suponía sugerir ese irreverente título.
Los talentos logran excelencia en su desempeño, apoyados en recursos técnicos bien empleados, logrando la meta de toda buena comedia: desternillarse de la risa. Algunos fallos apuntados, deben ser ajustados
2024 ha implicado un récord: es el año del mayor número de montajes hasta el cursante mes de julio, más de 15 producciones en diversos teatros.
El nivel de estas representaciones ha sido, en general, la calidad, la adopción del riesgo en escenario y el despliegue destacado de dirección, selección adecuada de los libretos, las actuaciones (que oscilaron entre lo bueno y lo excelente).
El montaje está entre lo más resaltante de 2024. Finlandia es una obra impecable, de expresividad parlamentaria intensa y de una alta estética envolvente
Finlandia es una obra de actores.
Finlandia como pieza, es una basada en la fortaleza de su concepto y en la capacidad del buen describir por parte de su autor. Es una pieza que se enmarca en un parlamentarismo brillante, detallado, rico en situaciones que incrementan su ritmo al paso de los minutos de representación parlamentarista que no deja respiro.
La pieza se desarrolla sobre parlamentos de riqueza literaria, de exaltación de las formas, signada por lo poético. Debería aparecer un mecenas, personal o de empresa, que patrocine su reposición
Haffe Serulle vuelve por el sendero de sus odiseas escénicas. Ahora toma cuerpo un libreto dramático-existencial titulado Cara a Cara, que hemos visto Sala La Dramática, del Palacio de Bellas Artes.
¿Cuántas veces será necesario proclamarlo: el teatro es la vida, y la vida, ¡el teatro!
¿Cuántas oportunidades se tienen del ese sabor único: volver a ser partícipes del intercambio, ese que transcurre cara a cara, respiro a respiro, aliento a aliento, ¿vividos entre artistas y público y llega el punto en el cual ambos danzan en torno a la reflexión temática de hechos o personajes reales o imaginarios?
El gallo, espectáculo unipersonal, iniciativa escénica sin precedentes, expone un personaje histórico contemporáneo, Joaquín Balaguer, para navegar en las honduras psicológicas, sociales y políticas que plantea la vida de este estadista o personaje del mal, de acuerdo a la óptica de cada quien.
“He sido dichoso. He vivido de lo que me gusta y me realiza: el teatro. Me siento tranquilo y satisfecho”. Quien habla de esta forma es Salvador Pérez Martínez, historia viva del teatro dominicano.
El Pera es un ser de excepción, un artista de larguísima trayectoria y que, a sus 95 años y con más de 300 obras en que ha actuado, ha vivido y visto transcurrir la escena dominicana.
Fotos: Mariano Hernández (de la Exposición Gayumba, del Centro Cultural Banreservas)
Teatro Gayumba fue una realidad que imprimió el sello y la personalidad con que caracterizó la compañía durante más de 40 años: economía de recursos técnicos: escenografías minimalistas, comunicando ambientes adecuados para sus dos personajes.
El nombre de Manuel Chapuseaux se luce en Premios Soberano al recibir la estatuilla al mérito por las artes escénicas y la historia del Teatro Gayumba se expone en la exposición fotográfica en Centro Cultural Banreservas.
Haremos un amplio recorrido por el teatro hecho en el país en 2023, incluyendo sus 4 grandes acontecimientos teatrales, sus diez mejores producciones teatrales, sus dos musicales sobresalientes y un inventario de casi todo lo presentado en los escenarios locales.
Pero… previo a todo: ¿qué es el teatro?
El teatro es la vida en grado superlativo. No es solo un arte escénico para la representación de un texto. Es un vínculo vivo, una relación – la más directa entre artistas y púbico— a diferencia del cine que rueda escena a escena hasta que quedan bien, distinto a la pintura, que el espectador disfruta las obras en ausencia de quien ha pintado, alternativo a una novela, con cuyo autor o autora, es difícil que el lector se encuentre cara a cara. Seguir leyendo…
Para entender el contexto de este montaje es extenso, hay que referir a la Reina de Castilla, Juana I, llamada Juana la Loca, nacida en Toledo en 1479 – Tordesillas, Valladolid, 1555), tercera hija de los Reyes Católicos, casada – sin ser consultada- con el archiduque austriaco Felipe el Hermoso en 1496.
Ese mismo año en que fue jurada como heredera por las Cortes de Castilla (1502) empezó a manifestársele una enfermedad mental, determinada según algunos por la infidelidad de su marido, hacia quien sentía un amor apasionado.
El recorrido, desde la perspectiva del talento nacional (escritural, y actoral), abarca la obra teatral de Manuel Rueda, Retablo de la pasión y Muerte de Juana la Loca, pasando por la adaptación de Richardson Diaz, la visión de Guillermo Cordero al concebir y desarrollar el proyecto que requirió la participación de los más de cien talentos en sus diversas áreas, un empleo de la tecnología como se ha visto pocas veces, y revelación que ha supuesto la actuación de Mary Gaby Aguilera (como Juana Joven), y la ratificación del resto de los talentos del resto del elenco, y al cual nos referiremos más adelante.
Al salir de la representación de Juana la loca ¿Locura o conspiración?, el público lo hace en disfrute cierto de haber acudido a un espectáculo que deja parlamentos, las volteretas de la trama sobre la atormentada vida de Juana I de Castilla, efectos visuales, recursos técnicos manejados con criterio y a fondo, pero, sobre todo, por imágenes visualmente inolvidables, plásticamente adscritas a la belleza al equilibrio lumínico y de los cuadros clásicos del renacimiento.
Visualmente, el montaje concebido por Cordero se inscribe en la galería de los espectáculos más hermosos y exuberantes de entre los presentados en este escenario en 50 años de funciones.
Todo parte de la adaptación, manteniendo el marco isabelino español de época, de la obra de Manuel Rueda, por parte de Richardson Díaz, que, con este, acaba de dar el paso más importante de su carrera hasta el momento.
Joven y talentoso, este chico merecería el reconocimiento pleno por su trabajo, junto con la visión de Guillermo Cordero. Juana la loca, ¿locura o conspiración? echa con fuerza mano a la música coral, a la recitación armónica colectiva, a la proyección de cine (empleada puntual y simbólicamente y con un acierto extraordinario), a las actuaciones, sobre todo en sus soliloquios, al ensamble que sorprendió por su perfección y armonía.
Notable la participación del coro de los Caballeros Guardiamarinas de la Armada Dominicana, quienes dejan en escenario la impronta artística que los ha adiestrado, en adición a su vocación militar.
(Ensamble es agrupación, conjunto, ensamble, banda o grupo musical se refiere a dos o más personas que, a través de la voz o de instrumentos musicales, interpretan obras musicales pertenecientes a diferentes géneros y estilos).
Un aspecto imponente de la obra es la dirección de su movimiento escénico de grandes masas actorales de época, con cuyas acciones el espectador logra esa sensación de que los artistas han trabajado por meses para lograr el impacto que marque el alma durante un par de noches.
La visión compositiva de los talentos en función de la época es la mas vivida que hayamos visto hasta el presente en una representación en el país en los últimos años. Parecen en determinados momentos, cuadros de la pintura de renacentista, en movimiento.
Carlota Carretero y Ernesto Báez entregan una lección de buen teatro. Foto de David Soto
Actuaciones
La base del teatro es la actuación y esta pieza lo evidencia al entregar interpretaciones sentidas, tocantes e inolvidables.
Carlota Carretero, que tiene a su cargo mayor tiempo en parlamentos, sustrae al público con el manejo de su hermosa voz y la agilidad de su movimiento escénico. Hace vivir al público cada palabra.
Elvira Taveras ratifica su calidad como maestra del teatro dominicano, por la limpieza en la ejecución de sus textos, ahora favorecida – como para el resto del elenco— por la facilidad técnica de la microfonía individualizada— logrando una conexión con el drama que cuenta.
Ernesto Báez logra un Rey Fernando apoyado tanto en su imponente presencia como en su vestuario, voz e intuitiva actitud del rol de realeza.
Hony Estrella evidencia consistencia y dramatismo en su papel de Beatriz de Bravante. Foto David Soto
Hony Estrella tiene espacios de actuación que la catalogan como una actriz de experiencia y que logra uno de los mejores papeles que le hayamos visto. Logra con fidelidad la desesperación existencial dramática a su cargo.
Pepe Sierra, transformadísimo, asume su personaje de Cardenal Cisneros, —movimientos corporales marcados por el paso del tiempo y adoptando el tono de voz adecuado, ratifica su liderazgo como interprete joven del presente tiempo. Un joven maestro de la actuación que aporta una caracterización que queda en la memoria, apoyada por Miguel Lendor y José Roberto Diaz, excelentes en sus papeles de soporte.
José Guillermo Cortines (Felipe el Hermoso), aporta audacia y sensualidad bien lograda mediante un desnudo, realizado con profesionalidad y que sorprende al público (sobre todo femenino).
La revelación actoral del montaje es de Mary Gaby Aguilera (Juana Joven) quien llega a escenario sin una trayectoria, sin una relación de buenas criticas en los medios. La joven es inteligente, incisiva y brillante.
Richardson Diaz se acerca en sucesivas expresiones interpretativas a esa comicidad inteligente que le encanta. Una sorpresa fue la perfección casi matemática de los textos pronunciados en colectivo y las canciones.
Mary Gaby Aguilera y Elvira Taveras (Juana Joven y Reina Isabel, respectivamente) Foto David Soto.
Impecabilidad técnica
Resalta la limpieza del sonido, tanto de la banda sonora, de la música como de la reproducción auditiva. Se vive cada sonido. El vestuario y peluquería agregan un valor a la espectacularidad de la representación.
El diseño de luces acentúa al extremo los diversos giros, generando sombras que utiliza dramáticamente en favor de la narración escénica. A la obra le aportan verosimilitud y solemnidad el vestuario y los accesorios de utilería.
La escenografía es uno de sus éxitos, al lograr un conjunto de rápida introducción vertical y horizontal, con elementos planos, simples y minimalista, con excelente terminación reproduciendo con expresividad la época reinal castellana.
Los efectos especiales, tan contados como precisos, y sobre todo el uso de la bruma (neblina) y en especial los momentos en que se introducen o salen personajes por los sistemas de elevadores, se suman entre los elementos que hacen del montaje, una experiencia artística memorable.
La pieza es lo mejor que en teatro dominicano ha producido en anos. No hay otra forma de decirlo. Puede usted tener la imagen que quiera de Guillermo Cordero, pero lo innegable es que se trata de un cuadro profesional que sabe lo que tiene entre manos, que lo sabe gerenciar y que tiene la forma de encaminar sus talentos a buen puerto.
Ojalá pueda volver a montarse Juana la Loca ¿Locura o conspiración?
Ojalá
se le ocurra a la Radio Televisión Dominicana plantear la grabación y edición de este trabajo para que pueda ser disfrutado por mucha más gente.
Ficha técnica
Juana la loca: ¿Locura o Conspiración?
Producción: Teatro Nacional
Patrocinio: Sociedad Industrial Dominicana, Central Romana Corporations Ltd., Popular, Alcaldía Santo Domingo, Banreservas, Listín Diario; Copatrocinio: Propagás, Rowe, Banco Central, CEPM, Asociación Cibao de Ahorros y Préstamos, Indotel, Plaza Lama (La supertienda), Excel, Autoridad Portuaria Dominicana, Edesur, Tienda El Canal y Claro.
Dirección general y artística: Guillermo Cordero
Adaptación dramatúrgica: Richardson Diaz
Producción ejecutiva: Camilo Landestoy
Dirección coral y musical: Nadia Nicola
Composición musical y orquestación: Junior Basurto Lomba
Dirección de estilo: Pablo Pérez
diseño lumínico: Lillyana Diaz, Ernesto López, Roberto de León y Darwing Tatis.
Dirección de sonido y microfonía: Manolito Soribas
Escenografía y realización escenográfica: Carlitos Ortega
Utilería: José Enrique Villar
Diseño y confección de vestuarios: Jorge David (todas telas de la Tienda El Canal)
Confección vestuario Ensamble: Magdalena Gutiérrez.
Zapateria: So Danca
Maquillaje y peluquería: Gabriel Jorge
Programa de mano: Vera Peralta
Elevadores: Robótica Advertising
Efectos especiales: Phantom Fuegos Artificiales
Asesoría en mobiliario y estilo: Arquitecta Patricia Reid Baquero
Produccion audiovisual: Aidita Selman
Coordinación de Calzados y tocados: Juan Tavárez
Elenco: Carlota Carretero (Juana Adulta),Mary Gaby Aguilera (Juana Joven), Elvira Taveras (Reina Isabel), Ernesto Báez (Felipe Hermoso), Hony Estrella, (Beatriz de Bravante), Pepe Sierra (Cardenal Cisneros), Richardson Diaz (Sacerdote), Miguel Lendor y José Roberto Diaz (sacerdotes), Pablo Pérez (Marques de Denia), Madeline Abreu (Aixa), Miriam Bello (Fátima), Agustín Rousseau (Carlos V), Johanna Gonzalez, Karla Hatton y Lucy Caamaño (Damas de Juana), Yuyú Ramírez, Carmen Espinosa y Aida Veitía (Damas de la Reina), Laila Taveras (Princesa Leonor), Josué Ureña (Príncipe Fernando), Monserrat de León( Catalina de niña) , Miranda de León (Catalina Adolescente), Enrique Valdez (Escribiente) y Pedro Oviedo ( Médico de la Reina Isabel).
El teatro es inagotable. Y sus caminos nunca, nunca, dejar de sorprender. Cuando ya se comienza a pensar que todos los temas están agotados y todos los enfoques escénicos, realizados, viene este dramaturgo alemán, doctor en leyes penales para colmo, a plantear nueva vez la validez de la escena para poner bajo examen nuestros criterios, valores y principios.
Terror es una pieza resulta de una conjunción de esfuerzos artísticos e institucionales con a un grupo de talentos (técnicos y artísticos) a aceptar una propuesta dramatúrgica, a lo cual han sumado el concurso del país de origen de la misma, expresada por medio de su embajada y embajadora, para
La obra logra que repensemos los conceptos admitidos de ética, de la rectitud, de la verdad, de la moralidad y el valor de la existencia humana y lo hace en torno a un caso: el de un piloto militar que debió decidir entre sacrificar 164 vidas a bordo de un avión civil.
Una pieza que para que revisemos el papel socialmente útil de la mentira y la singular capacidad de decidir quien vive y quien muere. Un compendio caótico de situaciones límite, en procura de perfilar trascendencias, verdades y principios.
A bordo de la nave, unos secuestradores planeaban estrellarla contra un estadio colmado por los 70 fanáticos que asistían a un partido de la final internacional entre Alemania e Inglaterra. ¿A quién sacrificar? ¿A quiénes salvar? Al final, la palabra de descargo o condena, la tendrá el público, dando lugar para cada presentación a un final distinto.
Terror es una obra teatral que resalta en medio del panorama dramático mundial porque proviene de la calidad creativa del escritor y abogado penalista alemán Ferdinand Von Schirach, autor de Manual del Abogado Defensor, en el que figuraba la frase: “La defensa es una lucha, una lucha por los derechos de los inculpados”. Su primer libro «Crímenes» se transformó para mí en un autor de culto, Autor de «El caso Collini», “TABÚ” y “Terror”, “Crímenes”, “Culpa” y “Castigo”. Terror se ha llevado como telecine a cadenas de Alemania. Es casi casi, pieza de culto.
Piezas de este nivel, ratifican el que valga todo esfuerzo la pena seguir yendo al teatro, más allá de la necesidad legítima de la diversión, por sobre el perfil del espectáculo para satisfacer los espacios lúdicos del fin de semana.
Se trata de un quehacer teatral que sobrepasa la vía del arte de escape y nos lleva a constatar el universo paradójico de las relatividades.
Las actuaciones
Terror, pieza que será repuesta a finales de septiembre porque mucha gente se quedó sin verla, permite disfrutar de un concierto de actuaciones que, si bien no es perfecto y expresa altibajos, permite gustar de interpretaciones que sacan a sus talentos de sus roles acostumbrados (sobre todo de la comedia) y demuestran que pueden hacer otros roles.
El caso más significativo es el de Irving Aberty, moldeado y estereotipo de la comedia por su provincia de la expresiva de humor en radio, televisión y cine, para asumir un rol dramático, y quien sale airoso de este desafío artístico. No le habíamos visto en un rol dramático tan bien desempeñado.
Otra personalidad que nos devuelve a la actuación clásica, es la de Yanela Hernández, actriz profesional, gestora cultural y a quien la producción de radio y televisión han sustraído por demasiado tiempo. Era justo tenerla y mucho más en un soliloquio que si bien es manipulador y melodramático, es profundamente asumido por ella y cala en el público con una garra afilada. Se empatiza con su dolor y con su luto.
Luvil González, a quien hemos visto en 2019 en El Vestidor, dirigida por Mario Lebrón, y el pasado 2022, haciendo de Minino, en Sony Di, sobre texto de Liselotte Nin y dirección de Osvaldo Añez, logra el papel más trascendente hasta ahora al dar vida a una fiscal persecutora, necia, con dominio de la escena y una expresión facial que transmite la rigidez de quien busca la condena a toda costa. González es elogiable la caracterización en el montaje de su personaje desde su pelo natural el diseño de los lentes la el maquillaje el estilo la interpretación que la hace muy incisiva. Esta es una de las actrices a las que hay que poner atención porque tiene mucho que dar. Mucho.
Beba Rojas, que asume el protagonismo, a pesar de los fuertes robles del teatro que integran el elenco, se reconvierte y deja salir su esencia expresiva. Increíble lo que logra. Convence y estremece.
Orestes Amador, como personaje eje y trazador del hilo conductor, evidencia su maestría, su dúctil manejo de la voz y sus instrumentos de expresión corporal.
Richard Douglas, está adecuado, justo en el rol de testigo, limitado por la cuestión tecnológica a actuar como quisiera, cara a cara con el público, pero se acopla a las circunstancias y deja un rastro admirable de su oficio.
Madeline Bare, Xavier Ortiz y Nathalia Rodríguez, son talento de soporte que cumplen adecuada, pero no excelentemente bien, sus asignaciones.
Bare resalta por la gracia de su gestualidad, pero hubiéramos deseado más chispa y entrega, en especial en la secretaria del tribunal, limitada por el limitante ausente de parlamentos.
Lo escenográfico
Hay un elemento que opera muy a favor de la obra de teatro y es la escenografía que logra la conjunción en un mismo espacio del tribunal y la cabina de la nave de un avión. La vinculación incluso es más psicológica que espacial lo que hace meritorio a Fidel López del reconocimiento.
Es también llamativa y expresiva la banda sonora y los efectos de sonido, intensos y bien logrados tanto los ambientales como los musicales que acentúan los momentos de tensión, dan matices a los momentos de dolor ternura de llamamiento, de confrontación extrema y de inspiración a los contenidos a los textos que vierten los actores y actrices en sus diferentes momentos en la obra realmente.
Ramón Santana, un director que mucha gente ha tenido al menos en el sentido de que no es de los directores que están en primera línea cada vez que se habla de dirección teatral, sin aspavientos, evidencia su sentido profesional y su talento para la gerencia del total de talentos y recursos.
A Santana le agradecemos su versión de Cambumbo, montaje ganador del Premio Soberano 2020 como mejor espectáculo teatral, Escuela para mujeres, Aló Dios habla Eva (nominada a los Premios Soberano), De Caperucita a Loba en solo seis tipos (nominada a los Premios Soberano) y otras piezas.
En su labor de director hay entregas francamente comerciales que jamás serán parte de la historia del teatro, pero se inscriben algunas que generan una mirada a fondo y la pregunta: ¿Dónde estaba antes Ramón Santana? Terror, es una de ellas, probablemente al nivel de Cambumbo.
Terror volverá a ser representada en Sala Ravelo, el 29 y 30 de septiembre y 1 de octubre, y ha de ser un pecado teatral, dejar de verla.
Título: Terror
Género: Teatro contemporáneo
País: Alemania/RD
Dramaturgia: Ferdinand Von Schirach
Dirección y Producción General: Ramón Santana
Escenografía: Fidel López
Iluminación: Ernesto López
Musicalización: Vadir González.
Maquillaje: Nathy Make Up
Vestuario: Lucía Roque
Fotografías: Edgar Núñez
Edición: Gerald Rodríguez
Audiovisuales: Alejandro Moss
Asistencia de Producción/ Dirección: María José Peña, Alejandro Quintero, Bryan Terrero.
RRPP: Yissus Taveras, Madeline Velásquez
Voz en Off (en funciones): Madeline Bare
Redes y Diseño gráfico: Vanessa Mercedes
Programación (votaciones): Eric Ferrer
Elenco: Irving Alberti, Beba Rojas, Orestes Amador, Luvil González, Yanela Hernández. Participación especial: Richard Douglas. Actuaciones de soporte: Madeline Bare, Juan La Voz y Nathalia Rodríguez.
Sinopsis: Un avión con 164 pasajeros es secuestrado por un terrorista (de ahí el título de la obra, Terror). Su intención es estrellarlo contra un estadio con 70.000 espectadores. Para impedirlo, un mayor del ejército alemán decide derribar el avión, para evitar una tragedia mayor. Ahora enfrenta un juicio donde el público decide si es un héroe o un asesino, si es culpable o inocente. ¿Lo justo es siempre lo correcto?, ese es el planteamiento de Terror.
El montaje de La fiesta del Chivo (Mario Vargas Llosa y dramaturgia de Manuel Chapuseaux) supera la adaptación a las tablas de la obra con una temática que atrae a todos todo el tiempo.
Es la magia del teatro, la fiesta del talento interpretativo y la manera de abordar la construcción del espacio teatral con novedad y criterio en la caracterización de época.
Las funciones en la eternamente amigable Sala José de Jesús Ravelo, del Teatro Nacional, constituyen un fenómeno que trasciende su fuerza de venta en boletería.
La obra es un expresivo escénico que convoca el reencuentro con la historia y que permite entender el valor universal del arte, aun sea su sede, una nación relativamente pequeña.
Lo que logran estos artistas (desde la dirección, la actuación de cada uno de los actores y las actrices y el ejecutado técnico (escenografía, vestuario, peluquería, banda sonora y universo luminoso), refiere el perfume de la calidad en la escena.
En República Dominicana ha contado con un montaje que no solo es sobrio y digno. Es evidencia de la capacidad interpretativa de quienes saben asumir con profesionalidad y compromiso el desafío de personalidades intensas y fuertes, como la de Trujillo, y de proyectar las debilidades y oportunismos de sus conmilitones compartiendo con la impotencia y sacrificio de las víctimas.
Fausto Rojas como Johnny Abbes. FOTO DE LA PRODUCCION
La presentación de La Fiesta del Chivo vuelve a plantear la trascendencia del teatro local, en tanto universo singular que no solo crece en número de salas que ahora florecen en plazas comerciales, en espacios adaptados desde casonas coloniales o republicanos.
El montaje valida en nuevos niveles el teatro local por la vigencia de un lazo fundamental compartido entre artistas y espectadores, construyendo una emoción que conforma un maratón de emociones.
La fiesta del chivo, (Manuel Chapuseaux, director sobre novela de Mario Vargas Llosa) ha sido, como montaje, un fenómeno artístico y de público dando lugar a funciones que no han tenido una sola butaca vacía, debido a una confluencia de factores: el interés en el tema porque Trujillo sigue siendo el tema histórico y social que más arraigo en el público.
La dictadura siempre opera como un plato de miel frente a las moscas y no es claro si se trata de un acto de masoquismo colectivo o la búsqueda de razones en la sinrazón.
Otro factor del atractivo por los talentos involucrados y particularmente por la selección de Augusto Feria, el actor dominicano que mejor caracteriza al director y cuya ausencia en películas que se han rodado sobre el tirano, ha sido notable.
Augusto Feria, intenso, con una fidelidad física, vocal y temperamental únicas respecto de Trujillo, supera la interpretación de Juan Echernove , en el Teatro Infanta Isabel, que vimos en Madrid (también a casa llena) en enero de 2020, poco antes de declararse la pandemia .
Feria ha recibido y aprovecha convenientemente, su viejo y legítimo deseo de hacer un Trujillo real, creíble, aborreciblemente verdadero, necesario hecho ante tantos errores de casting desperdiciados.
Pero sería grave dislate suponer que sólo Augusto Feria constituye el atractivo escénico del personaje, pero esa visión es parcial debido al notable rendimiento del elenco
Fausto Rojas (Johnny Abbes), Elvira Taveras (Urania adulta), Cindy Galán (Urania de adolescente); Henssy Pichardo (el Senador Cabral); Francis Cruz (Manuel Lorenzo); Miguel Bucarelly (Balaguer) resultan ser el actor adecuado para el papel que enfrentan.
La evaluación actoral es un mosaico digno de recordar: Rojas se mueve con disciplina y comodidad y hasta satisfacción en el perfil sádico de su J. Abbes, Francis Cruz, logrando la caricatura precisa, lo que es un serio quehacer y Henssy está justo en sus medidas como el «Cerebrito».
La representación femenina en la actuación, cuenta con una maestra (Elvira Taveras) y una de las jóvenes figuras de mejor desempeño, ambas haciendo de Urania.
Un aspecto resaltante es la ambientación de época y en especial vestuario y peluquería, el espacio teatral, rompedor de esquemas resumiendo en planos y colores, los signos y símbolos de la dictadura.
El montaje hace justicia a La fiesta del Chivo, publicada hace 23 años por Mario Vargas Llosa, autor que puede ser para usted políticamente lo que le parezca pero que queda fuera de toda duda, su raigambre trabajada y coherente en el despliegue de su narrativa y la precisa selectividad temática de sus obras.
La novela es una diva a los ojos de productores de muchos países, sobre todo de habla hispana por la estatura de su autor original y lo atractivo del tema dictatorial.
Las boletas de la temporada se han agotado.
La semana próxima habrá dos funciones extra. Aprovecharlas será el deber a que llama el compromiso con el teatro de excelencia.
Ficha técnica
Título: La fiesta del chivo
Autor: Mario Vargas Llosa
Dirección y dramaturgia: Manuel Chapuseaux
Asistencia dirección y regiduría: Canek Denis
Escenografía: Miguel Ramírez- Teatro de los oficios
Vestuario: Milagros Tiburcio/Severino Capellán y Gina Terk
Maquillaje/peluquería: Warde Brea
Coreografía: María Emilia García Portella
Fotos: Alejandro Núnez Frómeta
Elenco: Augusto Feria (Trujillo), Henssy Pichardo (Senador Cabral); Francis Cruz (Manuel Lorenzo); Miguel Bucarelly (Balaguer), Elvira Taveras (Urania, adulta) y Cindy Galán (Urania, joven); Fausto Rojas (Johnny Abbes).
Santo Domingo. – El respaldo a la cultura por parte de Banreservas en teatro y cine dominicanos, se expresó el fin de semana con el montaje en Sala Ravelo de Pinocho (Claudio Rivera, Teatro Guloya), Lorquianas en el Centro Cultural Banreservas, en el cual también se proyectó y analizó el jueves la película La Boya, (David Maller), con masiva asistencia.
El montaje de Pinocho en la Sala Ravelo, como parte de la II Temporada de Teatro Banreservas, fue un éxito artístico y de público. “Pinocho”, con dirección y dramaturgia de Claudio Rivera, sobre texto original de Carlo Lorenzini, cuyo seudónimo es Carlo Collodi, fue un acontecimiento.
La adaptación fue producida por Viena González, que resultó una puesta en escena cargada de ingenio, creatividad y salpicada de humor. Claudio Rivera interpreta a Geppetto mientras que Dimitri Rivera hace a Pinocho.
El productor general de la II Temporada de Teatro Banreservas es Guillermo Cordero, quien organizó todo el montaje y seleccionó las piezas a ser presentadas.
El espectáculo teatral “Lorquianos”, dirigido por la veterana Germana Quintana, con la producción de Teatro Las Máscaras, fue presentado viernes 24 y sábado 25, un espectáculo de lecturas musicalizadas y dramatizadas por Lidia Ariza y Patricio León.
Ambos evocan un cruce de textos de las obras más emblemáticas del aclamado Federico García Lorca, dentro de las que se destacan: “Mariana Pineda”, “Doña Rosita la Soltera”, “La Casa de Bernarda Alba”, “Bodas de Sangre”, “El Público” y “Yerma”, en un representativo homenaje al gran poeta español.
El pasado jueves, se proyectó en el mismo Centro Cultural Banreservas La Boya, drama dirigido por David Maler), protagonizado por Eduardo Noriega y las actrices dominicanas: Camila Issa, Inti Santana.
Las protagonistas y el director participaron en el cine foro moderado por la crítica de cine Ines de los Santos, de la Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica, para analizar la pieza y revelar cómo se logró su realización. La conversación con el público, las actrices y el director Maler arrojó nuevas miradas sobre La Boya.
Coloquio sobre Domínguez
Este martes 28, se desarrolla a partir de las siete de la noche el coloquio sobre Dramaturgia de Franklin Domínguez titulado Aspectos y formas teatrales, a cargo del crítico y ensayista Odalis G Pérez, con entrada abierta hasta completar el aforo, como presentación final de la II Temporada de Teatro Banreservas.
Es, sin lugar a duda, el más prolífico dramaturgo dominicano y ha destacado por sus raíces de dominicanidad haciendo grandes aportes sociales, a través del teatro, durante 70 años ininterrumpidos de labor.
Final de II Temporada Teatral
En el Centro Cultural Banreservas, Lorena Oliva, fundadora de Teatro Alternativo protagoniza el monólogo La revolución de las palabras está fijada para ser montada el viernes 1 y el sábado dos de abril. Es un espectáculo familiar que juega con la inteligencia, la gracia y el dramatismo bien desarrollado.
El viernes 1 de abril y el sábado se presenta en la Sala Ravelo, del Teatro Nacional, la obra teatral Hasta el abismo, del dramaturgo Rafael Morfa, dirigida por Isabel Spencer, con las Paula Disla, Isabel Spencer, Johanna y Luvil González, Yasiris Báez y Freissy Andrina.
SANTO DOMINGO. El Centro Cultural Banreservas la II Temporada de Teatro Banreservas, dedicada al actor, productor y dramaturgo Franklin Domínguez, elevando a ocho el número de obras de la cartelera y ampliando a dos los escenarios en que se montarán.
El director general de relaciones públicas de Banreservas, Wilson Rodríguez, informó que segunda temporada se realizará, en Sala Ravelo desde el viernes 10 de marzo hasta el domingo 2 de abril y que se agregan funciones en el cine-teatro en el Centro Cultural Banreservas en la calle Isabel La Católica, en la Ciudad Colonial # 202, con producciones de diversos géneros, corrientes estéticas y propuestas para toda la familia.
La II Temporada ofrece equidad de género en cuanto a la producción teatral que está a cargo en en partes iguales de mujeres y hombres, incluyendo jóvenes promisorios y veteranos, según lo explicó Rodríguez, al reiterar el respaldo del Banco de los Dominicanos a todas las manifestaciones artísticas y culturales, en esta ocasión al de las artes escénicas.
Guillermo Cordero, Wilson Rodriguez y Mijail Peralta durante el anuncio de la II Temporada de Teatro Banreservas.
“Sentimos gran satisfacción de que por segundo año consecutivo estamos apoyando esta temporada de teatro, lo que refleja nuestro compromiso con el fortalecimiento del teatro y respaldo a todos sus protagonistas”, dijo Rodríguez.
Esta iniciativa es producida y creada por el talentoso productor dominicano Guillermo Cordero y está concebida como una muestra anual de teatro independiente dominicano, para convertirse en una plataforma de estímulo a la creación teatral del país.
Escena de Pinocho, con el protagónico de Dimitri Rivera, dirigida por Claudio Rivera, de Teatro Guloya.
“Quienes estamos vinculados al quehacer artístico sabemos la importancia de contar con el respaldo de una entidad como el Banco del Reservas y su Centro Cultural Banreservas, que desde el primer día respaldaron esta idea, hoy valoramos en su justa dimensión que por segundo año muestren su sensibilidad y apoyo a veteranos y jóvenes prometedores, que participan en esta segunda temporada, con puestas en escena de gran nivel y calidad”, dijo Guillermo Cordero al presentar las ocho obras de esta entrega.
Lorquianos, estreno (Teatro Las Máscaras) 24/06/22 @mikpasco
La I Temporada de Teatro Banreservas estuvo dedicada a Iván García y en esta ocasión se reconocen los aportes de Franklin Domínguez, una figura emblemática de las tablas dominicanas, fundador y exdirector del Grupo de Teatro Banreservas.
Las obras se presentarán gratuitamente cada fin de semana a estudiantes de la Escuela Nacional de Arte Dramático de la Dirección General de Bellas Artes, (ENAD), Grupo de Teatro de Intec, Grupo de Teatro Apec, Escuela de Teatro de la UASD, Academia de Formación Artística Amaury Sánchez (AFA) y Grupo de Teatro PUCMM.
Los productores y productoras de las obras teatrales que conforman la cartelera de la II Temporada de Teatro Banreservas.
En la Sala Ravelo
“Todas las Canciones de Amor”, con la producción de Juancito Rodríguez y la actuación de la veterana actriz Elvira Taveras, viernes 10, sábado 11 a las 8:30 de la noche y domingo 12 de marzo a las 6:30, que será el horario de todas las funciones durante el mes de presentaciones.
“Las Sillas” se monta los días 17, 18 y 19 de marzo con la producción de Cuadro Dramático de Santo Domingo y las actuaciones de Camilo Landestoy, Johanna González y Miguel Lendor.
“Pinocho” será los días viernes 24, sábado 25 y domingo 26 de marzo bajo la producción del Teatro Guloya y las actuaciones de Claudio Rivera y Dimitri Rivera.
“Hasta el Abismo” concluye la agenda de esta temporada el fin de semana comprendido entre el viernes 31 de marzo y los días sábado 01 y domingo 02 de abril con la producción del Colectivo Maleducadas y la actuación de Paula Disla, Isabel Spencer, Johanna González, Paloma Palacios, Luvil González y Alondra González.
En Centro Cultural Banreservas
“Las cosas extraordinarias”, con producción de Raúl Méndez y actuación de Xiomara Rodríguez se presentará en el Centro Cultural Banreservas, viernes 10, sábado 11 y domingo 12 de marzo.
“Ajonjolí” es una producción de Teatro Piedepuente y la actuación de Aileen Ceballos. Se presentará los viernes 17 de marzo las 10:00 de la mañana y sábado 18 y domingo 19 a las 5:30 de la tarde.
“Lorquianos”, producida por Teatro Las Máscaras con la actuación de Lidia Ariza y Patricio León, estará en escena viernes 24, sábado 25 y domingo 26 de marzo.
Domínguez, homenajeado
El artista teatral homenajeado es Franklin Domínguez Es, sin lugar a dudas, el más prolífico dramaturgo dominicano y ha destacado por sus raíces de dominicanidad haciendo muy grandes aportes sociales, a través del teatro, durante 70 años ininterrumpidos de labor. En el 2003 recibió el Premio Nacional de Literatura, reconocimiento otorgado por el Estado Dominicano y la Fundación Corripio a la obra conjunta de un autor. En junio del 2008 recibió en Puebla, México, la Orden de Carlos V, declarándolo Dramaturgo Real y recibió el Premio Soberano a las Artes Escénicas en 2019.
Su producción dramática es abundante, con más de ochenta obras escritas y, en su mayoría, representadas exitosamente tanto dentro como fuera del país; y abarca la comedia, la tragedia, la sátira política, el teatro infantil y el drama cotidiano
Nacido en Santiago de los Caballeros el 5 de junio de 1931, dramaturgo, director teatral, licenciado en filosofía, abogado, actor, productor de radio, cine, televisión y, además maestro y político.
Ha sido director general de Bellas Artes en cuatro ocasiones, y presidente de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos de República Dominicana, y miembro adherente de la similar Sociedad de París.
En 1979 recibió el Gran Dorado como artista más sobresaliente del año y en 1983 ganó el Accesit al Primer Premio en el Certamen Internacional de Dramaturgos Diego Fabri, celebrado en Palermo, Italia, con su obra “Omar y los demás”. Ha obtenido el Premio Nacional de Teatro Cristóbal de Llerena en nueve ocasiones: en 1975 con “Omar y los demás”, en 1979 con “Lisístrata odia la política”, en 1983 con “Los borrachos”, en 1986 con “Drogas”, en 1992 con “Las extrañas presencias”, en 1997 con “Bailemos ese tango”, en 1998 con “Duarte, fundador de una república”, en 1999 con “La telaraña del poder”, y en el 2003 con “Tú también morirás”.
La magia del teatro ha vuelto a tener lugar.
Ya son tantas las veces que nos convencimos, hasta ahora, de que lo presentado en tablas es ficticio y las emociones expresadas, creadas, no reales. Pero vuelve a hacernos sentir y creer…. !Caramba…. es una magia que se reditúa y nos recoloca de nuevo en su juego de emotividades!
Cuando uno se sale de la sala Ravelo con la emoción prendada en la garganta, luego de que algunas espectadoras lloraran por el discurso de imágenes y parlamentos, tras la exposición de complejos sentimientos de solidaridad, dolor, impotencia, amor superviviente y como siempre gratificando la memoria con una más de las entregas que desde las tablas del escenario, nos seducen por su impacto y nos doblegan toda actitud de indiferencia ante el arte en una de sus formas más directas y puras: el teatro.
Acepto lo que sea, pero contigo (creo que la coma que es procedente por reglas gramaticales, por alguna razón el autor no la puso) lleva al espectador que nada sabe de su trama, a pesar que se trata de una más de las muchas comedias “busca moro”, de esas que un grupo de actores y figuras de la televisión rastrean por su impacto en taquilla (generalmente en Europa, Argentina o Estados Unidos) para provocar, con vía de la necesidad de la risa, unos pesos, bien ganados para nada más allá.
Ese título deja el mensaje de estar ante una de muchas comedias insulsas, programadas para vender boletas, exponer caderas y recrear con palabrotas.
Tenia mis dudas en torno a asistir o no a una pieza con ese título, pero decidí investigar: ¿Quién escribía? ¿Quién era el director? ¿Quiénes eran los talentos actuantes?
Al enterarme de que Vicente Santos era el director, al conocer que la pluma de la dramaturgia era Richardson Diaz y que los actuantes era Pepe Sierra y Judith Rodríguez….me dije: “De esa combinación de trayectoria, nada cuestionable puede salir”.
A Vicente Santos le aprecio desde sus inicios, desde antes de irse a especializarse fuera del país, por su arrojo, su notoria presencia en escenario, por su selectividad para determinar los proyectos en que se involucra y por tu inteligencia selectiva.
En esta pieza, logra imprimir un color interpretativo único y coordinarlo con el resto de sus recursos artísticos y técnicos, en una muestra de buen gusto y que lo reposiciona como director, además de sus entregas como actor.
Richardson Díaz es un artista sorprendente. Un creador de concepto e intérprete actoral para cine y teatro que construye una carrera promisoria por lo que es tiempo ya de reconocerte la consistencia de su carrera. No es solo bueno en lo que hace. Producto de su formación, arraigada en su pasión por contar historias, Diaz es una expresión dramática novedosa, sorprendente y digna de ser tomada en serio.
Acepto lo que sea, pero contigo, como concepto e es un exordio inteligente y sensible a la soledad en la pareja, al drama de la salud ante sus últimas crisis, a la validez del amor vivido en concepción independiente de los formalismos sociales, al himno de lo cotidiano con sus ítems aprendidos, sus inocentes trampas de ubicación, y ya a final, a la validez del amor pasada o vivida toda tragedia. Como se expresa, un tema de serias vertientes y de interés para todo aquel ser que ama, que está solo, que vive en compañía.
Con la calidad de su concepto, Pepe Sierra, otro joven talento de la actuación y uno de los mejores del cine, desde que hizo un papel secundario en 2015, en Pueto Pa Mi, (Iván Herrera), con tan gracia que llamó la atención de la crítica y el público. Ahora entra a un proyecto de teatro en una doble condición: productor y protagonista, saliendo con los lauros del éxito porque ha logrado esa impecabilidad tan inalcanzable en una doble función tan riesgosa y exigente.
Asumió, con mucha seriedad, su papel de responsable de echar adelante el proyecto de arte como quehacer empresarial, y ha logrado coronar con éxito.
Sierra, actoralmente, es un talento de múltiples recursos interiores y exteriores, que bien explota, Ahora como Ernesto, asume la personalidad de un enfermo terminal de una catastrófica, y se luce el movimiento corporal, la vacilación en el manejo de la voz, las expresiones faciales, la intensidad y la ternura de su interpretación.
Judith Rodríguez (Bella) vuelve a hacerlo: emanando emociones intensas y cruzadas, expresando más de una personalidad de su rol, jugando con su voz y su cuerpo, eleva al público al extremo de sus capacidades, que generan emotividades intensas. Extraordinaria. No hemos salido del rictus de La mujer puerca, ese soliloquio en que evidencio que lo suyo nada tiene que ver con escándalos nacidos de la chismografía corporativa mediática o los titulares de vida efémera, cuando ya la tenemos como una Bella que ha de permanecer viva en nuestra memoria emotiva. Judith es el arte teatral vivo.
Llama la atención, la escenografía (responsabilidad de un Jose Enrique Calvoof (de quien no sabíamos nada antes), por su capacidad de ambientación desde lo simple, basado en colores base, minimalismo y un respaldar decorado de pared sencillamente inolvidable. Su manejo de los espacios, de los planos espaciales, la ductilidad de los muebles, hacen que uno se pregunte: ¿ Quién es este tipo?
La conclusión es: escénicamente, estamos en transición permanente, de una generación talentosa a otra, en un ciclo inexorable, imposible de detener, positivo y necesario.
Si tiene oportunidad de disfrutar de esta joya escénica, no se la pierda.
Sinopsis: UUna pareja joven con muchas ilusiones, pero que ignoran que a veces, el destino te presenta escenarios inimaginables: enfermedad, cotidianidades y temperamentos, harán de las suyas
Ficha Técnica
Acepto lo que sea, pero contigo
Drama con tintes de comedia
2023
República Dominicana
Dramaturgia: Richardson Diaz
Dirección: Vicente Santos
Producción: Pepe Sierra
Protagonices: Pepe Sierra (Ernesto) y Judith rodríguez (Bella)
Escenografía: Jose Enrique Calvoof
Creatividad lumínica: Ernesto López
Vestuario: V. Santos y J. E, Calvoof
Música: Alioska Michelén
Patrocinios: Caribbean Cinemas, Jumbo, Downtown Center, Lanco, Oncoserv (Servicio Oncológico Integral)
Lo sabemos: en teatro, para el crítico, lo más difícil de lograr la critica premonitoria.
Augusto Feria, uno de los más formidables actores de carácter de la República Dominicana, habrá de tener la oportunidad de evidenciar lo lerdo de muchos directores que no pensaron en él a la hora de seleccionar quien haría apropiadamente a Trujillo en sus películas.
Feria tomará en escena cuerpo como Trujillo como nunca antes se ha logrado, en un rol fijado para los días 21 al 23 y del 27 al 30 de abril en Sala Ravelo, con la producción de Dunia de Wint, con el montaje de La Fiesta del Chivo (adaptación dramatúrgica del escritor español Natalio Grueso sobre novela de Mario Vargas Llosa).
Cartel de la funcion La Fiesta del Chivo.
Haciendo excepción de la trilogía de documentales de René Fortunato ( “Trujillo: El poder del Jefe”, entre 1991 y 1996) porque no necesitaban de interpretación actoral), los roles de Trujillo en el cine se ubican en una escala entre lo insuficiente, lo inadecuado y lo francamente decepcionante La lista inicia incluso con el que hizo Edward James Olmos, en “En el tiempo de las mariposas” (Mariano Barroso, 2001); Gerardo Herrero en “El misterio Galíndez”, y basada en la novela “Galíndez”, de Manuel Vázquez Montalbán, con el español Enrique Almirante como Trujillo; Tomás Milián, excelente actor cubano, hizo de Trujillo en La Fiesta del Chivo; 2010 y Juan Fernández en “Trópico de sangre”, -una película de Juan Deláncer que estimamos fue infravalorada- -que no estuvo mal, pero tampoco estuvo adecuado por las diferencias morfológicas y otros factores interpretativos.
En esas producciones, el casting falló.
Augusto Feria era el hombre y no solo por la identidad corporal y facial, porque el factor fundamental es la capacidad de adaptabilidad, psicológica vocal y la capacidad de aprehensión de la psicología de personaje. Ahora, le ha tocado a Dunia de Wint, compensar el fallo de tantos directores famosos.
Conocemos el Trujillo de Augusto Feria y, lo confesamos: nada que ver con ninguno de los intentos llevados a pantalla hasta ahora.
Cierto que no hemos visto esta versión, pero sabemos desde hace años, de la capacidad de Feria para este personaje en particular. Este texto es una especie de critica premonitoria.
La experiencia que aportará en la Ravelo en abril, será memorable, sin desmedro alguno del resto de los miembros del elenco que le acompañara, porque son “todas estrellas”.
Con la dirección de Manuel Chapuseaux, lo que se espera es un concierto de actuaciones especialmente para el estudio de actores y aspirantes a actuar: Elvira Taveras, Henssy Pichardo, Miguel Bucarelly, Fausto Rojas, Francis Cruz y Cindy Galán..
Lo que se prevé es que estaremos ante una representación imprescindible de ver.
La obra «La Fiesta del Chivo», (Mario Vargas Llosa), con todo y el rechazo local a muchas de las interpretaciones históricas que hace el Premio Nobel de Literatura, – recordando que no es un texto de historia sino una novela – de lo que se trata al final es de un texto histórico sobre una parte esencial de nuestra historia con tintes de ficción.
Sobre la novela
En «La Fiesta del Chivo» se narran los últimos días del dictador Rafael L. Trujillo en el país.
SINOPSIS: El autor construyó el personaje de Urania Cabral, una exitosa abogada que abandonó el país de forma misteriosa siendo una niña. Tres décadas después, regresa para visitar a su padre moribundo, el señor Agustín «Cerebrito» Cabral, un antiguo alto cargo del régimen que cayó en desgracia. Durante ese viaje se desvela el secreto que la protagonista ha guardado celosamente desde su huida.
Dunia, en su papel de promotora de su proyecto, dice «La Fiesta del Chivo» es una lección de vida, que nos recuerda que el valor y la dignidad son los únicos antídotos contra la barbarie.
Para nosotros, este montaje es un acto de justicia para con un Augusto Feria extraordinario en su capacidad y a pesar de la cual subvalorado por los responsables tener en sus manos el guión o el libreto a montar de La fiesta del chivo.
Hermosa y quien sabe si no casual, la coincidencia del remontaje de Hoy no me quiero levantar, producción local de José Llano, con el musical Dolly Parton Navidad en la Plaza, por la presencia en ambos del tema de la inclusión, la denuncia de la injusticia social y el uso común de la danza y la canción como vías para expresión.
Hermosa la coincidencia del criterio estético de este montaje musical, Hoy no me puedo levantar, con la base del programa Quiéreme como soy, una de las iniciativas creativas de José Llano, productor de este trabajo.
Y, lo que llama la atención, con el mismo nivel de perfección del montaje local, con la del show de streaming de Netflix , producida en 2020.
En los dos trabajos pase al mismo discurso de inclusión racial, de imagen corporal, de orientación sexual diversa. Ambos son himno artístico a la diversidad humana, al rechazo al prejuicio, a la integralidad de la variedad como factor de unicidad humana.
Cuando se disfruta un musical como Hoy no me puedo levantar, que recrea, más que la discografía del paradigmático grupo de balada rock español Mecano, la historia, drama y gloria de sus integrantes, podría el espectador quedarse en el universo de los aportes artísticos e inadvertir su positiva impronta ideológica y de inclusión que permite dar espacio al sentido de justicia, contra los estereotipos, al exponer con una perspectiva sin prejuicios, el respeto por las diversas formas de ser y sentir.
El manejo de la diversidad y la inclusión añaden un valor singular a Hoy no me quiero levantar. ?Quien dijo que las bailarinas todas deben ser delgadas? ?Quien refirió que en un escenario están prohibidos los besos entre parejas del mismo sexo, si el teatro es reflejo de la vida? ?Quien ordenó que los artistas en escena solo deben ser blancos o heterosexuales?
Técnica y artísticamente se ratifica el criterio del crecimiento del musical en el país como dueño de su máxima expresión artística y técnica, desde el punto en que comenzó a ser representado, hace ya 35 años, en nuestros escenarios. Ha sido un camino largo y una ruta que ha demandado esfuerzos, creatividad, entrenamiento, tecnología.
Repuesto el montaje por su productor José Llano, el musical produce una sensación de máximo respeto al público por el amor y cuidado en cada uno de los factores que lo integran.
FOTOS DE LA PRODUCCION HOY NO ME QUIERO LEVANTAR
Se han dado cita una serie de elementos de excelencia: el amor por el montaje por el productor José Llano, su dirección vocal (Paola González), la dirección teatral (María Castillo), la dirección técnica de un Fidel López que no se cansa de sorprendernos por la forma en que se ha establecido como una de las marcas de la escena dominicana, la dirección musical de Junior Basurto Lomba y el trabajo extraordinario, sincrónico e inspirador de la coreografía a cargo de Nathalie Borsos.
A esto se agrega una actuación coral a cargo de José Guillermo Cortines, Akari Endo, Javier Grullón, Karla Fatule, Irving Alberti, Pamela Sued, JJ Sánchez, Zeny Leiva, Juan Espinal, Luis Pérez, Pablo Pérez y Alexander Duval, de entre los cuales Duval se nos lleva las palmas por su indescriptible integración al resultado final desde sus roles en Las Pepas y como maestro de danza, afanado en esta coreografía contemporánea.
Los temas musicales recreados con fuerza y fidelidad, fueron: “Hoy no Me Puedo Levantar” hace un repaso por las más exitosas canciones de Mecano entre las que figuran “Quiero Vivir en la Capital”, “Maquillaje”, “Quédate en Madrid”, “Mujer contra Mujer”, “Me Colé en una Fiesta” y “Cruz de Navaja”.
Uno de los aciertos del libreto es cruzar el trayecto de Mecano con las coyunturas sociales que vivió España en esos tiempos cruciales, lo cual se refleja como grito de rebeldía iconoclasta.
Hoy no me puedo levantar nos robó hasta el último suspiro, junto al resultado de la danza coreografiada, los desempeños actorales y la escenografía física, el desempeño de la escenografía digital, su interacción y sincronía con las actuaciones en vivo y la terminación de sus diseños.
Habíamos realizado una evaluación del arte escénico de 2022 en el cual consideramos como musical del año Mariposas de Acero, pero al ver esto, lo menos que podemos hacer es compartir el lauro, siendo como resultan, dos trabajos resultados de vocación, talento, empuje y perfección en niveles que el genero no había alcanzado.
Fue una injusticia no haberlo incluido en nuestra selección de lo mejor del arte popular y clásico de 2022, pero cuando se estrenó, no lo vimos. Estábamos fuera del país.
Este musical producido por Llano, requirió de un esfuerzo humano y técnico, considerablemente mayor, sin desdecir para nada lo dicho del trabajo de Waddy Jáquez y Pablo García. Ambos musicales nos llenan de orgullo. Ambos adoptando caminos expresivos distintos y válidos.
¿Por qué Mecano?
El grupo Mecano se conserva en el recuerdo por haber sido, entre 1981 y 1992, el grupo español de género pop, pioneros del tecno-pop, new wave y wave en España e Iberoamérica, integrado por Ana Torroja y los hermanos Nacho y José María Cano
Refiere Wikipedia que Mecano realizaba un pop que evolucionó desde una sonoridad puramente tecno, durante su primera etapa (entre 1981 y 1985), hasta el eclecticismo de la que es considerada como su segunda época artística (entre 1986 y 1992), en la que el grupo demostró gran versatilidad a través de grandes producciones y de la incursión en diferentes estilos, siempre desde un planteamiento unificador logrado especialmente a través de la sonoridad pop de su vocalista, que sirvió como tamiz nivelador de las muy diferentes concepciones artísticas de sus dos autores, los hermanos Cano.
Las sorpresas que el teatro comporta, son infinitas.
El teatro siempre hace correr emociones cuando sabe encontrar el camino que lleva al fondo del alma de quien llega.
Nuevamente el espectador ingresa a la sala sin tener idea de la experiencia a que será sometido.
Lo que se abre a la vista es un escenario con apenas una mesa de madera, y extendidas telas que cubren el fondo. Nadie sabe, con certeza, qué puede pasar.
Clara Morel. Fotos de la producción.
No era claro que, en el montaje, concurrirán solo factores de éxito: un exquisito, disfrutable texto, bien ganado en imaginación basada en la historia patria y uno de sus personajes más abominables, con el talento de un hombre inscrito en la dirección de la inteligencia y la sensibilidad y una actriz llegaba para sorprender con uno de los actorales unipersonales que deben ser registrados entre lo mejor visto en 2022 y uno de aquellos que se perpetúan en la mente, tras el paso del tiempo.
Los nombres de los responsables de lo vivido: Priscila Velázquez Rivera, narradora, tan buena como para haber ganado un premio en España con su primera novela, La valiente piconera (Accecit novel XVIII de Concurso Narrativa Femenina Princesa Giliana y finalista en el Premio de Narrativa Camilo José Cela, 2018, de Guadalajara, ambos en España). La representación en Sala Ravelo, estaba basada en el capítulo Gorgona: la abuela del escorpión», de la novela La cuna del escorpión, ganadora del Premio Anual de Novela, del Ministerio de Cultura 2021, un texto, cuidado frase a frase, imaginación y paralelismos históricos coyunturales, se ocupará de seducir la platea. La página web de la autora.
El segundo de los factores es la dirección: un Manuel Chapuseaux con la oportunidad en el tipo de montajes que realmente lo dejan sentir creador de sensaciones y universos. Es el Chapuseaux que encuentra en un texto dado, el universo para dejar su marca como. Es trabajar ahora para la inmortalidad artística, para llenar las imaginadas fichas de los historiadores teatrales de futuro.
El tercer factor la actuación, a cargo de una joven actriz: Clara Morel, graduada de teatro y comunicación (Escuela Nacional de Arte Dramático de Santo Domingo y Diplomado en Gestión Cultural en el Centro de Tecnología del Espectáculo
de Madrid, Escuela de Comunicación Social de la UASD y posgrado en del Instituto Internacional de Periodismo José Martí de La Habana).
¿Qué ocurre con esa actuación?
Acontece que este texto subyuga y somete artísticamente al público para viajar por paisajes y realidades dibujadas con la precisión aguda de un estilete, el de Priscila, el manejado para la expresividad que le imprime Chapuseaux y consagrada por un recital histriónico de Moral que ahora solo deja lo que es imposible de olvidar: una actuación de ensueño. Desdoblada en voz y expresión corporal en ocho ocasiones cada vez, (ahí paramos de contar) Morel otorga nueva dimensión a personajes que vuelven del pasado o que los creó desde el blanco y negro, Velázquez Rivera.
Estos afanes para vivir el teatro, llevan a la pregunta irresuelta: ¿Cuál es la mejor actriz dominicana? Imposible responder con un nombre, o con dos, o con tres.
Lo que logra Clara Morel, la inscribe en un privilegiado círculo de actrices que con mayor intensidad nos han ofrecido actuaciones que permanecen en la memoria: María Castillo (Teatro Mandrágora), Elvira Taveras (sobre todo con su Lorquiana insuperable), Karina Noble, Cecilia García, Judith Rodríguez, Ruth Emeterio, Olga Bucarelly, Naslha Bogaert, Xiomara Rodríguez y Lidia Ariza. Hay otras, pero ruego se disculpe a este ya anciano cronista de 72 años que no recuerda qué desayunó esta mañana.
Morel desarrolla una capacidad de acompañarla por el recorrido en el pasado, y establece en cada gesto y cada palabra, en tono grave, o agudo, o gutural, o en el expresivo del cuerpo enlazado con elementos de utilería muy simple que logran hacer ver animado desde lo inanimado. Fue un concierto actoral producto de un trabajo medido, calculado y concebido para su trascendencia.
La actriz, periodista y activista social Clara Morel, protagonista de ese monologo de Priscila Velázquez. Foto de Redes Sociales
La escena principal no es el desnudo artístico completo y frontal que desarrolla el director, (uno de los seis que hemos visto en Sala Ravelo y sin dudas uno de los mejores), ejecutado por Morel con un refinado gusto y cuidado visual, sino el parto y la forma de cerrar temáticamente el círculo de los hechos narrados.
Esta pieza quedará en el recuerdo. Y en las listas de nominación de todo premio en el cual haya teatro por reconocer. Y debería ganar.
Lastimeramente, el monólogo era una presentación única, para poner a circular la edición personal de la autora de la novela ganadora del lauro en 2021.
