Teatro

Evaluación escénica de 2023: las10 mejores obras teatrales y musicales

Haremos un amplio recorrido por el teatro hecho en el país en 2023, incluyendo sus 4 grandes acontecimientos teatrales, sus diez mejores producciones teatrales, sus dos musicales sobresalientes y un inventario de casi todo lo presentado en los escenarios locales.

Pero… previo a todo: ¿qué es el teatro?

El teatro es la vida en grado superlativo. No es solo un arte escénico para la representación de un texto. Es un vínculo vivo, una relación – la más directa entre artistas y púbico— a diferencia del cine que rueda escena a escena hasta que quedan bien, distinto a la pintura, que el espectador disfruta las obras en ausencia de quien ha pintado, alternativo a una novela, con cuyo autor o autora, es difícil que el lector se encuentre cara a cara. Seguir leyendo…

Juana la Loca, ¿Locura o Conspiración?, lo mejor del teatro en 2023

Para entender el contexto de este montaje es extenso, hay que referir a la Reina de Castilla, Juana I, llamada Juana la Loca, nacida en Toledo en 1479 – Tordesillas, Valladolid, 1555), tercera hija de los Reyes Católicos, casada – sin ser consultada- con el archiduque austriaco Felipe el Hermoso en 1496.

Ese mismo año en que fue jurada como heredera por las Cortes de Castilla (1502) empezó a manifestársele una enfermedad mental, determinada según algunos por la infidelidad de su marido, hacia quien sentía un amor apasionado.

El recorrido, desde la perspectiva del talento nacional (escritural, y actoral), abarca  la obra teatral de  Manuel Rueda, Retablo de la pasión y Muerte de Juana la Loca,  pasando por la  adaptación de Richardson Diaz, la visión  de Guillermo Cordero al concebir y desarrollar el proyecto que requirió la participación de  los más de cien talentos en sus diversas áreas, un empleo de la tecnología como se ha visto pocas veces, y revelación  que ha supuesto la actuación de Mary Gaby Aguilera (como Juana Joven), y la ratificación del resto de los talentos del resto del elenco, y al cual nos referiremos más adelante.

 

 

Al salir de la representación de Juana la loca ¿Locura o conspiración?, el público lo hace en disfrute cierto de haber acudido a un espectáculo que deja parlamentos, las volteretas de la trama sobre la atormentada vida de Juana I de Castilla, efectos visuales, recursos técnicos manejados con criterio y a fondo, pero, sobre todo, por imágenes visualmente inolvidables, plásticamente adscritas a la belleza al equilibrio lumínico y de los cuadros clásicos del renacimiento.

Visualmente, el montaje concebido por Cordero se inscribe en la galería de los espectáculos más hermosos y exuberantes de entre los presentados en este escenario en 50 años de funciones.

Todo parte de la adaptación, manteniendo el marco isabelino español de época, de la obra de Manuel Rueda, por parte de Richardson Díaz, que, con este, acaba de dar el paso más importante de su carrera hasta el momento.

Joven y talentoso, este chico merecería el reconocimiento pleno por su trabajo, junto con la visión de Guillermo Cordero. Juana la loca, ¿locura o conspiración? echa con fuerza mano a la música coral, a la recitación armónica colectiva, a la proyección de cine (empleada puntual y simbólicamente y con un acierto extraordinario), a las actuaciones, sobre todo en sus soliloquios, al ensamble que sorprendió por su perfección y armonía.

Notable la participación del coro de los Caballeros Guardiamarinas de la Armada Dominicana, quienes dejan en escenario la impronta artística que los ha adiestrado, en adición a su vocación militar.

(Ensamble es agrupación, conjunto, ensamble, banda o grupo musical se refiere a dos o más personas que, a través de la voz o de instrumentos musicales, interpretan obras musicales pertenecientes a diferentes géneros y estilos).

Un aspecto imponente de la obra es la dirección de su movimiento escénico de grandes masas actorales de época, con cuyas acciones el espectador logra esa sensación de que los artistas han trabajado por meses para lograr el impacto que marque el alma durante un par de noches.

La visión compositiva de los talentos en función de la época es la mas vivida que hayamos visto hasta el presente en una representación en el país en los últimos años. Parecen en determinados momentos, cuadros de la pintura de renacentista, en movimiento.

Carlota Carretero y Ernesto Báez entregan una lección de buen teatro. Foto de David Soto

Actuaciones

La base del teatro es la actuación y esta pieza lo evidencia al entregar interpretaciones sentidas, tocantes e inolvidables.

Carlota Carretero, que tiene a su cargo mayor tiempo en parlamentos, sustrae al público con el manejo de su hermosa voz y la agilidad de su movimiento escénico. Hace vivir al público cada palabra.

Elvira Taveras ratifica su calidad como maestra del teatro dominicano, por la limpieza en la ejecución de sus textos, ahora favorecida – como para el resto del elenco por la facilidad técnica de la microfonía individualizada logrando una conexión con el drama que cuenta.

Ernesto Báez logra un Rey Fernando apoyado tanto en su imponente presencia como en su vestuario, voz e intuitiva actitud del rol de realeza.

Hony Estrella evidencia consistencia y dramatismo en su papel de Beatriz de Bravante. Foto David Soto

Hony Estrella tiene espacios de actuación que la catalogan como una actriz de experiencia y que logra uno de los mejores papeles que le hayamos visto. Logra con fidelidad la desesperación existencial dramática a su cargo.

 

Pepe Sierra, transformadísimo, asume su personaje de Cardenal Cisneros, movimientos corporales marcados por el paso del tiempo y adoptando el tono de voz adecuado, ratifica su liderazgo como interprete joven del presente tiempo. Un joven maestro de la actuación que aporta una caracterización que queda en la memoria, apoyada por Miguel Lendor y José Roberto Diaz, excelentes en sus papeles de soporte.

José Guillermo Cortines (Felipe el Hermoso), aporta audacia y sensualidad bien lograda mediante un desnudo, realizado con profesionalidad y que sorprende al público (sobre todo femenino).

La revelación actoral del montaje es de Mary Gaby Aguilera (Juana Joven) quien llega a escenario sin una trayectoria, sin una relación de buenas criticas en los medios. La joven es inteligente, incisiva y brillante.

Richardson Diaz se acerca en sucesivas expresiones interpretativas a esa comicidad inteligente que le encanta. Una sorpresa fue la perfección casi matemática de los textos pronunciados en colectivo y las canciones.

Mary Gaby Aguilera y Elvira Taveras (Juana Joven y Reina Isabel, respectivamente) Foto David Soto.

Impecabilidad técnica

Resalta la limpieza del sonido, tanto de la banda sonora, de la música como de la reproducción auditiva. Se vive cada sonido. El vestuario y peluquería agregan un valor a la espectacularidad de la representación.

El diseño de luces acentúa al extremo los diversos giros, generando sombras que utiliza dramáticamente en favor de la narración escénica. A la obra le aportan verosimilitud y solemnidad el vestuario y los accesorios de utilería.

La escenografía es uno de sus éxitos, al lograr un conjunto de rápida introducción vertical y horizontal, con elementos planos, simples y minimalista, con excelente terminación reproduciendo con expresividad la época reinal castellana.

Los efectos especiales, tan contados como precisos, y sobre todo el uso de la bruma (neblina) y en especial los momentos en que se introducen o salen personajes por los sistemas de elevadores, se suman entre los elementos que hacen del montaje, una experiencia artística memorable.

La pieza es lo mejor que en teatro dominicano ha producido en anos. No hay otra forma de decirlo. Puede usted tener la imagen que quiera de Guillermo Cordero, pero lo innegable es que se trata de un cuadro profesional que sabe lo que tiene entre manos, que lo sabe gerenciar y que tiene la forma de encaminar sus talentos a buen puerto.

Ojalá pueda volver a montarse Juana la Loca ¿Locura o conspiración?

Ojalá

se le ocurra a la Radio Televisión Dominicana plantear la grabación y edición de este trabajo para que pueda ser disfrutado por mucha más gente.

Ficha técnica

Juana la loca: ¿Locura o Conspiración?

Producción: Teatro Nacional

Patrocinio: Sociedad Industrial Dominicana, Central Romana Corporations Ltd., Popular, Alcaldía Santo Domingo, Banreservas, Listín Diario; Copatrocinio:  Propagás, Rowe, Banco Central, CEPM, Asociación Cibao de Ahorros y Préstamos, Indotel, Plaza Lama (La supertienda), Excel, Autoridad Portuaria Dominicana, Edesur, Tienda El Canal y Claro.

Dirección general y artística: Guillermo Cordero

Adaptación dramatúrgica: Richardson Diaz

Producción ejecutiva: Camilo Landestoy

Dirección coral y musical: Nadia Nicola

Composición musical y orquestación: Junior Basurto Lomba

Dirección de estilo: Pablo Pérez

diseño lumínico: Lillyana Diaz, Ernesto López, Roberto de León y Darwing Tatis.

Dirección de sonido y microfonía: Manolito Soribas

Escenografía y realización escenográfica: Carlitos Ortega

Utilería: José Enrique Villar

Diseño y confección de vestuarios: Jorge David (todas telas de la Tienda El Canal)

Confección vestuario Ensamble:  Magdalena Gutiérrez.

Zapateria: So Danca

Maquillaje y peluquería: Gabriel Jorge

Programa de mano: Vera Peralta

Elevadores: Robótica Advertising

Efectos especiales: Phantom Fuegos Artificiales

Asesoría en mobiliario y estilo: Arquitecta Patricia Reid Baquero

Produccion audiovisual: Aidita Selman

Coordinación de Calzados y tocados: Juan Tavárez

Elenco: Carlota Carretero (Juana Adulta),Mary Gaby Aguilera (Juana Joven), Elvira Taveras (Reina Isabel), Ernesto Báez (Felipe Hermoso), Hony Estrella, (Beatriz de Bravante), Pepe Sierra (Cardenal Cisneros), Richardson Diaz (Sacerdote), Miguel Lendor y José Roberto Diaz (sacerdotes), Pablo Pérez (Marques de Denia), Madeline Abreu (Aixa), Miriam Bello (Fátima), Agustín Rousseau (Carlos V), Johanna Gonzalez, Karla Hatton y Lucy Caamaño (Damas de Juana), Yuyú Ramírez, Carmen Espinosa y Aida Veitía (Damas de la Reina), Laila Taveras (Princesa Leonor), Josué  Ureña  (Príncipe Fernando), Monserrat de León( Catalina de niña) , Miranda de León (Catalina Adolescente), Enrique Valdez (Escribiente) y Pedro Oviedo ( Médico de la Reina Isabel).

Terror, de Ferdinand Von Schirach y R. Santana, (La crítica)

El teatro es inagotable. Y sus caminos nunca, nunca, dejar de sorprender.  Cuando ya se comienza a pensar que todos los temas están agotados y todos los enfoques escénicos, realizados, viene este dramaturgo alemán, doctor en leyes penales para colmo, a plantear nueva vez la validez de la escena para poner bajo examen nuestros criterios, valores y principios.

Terror es una pieza resulta de una conjunción de esfuerzos artísticos e institucionales con a un grupo de talentos (técnicos y artísticos) a aceptar una propuesta dramatúrgica, a lo cual han sumado el concurso del país de origen de la misma, expresada por medio de su embajada y embajadora, para

La obra logra que repensemos los conceptos admitidos de ética, de la rectitud, de la verdad, de la moralidad y el valor de la existencia humana y lo hace en torno a un caso: el de un piloto militar que debió decidir entre sacrificar 164 vidas a bordo de un avión civil.

Una pieza que para que revisemos el papel socialmente útil de la mentira y la singular capacidad de decidir quien vive y quien muere. Un compendio caótico de situaciones límite​,​ en procura de perfilar trascendencias, verdades y principios.

A bordo de la nave, unos secuestradores planeaban estrellarla contra un estadio colmado por los 70 fanáticos que asistían a un partido de la final internacional entre Alemania e Inglaterra. ¿A quién sacrificar? ¿A quiénes salvar? Al final, la palabra de descargo o condena, la tendrá el público, dando lugar para cada presentación a un final distinto.

Terror es una obra teatral que resalta en medio del panorama dramático mundial porque proviene de la calidad creativa del escritor y abogado penalista alemán Ferdinand Von Schirach, ​ ​autor de Manual del Abogado Defensoren el que figuraba la frase: “La defensa es una lucha, una lucha por los derechos de los inculpados”. Su primer libro «Crímenes» se transformó para mí en un autor de culto, Autor de «El caso Collini», “TABÚ” y “Terror”, “Crímenes”, “Culpa” y “Castigo”​. Terror se ha llevado como telecine a cadenas de Alemania​. Es casi casi, pieza de culto.

Piezas de este nivel, ratifican el que valga todo esfuerzo la pena seguir yendo al teatro, más allá de la necesidad legítima de la diversión, por sobre el perfil del espectáculo para satisfacer los espacios lúdicos del fin de semana.

Se trata de un quehacer teatral que sobrepasa la vía del arte de escape y nos lleva a constatar el universo paradójico de las relatividades.

Las actuaciones

Terror, pieza que será repuesta a finales de septiembre porque mucha gente se quedó sin verla, permite disfrutar de un concierto de actuaciones que, si bien no es perfecto y expresa altibajos, permite gustar de interpretaciones que sacan a sus talentos de sus roles acostumbrados (sobre todo de la comedia) y demuestran que pueden hacer otros roles.

El caso más significativo es el de Irving Aberty, moldeado y estereotipo de la comedia por su provincia de la expresiva de humor en radio, televisión y cine, para asumir un rol dramático, y quien sale airoso de este desafío artístico.​ No le ​habíamos visto en un rol dramático tan bien desempeñado.

Otra personalidad que nos devuelve a la actuación clásica, es la de Yanela Hernández, actriz profesional, gestora cultural y a quien la producción de radio y televisión han sustraído por demasiado tiempo. Era justo tenerla y mucho más en un soliloquio que si bien es manipulador y melodramático, es profundamente asumido por ella y cala en el público con una garra afilada. Se empatiza con su dolor y con su luto.

Luvil González, a quien hemos visto en 2019 en El Vestidor, dirigida por Mario Lebrón, y el pasado 2022, haciendo de Minino, en Sony Di, sobre texto de Liselotte Nin y dirección de Osvaldo Añez, logra el papel más trascendente hasta ahora al dar vida a una fiscal persecutora, necia, con dominio de la escena y una expresión facial que transmite la rigidez de quien busca la condena a toda costa. González es elogiable la caracterización en el montaje de su personaje desde su pelo natural el diseño de los lentes la el maquillaje el estilo la interpretación que la hace muy incisiva. Esta es una de las actrices a las que hay que poner atención porque tiene mucho que dar. Mucho.

Beba Rojas, que asume el protagonismo, a pesar de los fuertes robles del teatro que integran el elenco, se reconvierte y deja salir su esencia expresiva. Increíble lo que logra. Convence y estremece.

Orestes Amador, como personaje eje y trazador del hilo conductor, evidencia su maestría, su dúctil manejo de la voz y sus instrumentos de expresión corporal.

Richard Douglas, está adecuado, justo en el rol de testigo, limitado por la cuestión tecnológica a actuar como quisiera, cara a cara con el público, pero se acopla a las circunstancias y deja un rastro admirable de su oficio.

Madeline Bare, Xavier Ortiz y Nathalia Rodríguez, son talento de soporte que cumplen adecuada, pero no excelentemente bien, sus asignaciones.

Bare resalta por la gracia de su gestualidad, pero hubiéramos deseado más chispa y entrega, en especial en la secretaria del tribunal, limitada por el limitante ausente de parlamentos.

Lo escenográfico

Hay un elemento que opera muy a favor de la obra de teatro y es la escenografía que logra la conjunción en un mismo espacio del tribunal y la cabina de la nave de un avión. La vinculación incluso es más psicológica que espacial lo que hace meritorio a Fidel López del reconocimiento.

Es también llamativa y expresiva la banda sonora y los efectos de sonido, intensos y bien logrados tanto los ambientales como los musicales que acentúan los momentos de tensión, dan matices a los momentos de dolor ternura de llamamiento, de confrontación extrema y de inspiración a los contenidos a los textos que vierten los actores y actrices en sus diferentes momentos en la obra realmente.

Ramón Santana, un director que mucha gente ha tenido al menos en el sentido de que no es de los directores que están en primera línea cada vez que se habla de dirección teatral, sin aspavientos, evidencia su sentido profesional y su talento para la gerencia del total de talentos y recursos.

A Santana le agradecemos su versión de Cambumbo, montaje ganador del Premio Soberano 2020 como mejor espectáculo teatral, Escuela para mujeres, Aló Dios habla Eva (nominada a los Premios Soberano), De Caperucita a Loba en solo seis tipos (nominada a los Premios Soberano) y otras piezas.

En su labor de director hay entregas francamente comerciales que jamás serán parte de la historia del teatro, pero se inscriben algunas que generan una mirada a fondo y la pregunta: ¿Dónde estaba antes Ramón Santana? Terror, es una de ellas, probablemente al nivel de Cambumbo.

Terror volverá a ser representad​a en Sala Ravelo, el 29 y 30 de septiembre y 1 de octubre,​ y ha de ser un pecado teatral, dejar de verla.

Título: T​error

Género: Teatro contemporáneo

País: Alemania/RD

Dramaturgia: Ferdinand Von Schirach

Dirección y Producción General: Ramón Santana

Escenografía: Fidel López

Iluminación: Ernesto López

Musicalización: Vadir González.

Maquillaje: Nathy Make Up

Vestuario: Lucía Roque

Fotografías: Edgar Núñez

Edición: Gerald Rodríguez   

Audiovisuales: Alejandro Moss

Asistencia de Producción/ Dirección:  María José Peña, Alejandro Quintero, Bryan Terrero.

RRPP: Yissus Taveras, Madeline Velásquez

Voz en Off (en funciones): Madeline Bare

Redes y Diseño gráfico: Vanessa Mercedes

Programación (votaciones): Eric Ferrer

Elenco: Irving Alberti, Beba Rojas, Orestes Amador, Luvil González, Yanela Hernández. Participación especial: Richard Douglas.  Actuaciones de soporte: Madeline Bare, Juan La Voz y Nathalia Rodríguez.

Sinopsis: Un avión con 164 pasajeros es secuestrado por un terrorista (de ahí el título de la obra, Terror). Su intención es estrellarlo contra un estadio con 70.000 espectadores. Para impedirlo, un mayor del ejército alemán decide derribar el avión, para evitar una tragedia mayor. Ahora enfrenta un juicio donde el público decide si es un héroe o un asesino, si es culpable o inocente. ¿Lo justo es siempre lo correcto?, ese es el planteamiento de Terror.

La fiesta del chivo, novedad y criterio en alas del talento teatral dominicano

El montaje de La fiesta del Chivo (Mario Vargas Llosa y dramaturgia de Manuel Chapuseaux) supera la adaptación a las tablas de la obra con una temática que atrae a todos todo el tiempo.

Es la magia del teatro, la fiesta del talento interpretativo y la manera de abordar la construcción del espacio teatral con novedad y criterio en la caracterización de época.
Las funciones en la eternamente amigable Sala José de Jesús Ravelo, del Teatro Nacional, constituyen un fenómeno que trasciende su fuerza de venta en boletería.

La obra es un expresivo escénico que convoca el reencuentro con la historia y que permite entender el valor universal del arte, aun sea su sede, una nación relativamente pequeña.

Lo que logran estos artistas (desde la dirección, la actuación de cada uno de los actores y las actrices y el ejecutado técnico (escenografía, vestuario, peluquería, banda sonora y universo luminoso), refiere el perfume de la calidad en la escena.

En República Dominicana ha contado con un montaje que no solo es sobrio y digno. Es evidencia de la capacidad interpretativa de quienes saben asumir con profesionalidad y compromiso el desafío de personalidades intensas y fuertes, como la de Trujillo, y de proyectar las debilidades y oportunismos de sus conmilitones compartiendo con la impotencia y sacrificio de las víctimas.

Fausto Rojas como Johnny Abbes. FOTO DE LA PRODUCCION

 

La presentación de La Fiesta del Chivo vuelve a plantear la trascendencia del teatro local, en tanto universo singular que no solo crece en número de salas que ahora florecen en plazas comerciales, en espacios adaptados desde casonas coloniales o republicanos.

El montaje valida en nuevos niveles el teatro local por la vigencia de un lazo fundamental compartido entre artistas y espectadores, construyendo una emoción que conforma un maratón de emociones.

La fiesta del chivo, (Manuel Chapuseaux, director sobre novela de Mario Vargas Llosa) ha sido, como montaje, un fenómeno artístico y de público dando lugar a funciones que no han tenido una sola butaca vacía, debido a una confluencia de factores: el interés en el tema porque Trujillo sigue siendo el tema histórico y social que más arraigo en el público.

La dictadura siempre opera como un plato de miel frente a las moscas y no es claro si se trata de un acto de masoquismo colectivo o la búsqueda de razones en la sinrazón.

Otro factor del atractivo por los talentos involucrados y particularmente por la selección de Augusto Feria, el actor dominicano que mejor caracteriza al director y cuya ausencia en películas que se han rodado sobre el tirano, ha sido notable.

Augusto Feria, intenso, con una fidelidad física, vocal y temperamental únicas respecto de Trujillo, supera la  interpretación  de Juan Echernove , en el Teatro Infanta Isabel, que vimos en Madrid (también a casa llena) en enero de 2020, poco antes de declararse la pandemia .

Feria ha recibido y aprovecha convenientemente, su viejo y legítimo deseo de hacer un Trujillo real, creíble, aborreciblemente verdadero, necesario hecho ante tantos errores de casting desperdiciados.

Pero sería grave dislate suponer que sólo Augusto Feria constituye el atractivo escénico del personaje, pero esa visión es parcial debido al notable rendimiento del elenco

Fausto Rojas (Johnny Abbes), Elvira Taveras (Urania adulta), Cindy Galán (Urania de adolescente); Henssy Pichardo (el Senador Cabral); Francis Cruz (Manuel Lorenzo); Miguel Bucarelly (Balaguer) resultan ser el actor adecuado para el papel que enfrentan.

La evaluación actoral es un mosaico digno de recordar: Rojas se mueve con disciplina y comodidad y hasta satisfacción en el perfil sádico de su J. Abbes, Francis Cruz, logrando la caricatura precisa, lo que es un serio quehacer y Henssy está justo en sus medidas como el «Cerebrito».

La representación femenina en la actuación, cuenta con una maestra (Elvira Taveras) y una de las jóvenes figuras de mejor desempeño, ambas haciendo de Urania.

Un aspecto resaltante es la ambientación de época y en especial vestuario y peluquería, el espacio teatral, rompedor de esquemas resumiendo en planos y colores, los signos y símbolos de la dictadura.

El montaje hace justicia a La fiesta del Chivo, publicada hace 23 años por Mario Vargas Llosa, autor que puede ser para usted políticamente lo que le parezca pero que queda fuera de toda duda, su raigambre trabajada y coherente en el despliegue de su narrativa y la precisa selectividad temática de sus obras.

La novela es una diva a los ojos de productores de muchos países, sobre todo de habla hispana por la estatura de su autor original y lo atractivo del tema dictatorial.

Las boletas de la temporada se han agotado.

La semana próxima habrá dos funciones extra. Aprovecharlas será el deber a que llama el compromiso con el teatro de excelencia.

Ficha técnica

Título: La fiesta del chivo

Autor: Mario Vargas Llosa

Dirección y dramaturgia: Manuel Chapuseaux

Asistencia dirección y regiduría: Canek Denis

Escenografía: Miguel Ramírez- Teatro de los oficios

Vestuario: Milagros Tiburcio/Severino Capellán y Gina Terk

Maquillaje/peluquería: Warde Brea

Coreografía: María Emilia García Portella

Fotos: Alejandro Núnez Frómeta

Elenco: Augusto Feria (Trujillo), Henssy Pichardo (Senador Cabral); Francis Cruz (Manuel Lorenzo); Miguel Bucarelly (Balaguer), Elvira Taveras (Urania, adulta) y Cindy Galán (Urania, joven); Fausto Rojas (Johnny Abbes).

Pinocho, Lorquianos y La Boya impactan públicos de los Ciclos de Teatro y Cine Banreservas

Santo Domingo. – El respaldo a la cultura por parte de Banreservas en teatro y cine dominicanos, se expresó el fin de semana con el montaje en Sala Ravelo de Pinocho (Claudio Rivera, Teatro Guloya), Lorquianas en el Centro Cultural Banreservas, en el cual también se proyectó y analizó el jueves la película La Boya, (David Maller), con masiva asistencia.

El montaje de Pinocho en la Sala Ravelo, como parte de la II Temporada de Teatro Banreservas, fue un éxito artístico y de público. “Pinocho”, con dirección y dramaturgia de Claudio Rivera, sobre texto original de Carlo Lorenzini, cuyo seudónimo es Carlo Collodi, fue un acontecimiento.

La adaptación fue producida por Viena González, que resultó una puesta en escena cargada de ingenio, creatividad y salpicada de humor. Claudio Rivera interpreta a Geppetto mientras que Dimitri Rivera hace a Pinocho.

El productor general de la II Temporada de Teatro Banreservas es Guillermo Cordero, quien organizó todo el montaje y seleccionó las piezas a ser presentadas.

El espectáculo teatral “Lorquianos”, dirigido por la veterana Germana Quintana, con la producción de Teatro Las Máscaras, fue presentado viernes 24 y sábado 25, un espectáculo de lecturas musicalizadas y dramatizadas por Lidia Ariza y Patricio León.

Ambos evocan un cruce de textos de las obras más emblemáticas del aclamado Federico García Lorca, dentro de las que se destacan: “Mariana Pineda”, “Doña Rosita la Soltera”, “La Casa de Bernarda Alba”, “Bodas de Sangre”, “El Público” y “Yerma”, en un representativo homenaje al gran poeta español.

El pasado jueves, se proyectó en el mismo Centro Cultural Banreservas La Boya, drama dirigido por David Maler), protagonizado por Eduardo Noriega y las actrices dominicanas: Camila Issa, Inti Santana.

Las protagonistas y el director participaron en el cine foro moderado por la crítica de cine Ines de los Santos, de la Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica, para analizar la pieza y revelar cómo se logró su realización. La conversación con el público, las actrices y el director Maler arrojó nuevas miradas sobre La Boya.

 

Coloquio sobre Domínguez

Este martes 28, se desarrolla a partir de las siete de la noche el coloquio sobre Dramaturgia de Franklin Domínguez titulado Aspectos y formas teatrales, a cargo del crítico y ensayista Odalis G Pérez, con entrada abierta hasta completar el aforo, como presentación final de la II Temporada de Teatro Banreservas.

Es, sin lugar a duda, el más prolífico dramaturgo dominicano y ha destacado por sus raíces de dominicanidad haciendo grandes aportes sociales, a través del teatro, durante 70 años ininterrumpidos de labor.

 Final de II Temporada Teatral

En el Centro Cultural Banreservas, Lorena Oliva, fundadora de Teatro Alternativo protagoniza el monólogo La revolución de las palabras está fijada para ser montada el viernes 1 y el sábado dos de abril. Es un espectáculo familiar que juega con la inteligencia, la gracia y el dramatismo bien desarrollado.

El viernes 1 de abril y el sábado se presenta en la Sala Ravelo, del Teatro Nacional, la obra teatral Hasta el abismo, del dramaturgo Rafael Morfa, dirigida por Isabel Spencer, con las Paula Disla, Isabel Spencer, Johanna y Luvil González, Yasiris Báez y Freissy Andrina.

Banreservas anuncia su Segunda Temporada Teatro, dedicada a Franklin Domínguez

SANTO DOMINGO. El Centro Cultural Banreservas la II  Temporada de Teatro Banreservas,  dedicada  al actor, productor y dramaturgo Franklin Domínguez, elevando a ocho el número de obras de la cartelera y ampliando a dos los escenarios en que se montarán.

El director general de relaciones públicas de Banreservas, Wilson Rodríguez, informó que segunda temporada se realizará, en Sala Ravelo desde el viernes 10 de marzo hasta el domingo 2 de abril y que se agregan funciones en el cine-teatro en el Centro Cultural Banreservas en la calle Isabel La Católica, en la Ciudad Colonial # 202, con producciones  de diversos géneros, corrientes estéticas y propuestas para toda la familia.

La II Temporada  ofrece  equidad de género en cuanto a la producción teatral que está a cargo en  en partes iguales de mujeres y hombres,  incluyendo jóvenes promisorios y veteranos, según lo explicó Rodríguez, al reiterar el respaldo del Banco de los Dominicanos a todas las manifestaciones artísticas y culturales, en esta ocasión al de las artes escénicas.

Guillermo Cordero, Wilson Rodriguez y Mijail Peralta durante el anuncio de la II Temporada de Teatro Banreservas.

“Sentimos gran satisfacción de que por segundo año consecutivo estamos apoyando esta temporada de teatro, lo que refleja nuestro compromiso con el fortalecimiento del teatro y respaldo a todos sus protagonistas”, dijo Rodríguez.

Esta iniciativa es producida y creada por el talentoso productor dominicano Guillermo Cordero y está concebida como una muestra anual de teatro independiente dominicano, para convertirse en una plataforma de estímulo a la creación teatral del país.

Escena de Pinocho, con el protagónico de Dimitri Rivera, dirigida por Claudio Rivera, de Teatro Guloya.

“Quienes estamos vinculados al quehacer artístico sabemos la importancia de contar con el respaldo de una entidad como el Banco del Reservas y su Centro Cultural Banreservas, que desde el primer día respaldaron esta idea, hoy valoramos en su justa dimensión que por segundo año muestren su sensibilidad y apoyo a veteranos y jóvenes prometedores, que participan en esta segunda temporada, con puestas en escena de gran nivel y calidad”, dijo  Guillermo Cordero al presentar las ocho obras de esta entrega.

Lorquianos, estreno (Teatro Las Máscaras) 24/06/22 @mikpasco

La I Temporada de Teatro Banreservas estuvo dedicada a Iván García y en esta ocasión se reconocen los aportes de Franklin Domínguez, una figura emblemática de las tablas dominicanas, fundador y exdirector del Grupo de Teatro Banreservas. 

Las obras se presentarán gratuitamente cada fin de semana a estudiantes de la Escuela Nacional de Arte Dramático de la Dirección General de Bellas Artes, (ENAD), Grupo de Teatro de Intec, Grupo de Teatro Apec, Escuela de Teatro de la UASD, Academia de Formación Artística Amaury Sánchez (AFA) y Grupo de Teatro PUCMM.

Los productores y productoras de las obras teatrales que conforman la cartelera de la II Temporada de Teatro Banreservas.

En la Sala Ravelo 

“Todas las Canciones de Amor”, con la producción de Juancito Rodríguez y la actuación de la veterana actriz Elvira Taveras, viernes 10, sábado 11 a las 8:30 de la noche y domingo 12 de marzo a las 6:30, que será el  horario de todas las funciones durante el mes de presentaciones.

“Las Sillas”  se monta los días 17, 18 y 19 de marzo con la producción de Cuadro Dramático de Santo Domingo y las actuaciones de Camilo Landestoy, Johanna González y Miguel Lendor.

“Pinocho” será los días viernes 24, sábado 25 y domingo 26 de marzo bajo la producción del Teatro Guloya y las actuaciones de Claudio Rivera y Dimitri Rivera.

“Hasta el Abismo” concluye la agenda de esta temporada el fin de semana comprendido entre el viernes 31 de marzo y los días sábado 01 y domingo 02 de abril con la producción del Colectivo Maleducadas y la actuación de Paula Disla, Isabel Spencer, Johanna González, Paloma Palacios, Luvil González y Alondra González.

En Centro Cultural Banreservas

Las cosas extraordinarias”, con producción de Raúl Méndez y actuación de Xiomara Rodríguez se presentará en el Centro Cultural Banreservas, viernes 10, sábado 11 y domingo 12 de marzo.

“Ajonjolí” es una producción de Teatro Piedepuente y la actuación de Aileen Ceballos. Se presentará los viernes 17 de marzo las 10:00 de la mañana y sábado 18 y domingo 19 a las 5:30 de la tarde.

“Lorquianos”, producida por Teatro Las Máscaras con la actuación de Lidia Ariza y Patricio León, estará en escena viernes 24, sábado 25 y domingo 26 de marzo.

 Domínguez, homenajeado

El artista teatral homenajeado es Franklin Domínguez Es, sin lugar a dudas, el más prolífico dramaturgo dominicano y ha destacado por sus raíces de dominicanidad haciendo muy grandes aportes sociales, a través del teatro, durante 70 años ininterrumpidos de labor. En el 2003 recibió el Premio Nacional de Literatura, reconocimiento otorgado por el Estado Dominicano y la Fundación Corripio a la obra conjunta de un autor. En junio del 2008 recibió en Puebla, México, la Orden de Carlos V, declarándolo Dramaturgo Real y recibió el Premio Soberano a las Artes Escénicas en 2019.

Su producción dramática es abundante, con más de ochenta obras escritas y, en su mayoría, representadas exitosamente tanto dentro como fuera del país; y abarca la comedia, la tragedia, la sátira política, el teatro infantil y el drama cotidiano

Nacido en Santiago de los Caballeros el 5 de junio de 1931, dramaturgo, director teatral, licenciado en filosofía, abogado, actor, productor de radio, cine, televisión y, además maestro y político.

Ha sido director general de Bellas Artes en cuatro ocasiones, y presidente de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos de República Dominicana, y miembro adherente de la similar Sociedad de París.

En 1979 recibió el Gran Dorado como artista más sobresaliente del año y en 1983 ganó el Accesit al Primer Premio en el Certamen Internacional de Dramaturgos Diego Fabri, celebrado en Palermo, Italia, con su obra “Omar y los demás”. Ha obtenido el Premio Nacional de Teatro Cristóbal de Llerena en nueve ocasiones: en 1975 con “Omar y los demás”, en 1979 con “Lisístrata odia la política”, en 1983 con “Los borrachos”, en 1986 con “Drogas”, en 1992 con “Las extrañas presencias”, en 1997 con “Bailemos ese tango”, en 1998 con “Duarte, fundador de una república”, en 1999 con “La telaraña del poder”, y en el 2003 con “Tú también morirás”.

Crítica de teatro: “Acepto, lo que sea, pero contigo”.

La magia del teatro ha vuelto a tener lugar.

Ya son tantas las veces que nos convencimos, hasta ahora, de que lo presentado en tablas es ficticio y las emociones expresadas, creadas, no reales. Pero vuelve a hacernos sentir y creer…. !Caramba…. es una magia que se reditúa y nos recoloca de nuevo en su juego de emotividades!

Cuando uno se sale de la sala Ravelo con la emoción prendada en la garganta, luego de que algunas espectadoras lloraran por el discurso de imágenes y parlamentos, tras la exposición de complejos sentimientos de solidaridad, dolor, impotencia, amor superviviente y como siempre gratificando la memoria con una más de las entregas que desde las tablas del escenario, nos seducen por su impacto y nos doblegan toda actitud de indiferencia ante el arte en una de sus formas más directas y puras: el teatro.

Acepto lo que sea, pero contigo (creo que la coma que es procedente por reglas gramaticales, por alguna razón el autor no la puso) lleva al espectador que nada sabe de su trama, a pesar que se trata de una más de las muchas comedias “busca moro”, de esas que un grupo de actores y figuras de la televisión rastrean por su impacto en taquilla (generalmente en Europa, Argentina o Estados Unidos) para provocar, con vía de la necesidad de la risa, unos pesos,  bien ganados para nada más allá.

Ese título deja el mensaje de estar ante una de muchas comedias insulsas, programadas para vender boletas, exponer caderas y recrear con palabrotas.

Tenia mis dudas en torno a asistir o no a una pieza con ese título, pero decidí investigar: ¿Quién escribía? ¿Quién era el director? ¿Quiénes eran los talentos actuantes?

Al enterarme de que Vicente Santos era el director, al conocer que la pluma de la dramaturgia era Richardson Diaz y que los actuantes era Pepe Sierra y Judith Rodríguez….me dije:  “De esa combinación de trayectoria, nada cuestionable puede salir”.

A Vicente Santos le aprecio desde sus inicios, desde antes de irse a especializarse fuera del país, por su arrojo, su notoria presencia en escenario, por su selectividad para determinar los proyectos en que se involucra y por tu inteligencia selectiva.

En esta pieza, logra imprimir un color interpretativo único y coordinarlo con el resto de sus recursos artísticos y técnicos, en una muestra de buen gusto y que lo reposiciona como director, además de sus entregas como actor.

Richardson Díaz es un artista sorprendente. Un creador de concepto e intérprete actoral para cine y teatro que construye una carrera promisoria por lo que es tiempo ya de reconocerte la consistencia de su carrera. No es solo bueno en lo que hace. Producto de su formación, arraigada en su pasión por contar historias, Diaz es una expresión dramática novedosa, sorprendente y digna de ser tomada en serio.

Acepto lo que sea, pero contigo, como concepto e es un exordio inteligente y sensible a la soledad en la pareja, al drama de la salud ante sus últimas crisis, a la validez del amor vivido en concepción independiente de los formalismos sociales, al himno de lo cotidiano con sus ítems aprendidos, sus inocentes trampas de ubicación, y ya a final, a la validez del amor pasada o vivida toda tragedia. Como se expresa, un tema de serias vertientes y de interés para todo aquel ser que ama, que está solo, que vive en compañía.

Con la calidad de su concepto, Pepe Sierra, otro joven talento de la actuación y uno de los mejores del cine, desde que hizo un papel secundario en 2015, en Pueto Pa Mi, (Iván Herrera), con tan gracia que llamó la atención de la crítica y el público. Ahora entra a un proyecto de teatro en una doble condición: productor y protagonista, saliendo con los lauros del éxito porque ha logrado esa impecabilidad tan inalcanzable en una doble función tan riesgosa y exigente.

Asumió, con mucha seriedad, su papel de responsable de echar adelante el proyecto de arte como quehacer empresarial, y ha logrado coronar con éxito.

Sierra, actoralmente, es  un talento de múltiples recursos interiores y exteriores, que bien explota, Ahora como Ernesto, asume la personalidad de un enfermo terminal de una catastrófica, y se luce el movimiento corporal, la vacilación en el manejo de la voz, las expresiones faciales, la intensidad y la ternura de su interpretación.

Judith Rodríguez (Bella) vuelve a hacerlo: emanando emociones intensas y cruzadas, expresando más de una personalidad de su rol, jugando con su voz y su cuerpo, eleva al público al​ extremo de sus capacidades, que generan emotividades intensas. Extraordinaria. No hemos salido del rictus de La mujer puerca, ese soliloquio en que evidencio que lo suyo nada tiene que ver con escándalos nacidos de la chismografía corporativa mediática  o  los titulares de vida efémera, cuando ya la tenemos como una Bella que ha de permanecer viva en nuestra memoria emotiva. Judith es el arte teatral vivo.

Llama la atención, la escenografía (responsabilidad de un Jose Enrique Calvoof (de quien no sabíamos nada antes), por su capacidad de ambientación desde lo simple, basado en colores base, minimalismo y un respald​ar​ decorado de pared sencillamente inolvidable. Su manejo de los espacios, de los planos espaciales, la ductilidad de los muebles, hacen que uno se pregunte: ¿ Quién es este tipo?

La conclusión es: escénicamente, estamos en transición permanente, de una generación talentosa a otra, en un ciclo inexorable, imposible de detener, positivo y necesario.

Si tiene oportunidad de disfrutar de esta joya escénica, no se la pierda​.​

Sinopsis:  ​UUna pareja joven con  muchas ilusiones, pero que ignoran que a veces, el destino te presenta escenarios inimaginables​: enfermedad, cotidianidades y temperamentos, harán de las suyas​

Ficha Técnica

Acepto lo que sea, pero contigo

Drama con tintes de comedia

2023

República Dominicana

Dramaturgia: Richardson Diaz

Dirección: Vicente Santos

Producción: Pepe Sierra

Protagonices: Pepe Sierra (Ernesto) y Judith rodríguez (Bella)

Escenografía: Jose Enrique Calvoof

Creatividad lumínica: Ernesto López

Vestuario: V. Santos y J. E, Calvoof

Música: Alioska Michelén

Patrocinios: Caribbean Cinemas, Jumbo, Downtown Center, Lanco, Oncoserv (Servicio Oncológico Integral)

Augusto Feria hará el Trujillo que nunca se ha hecho: («La Fiesta del Chivo»)

Lo sabemos: en teatro, para el crítico, lo más difícil de lograr la critica premonitoria.

 Augusto Feria, uno de los más formidables actores de carácter de la República Dominicana, habrá de tener la oportunidad de evidenciar lo lerdo de muchos directores que no pensaron en él a la hora de seleccionar quien haría apropiadamente a Trujillo en sus películas.

Feria tomará en escena cuerpo como Trujillo como nunca antes se ha logrado, en un rol fijado para los días 21 al 23 y del 27 al 30 de abril en Sala Ravelo, con la producción de Dunia de Wint, con el montaje de La Fiesta del Chivo (adaptación dramatúrgica del escritor español Natalio Grueso sobre novela de Mario Vargas Llosa).

Cartel de la funcion La Fiesta del Chivo.

Haciendo excepción de la trilogía de documentales de René Fortunato ( “Trujillo: El poder del Jefe”, entre 1991 y 1996) porque no necesitaban de interpretación actoral), los roles de Trujillo en el cine se ubican en una escala entre lo insuficiente, lo inadecuado y lo francamente decepcionante La lista inicia incluso con  el que hizo Edward James Olmos, en “En el tiempo de las mariposas” (Mariano Barroso, 2001);  Gerardo Herrero  en “El misterio Galíndez”, y basada en la novela “Galíndez”, de Manuel Vázquez Montalbán, con el español Enrique Almirante  como  Trujillo; Tomás Milián, excelente actor cubano, hizo de Trujillo en La Fiesta del Chivo; 2010 y  Juan Fernández en  “Trópico de sangre”, -una película  de Juan Deláncer que estimamos fue infravalorada-   -que no estuvo mal, pero tampoco estuvo adecuado por las diferencias morfológicas y otros factores interpretativos.

En esas producciones, el casting falló.

Augusto Feria era el hombre y no solo por la identidad corporal y facial, porque el factor fundamental es la capacidad de adaptabilidad, psicológica vocal y la capacidad de aprehensión de la psicología de personaje. Ahora, le ha tocado a Dunia de Wint, compensar el fallo de tantos directores famosos.

Conocemos el Trujillo de Augusto Feria y, lo confesamos:  nada que ver con ninguno de los intentos llevados a pantalla hasta ahora.

Cierto que no hemos visto esta versión, pero sabemos desde hace años, de la capacidad de Feria para este personaje en particular. Este texto es una especie de critica premonitoria.

La experiencia que aportará en la Ravelo en abril, será memorable, sin desmedro alguno del resto de los miembros del elenco que le acompañara, porque son “todas estrellas”.

Con la dirección de Manuel Chapuseaux, lo que se espera es un concierto de actuaciones especialmente para el estudio de actores y aspirantes a actuar: Elvira Taveras, Henssy Pichardo, Miguel Bucarelly, Fausto Rojas, Francis Cruz y Cindy Galán..

Lo que se prevé es que estaremos ante una representación imprescindible de ver.

La obra «La Fiesta del Chivo», (Mario Vargas Llosa), con todo y el rechazo local a muchas de las interpretaciones históricas que hace el Premio Nobel de Literatura, – recordando que no es un texto de historia sino una novela – de lo que se trata al final es de un texto histórico sobre una parte esencial de nuestra historia con tintes de ficción.

Sobre la novela

En «La Fiesta del Chivo» se narran los últimos días del dictador Rafael L. Trujillo en el país.

SINOPSIS: El autor construyó el personaje de Urania Cabral, una exitosa abogada que abandonó el país de forma misteriosa siendo una niña. Tres décadas después, regresa para visitar a su padre moribundo, el señor Agustín «Cerebrito» Cabral, un antiguo alto cargo del régimen que cayó en desgracia. Durante ese viaje se desvela el secreto que la protagonista ha guardado celosamente desde su huida.

Dunia, en su papel de promotora de su proyecto, dice «La Fiesta del Chivo» es una lección de vida, que nos recuerda que el valor y la dignidad son los únicos antídotos contra la barbarie.

Para nosotros, este montaje es un acto de justicia para con un Augusto Feria extraordinario en su capacidad y a pesar de la cual subvalorado por los responsables tener en sus manos el guión o el libreto a montar de La fiesta del chivo.

 

Hoy no me quiero levantar, top del musical 2022. Es inclusión y reflexión social

Hermosa y quien sabe si no casual, la coincidencia del remontaje de Hoy no me quiero levantar, producción local de José Llano, con el musical Dolly Parton Navidad en la Plaza,  por la  presencia en ambos del tema de la inclusión, la denuncia de la injusticia social y el uso común de la danza y la canción como vías para expresión.

Hermosa la coincidencia del criterio estético de este montaje musical, Hoy no me puedo levantar, con la base del programa Quiéreme como soy, una de las iniciativas creativas de José Llano, productor de este trabajo.

Y, lo que llama la atención, con el mismo nivel de perfección del  montaje local, con la del show de streaming de Netflix , producida en 2020.

En los dos trabajos pase al mismo discurso de inclusión racial, de imagen corporal, de orientación sexual diversa. Ambos son himno artístico a la diversidad humana, al rechazo al prejuicio, a la integralidad de la variedad como factor de unicidad humana.

Cuando se disfruta un musical como Hoy no me puedo levantar, que recrea, más que la discografía del paradigmático grupo de balada rock español Mecano, la historia, drama y gloria de sus integrantes, podría el espectador quedarse en el universo de los aportes artísticos e inadvertir su  positiva impronta ideológica y de inclusión que permite dar espacio al sentido de justicia, contra los estereotipos, al exponer con una perspectiva sin prejuicios, el respeto por las diversas formas de ser y sentir.

El manejo de la diversidad y la inclusión añaden un valor singular a Hoy no me quiero levantar. ?Quien dijo que las bailarinas todas deben ser delgadas? ?Quien refirió que en un escenario están prohibidos los besos entre parejas del mismo sexo, si el teatro es reflejo de la vida? ?Quien ordenó que los artistas en escena solo deben ser blancos o heterosexuales?

Técnica y artísticamente se ratifica el criterio del crecimiento del musical en el país como dueño de su máxima expresión artística y técnica, desde el punto en que comenzó a ser representado, hace ya 35 años, en nuestros escenarios. Ha sido un camino largo y una ruta que ha demandado esfuerzos, creatividad, entrenamiento, tecnología.

Repuesto el montaje por su productor José Llano, el musical produce una sensación de máximo respeto al público por el amor y cuidado en cada uno de los factores que lo integran.

FOTOS DE LA PRODUCCION HOY NO ME QUIERO LEVANTAR

Se han dado cita una serie de elementos de excelencia: el amor por el montaje por el productor José Llano, su dirección vocal (Paola González), la dirección teatral (María Castillo), la dirección técnica de un Fidel López que no se cansa de sorprendernos por la forma en que se ha establecido como una de las marcas de la escena dominicana, la dirección musical de Junior Basurto Lomba y el trabajo extraordinario, sincrónico e inspirador de la coreografía a cargo de Nathalie Borsos.

A esto se agrega una actuación coral a cargo de José Guillermo Cortines, Akari Endo, Javier Grullón, Karla Fatule, Irving Alberti, Pamela Sued, JJ Sánchez, Zeny Leiva, Juan Espinal, Luis Pérez, Pablo Pérez y Alexander Duval, de entre los cuales Duval se nos lleva las palmas por su indescriptible integración al resultado final desde sus roles en Las Pepas y como maestro de danza, afanado en esta coreografía contemporánea.

Los temas musicales recreados con fuerza y fidelidad, fueron: “Hoy no Me Puedo Levantar” hace un repaso por las más exitosas canciones de Mecano entre las que figuran “Quiero Vivir en la Capital”, “Maquillaje”, “Quédate en Madrid”, “Mujer contra Mujer”, “Me Colé en una Fiesta” y “Cruz de Navaja”.

Uno de los aciertos del libreto es cruzar el trayecto de Mecano con las coyunturas sociales que vivió España en esos  tiempos cruciales, lo cual se refleja como grito de rebeldía iconoclasta.

Hoy no me puedo levantar nos robó hasta el último suspiro, junto al resultado de la danza coreografiada, los desempeños actorales y la escenografía física, el desempeño de la escenografía digital, su interacción y sincronía con las actuaciones en vivo y la terminación de sus diseños.

Habíamos realizado una evaluación del arte escénico de 2022 en el cual consideramos como musical del año Mariposas de Acero, pero al ver esto, lo menos que podemos hacer es compartir el lauro, siendo como resultan, dos trabajos resultados de vocación, talento, empuje y perfección en niveles que el genero no había alcanzado.

Fue una injusticia no haberlo incluido en nuestra selección de lo mejor del arte popular y clásico de 2022, pero cuando se estrenó, no lo vimos. Estábamos fuera del país.

Este musical producido por Llano, requirió de un esfuerzo humano y técnico, considerablemente mayor, sin desdecir para nada lo dicho del trabajo de Waddy Jáquez y Pablo García. Ambos musicales nos llenan de orgullo. Ambos adoptando caminos expresivos distintos y válidos.

¿Por qué Mecano?

El grupo Mecano se conserva en el recuerdo por haber sido, entre 1981 y 1992, el  grupo español de género pop, pioneros del tecno-pop, new wave y wave en España e Iberoamérica, integrado por Ana Torroja y los hermanos  Nacho y José María Cano

Refiere Wikipedia que Mecano realizaba un pop que evolucionó desde una sonoridad puramente tecno, durante su primera etapa (entre 1981 y 1985), hasta el eclecticismo de la que es considerada como su segunda época artística (entre 1986 y 1992), en la que el grupo demostró gran versatilidad a través de grandes producciones y de la incursión en diferentes estilos, siempre desde un planteamiento unificador logrado especialmente a través de la sonoridad pop de su vocalista, que sirvió como tamiz nivelador de las muy diferentes concepciones artísticas de sus dos autores, los hermanos Cano.

Crítica de teatro: Gorgona: la abuela del escorpión

Las sorpresas que el teatro comporta, son infinitas.

El teatro siempre hace correr emociones cuando sabe encontrar el camino que lleva al fondo del alma de quien llega.

Nuevamente el espectador ingresa a la sala sin tener idea de la experiencia a que será sometido.

Lo que se abre a la vista es un escenario con apenas una mesa de madera, y extendidas telas que cubren el fondo. Nadie sabe, con certeza, qué puede pasar.

Clara Morel. Fotos de la producción.

No era claro que, en el montaje, concurrirán solo factores de éxito: un exquisito, disfrutable texto, bien ganado en imaginación basada en la historia patria y uno de sus personajes más abominables, con el talento de un hombre inscrito en la dirección de la inteligencia y la sensibilidad y una actriz llegaba para sorprender con uno de los actorales unipersonales que deben ser registrados entre lo mejor visto en 2022 y uno de aquellos que se perpetúan en la mente, tras el paso del tiempo.

Los nombres de los responsables de lo vivido: Priscila Velázquez Rivera, narradora, tan buena como para haber ganado un premio en España con su primera novela, La valiente piconera (Accecit novel XVIII de Concurso Narrativa Femenina Princesa Giliana y finalista en el Premio de Narrativa Camilo José Cela, 2018, de Guadalajara, ambos en España). La representación en Sala Ravelo, estaba basada en el capítulo Gorgona: la abuela del escorpión», de la novela La cuna del escorpión, ganadora del Premio Anual de Novela, del Ministerio de Cultura 2021, un texto, cuidado frase a frase, imaginación y paralelismos históricos coyunturales, se ocupará de seducir la platea. La página web de la autora.

El segundo de los factores es la dirección: un Manuel Chapuseaux con la oportunidad en el tipo de montajes que realmente lo dejan sentir creador de sensaciones y universos. Es el Chapuseaux que encuentra en un texto dado, el universo para dejar su marca como. Es trabajar ahora para la inmortalidad artística, para llenar las imaginadas fichas de los historiadores teatrales de futuro.

El tercer factor la actuación, a cargo de una joven actriz: Clara Morel, graduada de teatro y comunicación (Escuela Nacional de Arte Dramático de Santo Domingo y Diplomado en Gestión Cultural en el Centro de Tecnología del Espectáculo

de Madrid, Escuela de Comunicación Social de la UASD y posgrado en del Instituto Internacional de Periodismo José Martí de La Habana).

¿Qué ocurre con esa actuación?

Acontece que este texto subyuga y somete artísticamente al público para viajar por paisajes y realidades dibujadas con la precisión aguda de un estilete, el de Priscila, el manejado para la expresividad que le imprime Chapuseaux y consagrada por un recital histriónico de Moral que ahora solo deja lo que es imposible de olvidar: una actuación de ensueño. Desdoblada en voz y expresión corporal en ocho ocasiones cada vez, (ahí paramos de contar) Morel otorga nueva dimensión a personajes que vuelven del pasado o que los creó desde el blanco y negro,  Velázquez Rivera.

Estos afanes para vivir el teatro, llevan a la pregunta irresuelta: ¿Cuál es la mejor actriz dominicana? Imposible responder con un nombre, o con dos, o con tres.

Lo que logra Clara Morel, la inscribe en un privilegiado círculo de actrices que con mayor intensidad nos han ofrecido actuaciones que permanecen en la memoria:  María Castillo (Teatro Mandrágora), Elvira Taveras (sobre todo con su Lorquiana insuperable), Karina Noble, Cecilia García, Judith Rodríguez, Ruth Emeterio, Olga Bucarelly, Naslha Bogaert, Xiomara Rodríguez y Lidia Ariza. Hay otras, pero ruego se disculpe a este ya anciano cronista de 72 años que no recuerda qué desayunó esta mañana.

Morel desarrolla una capacidad de acompañarla por el recorrido en el pasado, y establece en cada gesto y cada palabra, en tono grave, o agudo, o gutural, o en el expresivo del cuerpo enlazado con elementos de utilería muy simple que logran hacer ver animado desde lo inanimado. Fue un concierto actoral producto de un trabajo medido, calculado y concebido para su trascendencia.

La actriz, periodista y activista social Clara Morel, protagonista de ese monologo de Priscila Velázquez. Foto de Redes Sociales

La escena principal no es el desnudo artístico completo y frontal que desarrolla el director, (uno de los seis que hemos visto en Sala Ravelo y sin dudas uno de los mejores), ejecutado por Morel con un refinado gusto y cuidado visual, sino el parto y la forma de cerrar temáticamente el círculo de los hechos narrados.

Esta pieza quedará en el recuerdo. Y en las listas de nominación de todo premio en el cual haya teatro por reconocer. Y debería ganar.

Lastimeramente, el monólogo era una presentación única, para poner a circular la edición personal de la autora de la novela ganadora del lauro en 2021.

La página web de la autora: 

Quemando, y su intrépida valentía a la escena nacional

Una pieza que establece un nuevo nombre de respeto en teatro y que lo muestra como artista, más allá de su temperamento aparentemente inaguantable y cortante: Carlos Castro, dramaturgo y director.

Quemando, muestra a su creador como el artista detallista, formado en la producción de contenidos teatrales para la historia de la escena latinoamericana.

Quemando es un gesto escénico actoralmente exigentemente espartano y único en las capas dramáticas de su desarrollo, demandando el empleo a niveles extraordinarios de la voz, ante la inmovilidad que establece el libreto, envolvente por textualidad que involucra al espectador como nunca antes se había logrado.  Al salir de la Sala Ravelo, nos dijimos, recordando al poeta Jesús Sosa, “Por dios, que vuelva a suceder”.

Quemando, (Carlos Castro), expresión de una concepción moderna inédita en su esencia para el quehacer teatral dominicano.

Fausto Rojas y Francis Cruz. Foto suministrada.

Una obra en la cual los actores solo hablan, sin moverse, y solo leen un libreto, incluyendo la descripción de la escena, los enfoques e intensidades de la iluminación técnica, apoyados solo en su voz, un vestuario negro para incrementar su mimetización que los integra al marco del teatro negro en que se desarrollan y contando tres historias salpicadas tanto del sarcástico humor con uno de los manejos del lenguaje popular, mejor utilizados que hayamos misto en el escenario teatral dominicano, en los últimos anos.

FOTO ; MINISTERIO DE CULTURA

Es una obra de actores. Es su capacidad expresivo-interpretativo, teniendo que alternar sus tonalidades cuando refieren indicaciones técnicas y descriptivas del autor, a cuyo desafío.

Se tiene en Quemando un Fausto Rojas sorprendentemente efectivo, de una sólida presencia que acentúa los tonos dramáticos y de humor en escena,

Cindy Galán, quien logra su mejor actuación teatral hasta el momento, evidenciando que el país tiene en ella una de sus estrellas de la actuación. Excelente en su manejo de las capas dramáticas, fluida, inundando de emotividades al público.

Francis Cruz, talento que se ha forjado desde lo más sencillo (el humor de vaudeville de manos de Germana Quintana) para crecer en estatura actoral, de que dio muestra en cine en  Colours (Luis Cepeda 2019) – en que interpretó un mismo personaje en tres etapas (juventud, adultez y envejecimiento).

Quemando es una de las novedades más atrevidas y frescas de la escena dominicana, repuesta afortunadamente gracias al VII Festival Nacional de Teatro).

Perspectiva de cine

Las tres historias que en realidad son cuentos  cortos al ser interpretados, podrían servir para la base de un guion de cine, desarrollando líneas argumentales alternativas y líneas de tiempo.

Los conceptos elaborados por Castro merecen la atención de productores de cine, justo en el tiempo en el cual hay condiciones para rodar historias pequeñas con perfil humano internacional.

50 montajes, 25 compañías y a 100 pesos… VII Festival Nacional de Teatro 2022 (acá el programa)

La inauguración oficial anoche del   VII Festival Nacional de Teatro (FENATE 2022), con la obra La Duda, en la sala Manuel Rueda de la Escuela Nacional de Teatro y que está dedicado a Germana Quintana la maestra y formadora de talentos escénicos.

Cuando se ve el programa, es obvio que ahora queda mucho teatro por ver hasta el día 30 de este mes, al risible precio de 100 pesos (que debería ser la norma para poder ver buen teatro).  Cada función tiene un precio risible de 100 pesos por persona, como debería ser siempre.

El costo de las entradas sobre todo a los montajes privados, opera como una limitante contra la concurrencia de la gente

El Ministerio de Cultura le ha consignado el “El teatro te abraza”, el festival ofrecerá más de 50 funciones teatrales en escenarios de Santo Domingo y otras provincias del país a cargo de 25 compañías, entre las que no figura lastimosamente El Teatro de los Oficios, del maestro teatral Miguel Ramírez, lastimeramente.

VER PROGRAMA:

Para abrir el telón inicial del festival, nada menos que La duda, (del dramaturgo norteamericano John Patric Shanley,) dirigida por Germana Quintana y las actuaciones de Exmín Carvajal, Patricia Muñoz, Dolly Martínez y Lidia Ariza, que vimos en Sala Ravelo del Teatro Nacional hace año.

La duda es una pieza de actores, de enorme lucimiento para la interpretación y que fue llevada al cine, dirigida por su autor, con las actuaciones protagonizada por Meryl Streep, Phillip Seymour, Hoffman Anny Adams y Viola Davis.

Sentimos más a fondo la actuación de los cuatro talentos y en especial lo que logran Exmin, Lidia y Patricia (quienes están mas expuestos en la obra), llegando a establecer un vínculo emotivo que  generaba  reacciones del público a partir de gestos, e incluso silencios.

Uno de los atractivos principales del programa el fin de semana: Pinocho en Teatro Guloya.

La dedicatoria
Giovanny Cruz, viceministro de Cultura, y Víctor Vidal, coordinador general del evento,  galardonaron a la teatrista a la que se dedica: Germana Quintana es la gran homenajeada por una trayectoria teatral caracterizada por su calidad como directora, como formadora de nuevos talentos y como cofundadora del Teatro Las Máscaras, una de las singularidades escénicas del país.

El homenaje a Germana Quintana, presente anoche en la apertura y disfrutando cada parlamento de La Duda, (bajo su dirección)  no puede estar más justificado.

Es natural de Venezuela. Estudió producción de televisión en La Habana, Buenos Aires, Estados Unidos  y México  y en 1959 comenzó a trabajar para la TV en el Canal 5, Caracas, como productora y directora. Fue parte del equipo fundador del Canal 47, en Nueva York, donde tenía a su cargo la producción de los libretos para el programa Teatro del Sábado, adaptando obras del teatro clásico universal a la televisión. Creó y dirigió el Grupo Hispanoamericano de Teatro en Madrid en l974 hasta l978.

Llegó al país en 1978. En 1979 se inició trabajando como productora del programa 3 x 3, para Cecilia García y Freddy Beras, hasta 1981. En 1979, Quintana junto a Nancy Álvarez fundó la compañía Producciones Teatrales, que funcionó hasta 1991, que presentaba obras al año en la Sala Ravelo y en la Sala Carlos Piantini, entre las que figuraron HeidiLa CenicientaHansel y Gretel y El Cuento de Navidad, original de Juan Bosch.

Su aporte fundamental, además del educativo, es la fundación con Lidia Ariza fundaron el Teatro Las Máscaras que abrió sus puertas el 9 de marzo de 2001 con la puesta en escena de la obra Las Locas del Bingo, poseedora del récord nacional de reposiciones, más de 400.

El Teatro Las Máscaras, el más pequeño del país con sus 27 localidades, es un milagro de constancia y calidad teatral, con una mística especial que ha generado un público que sigue sus montajes, generalmente del género comedia, y con atractivos escénicos cuando acomete presentaciones de autores teatrales de altísimos méritos. Ha ganado muchísimos premios teatrales.

Mariposas de acero: 10 aportes que deja un musical impecable

Aclaración oportuna: Sobre este trabajo, el autor se confiesa desarmado de la impasible actitud del critico inexorable que acude a procurar fallos y aciertos con la misma óptica de ofrecer a sus lectores un “enfoque imparcial” en lo estético. No es posible impedir que la identificación tanto con el arte como con la reevaluación histórica que supone, máxime cuando de nuestra parte analizamos el anuncio de que el musical de montaría. Ver acá.

Con Mariposas de Acero se produce un caso excepcional en la evaluación del arte escénico en la República Dominicana.

La crítica, frente a una producción de estas características, puede enjuiciar como montaje escénico y pasarla con notas excelentes, la revisión de lo que fue aquello, pero sería penoso que su rol fuera solo ese y que al final todos vuelvan a sus quehaceres cotidianos, como si nada extraordinario y desbordante, hubiera pasado.

¿Sería justo que solo se le evaluara, como se ha hecho con decenas de producciones similares, en la misma Sala Carlos Piantini del mismo Teatro Nacional, Eduardo Brito del mismo Teatro Nacional?

Son notables la consistencia creativa de sus gestores, la entrega de quienes aportaron cada uno de los recursos artísticos y técnicos, la trascendencia del tema y su abordaje inusual, sorprendente que, pese a lo novedoso y urbano, resultó digno, expresivo y respetuoso… pero Mariposas de Acero es ¿solo un musical destacado? No.

Es un acontecimiento que reta, que desafía, que aporta diez lecciones que son su gran desafío y que, de ninguna forma, pueden ser pasados por alto.

Mariposas de acero es uno de los mejores musicales producidos por talento dominicano en la historia del género, considerarlo impecable y complacer el ego de sus responsables al tiempo de engrosar una carpeta de publicaciones elogiosas. Pero no se trata solo de eso.

El montaje deja diez lecciones

La presentación de «Mariposas de Acero» supone mucho más que la obligación de su análisis, obedeciendo a un ritual en esas veleidosas variables y traumáticas relaciones de la crítica con los artistas.

Primero. Un género de arte audiovisual que sugiere otro proyecto. Entre los aportes no previsibles de Mariposas de Acero, el primero da origen a una pregunta tan importante como inesperada: ¿Por qué razón el país no ha hecho cine musical, si contamos con talentos de este nivel, con una tradición caribeña tan rítmica y las condiciones objetivas (jurídicas y sociales) para emprender proyectos audiovisuales? Las experiencias de cine dominicano que tocan la música, no tienen la música como género sino como recurso y apelan tangencialmente a esta sonora expresión de la cultura y el arte.  A partir de este musical teatral, bastaría retrabajar el libreto teatral para llevarlo a guion de cine (reforzando algunos aspectos históricos que deben ser mejor trabajados) y recorrer el conocido camino de los mecanismos que establece la Ley Nacional de Cine, procurando ampliar la base de sus patrocinadores. Abogamos por la inmortalización del montaje.

Segundo.  Un trabajo premiable…sin premio. Las funciones (su temporada oficial y su reposición el fin de semana del 30 de septiembre, 1 y 2 de octubre) hace que el crítico se pregunte, ¿Cómo es posible que el año 2022, pase y un proyecto de este nivel, no encuentre una premiación de arte que le haga justicia? Una pena que diversas circunstancias hayan dado al traste con la posibilidad de reconocer como merecería, este y otros proyectos de arte popular dominicano. Una pena que no existan otras formas (públicas o privadas) de reconocer el talento, ubicadas por encima del circunstancial.

Tercero.  Queda demostrada la capacidad nacional de producción para el musical. Desde 1987 fecha en que se inició la carrera del personaje La Pinky – factor determinante en el nacimiento del musical teatral, con su primero de los 23 musicales que presentó en el Teatro Nacional y el aporte subsiguiente de Amaury Sánchez que perfeccionó el género desde su técnica, su música y lo enriqueció formando nuevos talentos desde su Academia AFA,  no había tenido un proyecto tan fundamentado en nuestra historia, con una perspectiva de reversión de la crónica tradicional que relata. Hay que agregar otros nombres nacionales al género musical, pero el riesgo a extendernos aconseja prudencia con el lector.

Cuarto. Queda consagrada la fuerza de la idea creativa. Las ideas transforman el mundo. El resto es trabajar por ellas. La iniciativa de Waddys Jáquez, aportó al país la posibilidad de ofrecer tanto un tratamiento completamente nuevo a un tema harto conocido y objeto de homenajes y reconocimientos cada año. Jáquez y Pablo García logran reinterpretar un proceso histórico nacional, dotándolo artísticamente de nuevos significados, logrando eso con la más alta expresión del musical.

La diferencia la aporta esta vez, la multiplicidad del tratamiento artístico que nos ha dejado una huella que marca el alma y fija muy alta la barra del desempeño artístico para hacer el tributo que merecían estas Mariposas de Acero.

Quinto. Un artista excepcional ha tenido su gran oportunidad de expresarse: Pablo García. Se trata de un, poeta, cantante, músico, productor dominicano radicado en Tampa, ha sido junto a Jáquez, la gran plataforma conceptual de este proyecto. Un aspecto destacable de su aporte al montaje, es la imagen gráfica del espectáculo.

Ese logo lo dice todo. Mucha es la gente que no tiene una idea precisa de su talento.  Intérprete de una penetrante y amigable voz de tenor, compositor de temas que enfocan el amor de forma única y responsable de una de las canciones corales (en ritmo balada pop de tintes épicos) que mejor ha retratado la voluntad del mundo de sobre imponerse a la pandemia Covid 19: Me Levantaré, (inspirada en la muerte por esta razón, de su padre) en una pieza musical para la historia que unió talentos latinos y caribeños en un llamado de garras emotivas que inspiró a millones de personas. Me levantaré es uno de los himnos corales más hermosos escritos en nuestro idioma y de mejor realización audiovisual.

Sexto. Confirmada la fuerza de los temas históricos nacionales como eje del musical. El encuentro del público con el tema patriótico, humano y social de las Hermanas Mirabal y el contexto implícito, ha resultado una condición que nuestra historia es tan digna de llevarse a extremos de excelencia escénica con tal trascendencia que los temas de otros proyectos que apelan a obras de Broadway, a cuentos de la literatura universal. Un fallo advertido se anota al no destacar a Rufino de la Cruz en la medida de su sacrificio. No fue el invisible chofer de las Mirabal.  No fue el que aparece al final de una búsqueda, Fue el personaje que sabía a qué se exponía al apoyarlas y lo hizo. Fue el que aportó, igual que ellas, su vida. La referencia a De la Cruz es lastimeramente tangencial. En cambio, el criterio histórico hace justicia al plantear que hubo otras mariposas de acero. (siete y no tres), que hubo una cuarta (Doña Dedé).

Séptimo. Evidenciada la especialización técnica para un género exigente. El montaje ha demando resolver demandas técnicas muy especializadas: vestuario, zapatos de época, iluminación y en especial la transformación escenográfica digital abrió paso a una agilidad instantánea en cambios de escenarios sin tener que mover masas de escenografía física, con una capacidad de verosimilitud y de impacto visual, que lastimosamente pocos han resaltado. Los más de 60 cambios de ambientes escénicos que habrían sido virtualmente imposible sin la efectividad del recurso digital.

Octavo.  ¡La música…! ¡Oh la música! La base musical es justo, la música. Un arte que trasciende por sus textos inspirados, por sus arreglos, por la interpretación de sus diversos talentos. 34 canciones para contar una historia, el haberle llenado de dignidad ritmos urbanos que de ordinario sirven a la vaciedad de concepto, sentir la fuerza, la ternura y la intensidad de aquellas interpretaciones, ese manejo de los agudos, de los tonos graves, de los falsetes (especialmente el de Trujillo (Frank Ceara) y descubrir la capacidad de Nairoby Duarte (Tonó) que nos robó el alma con la ternura de la Canción de cuna (a nuestro modo de ver la joven más trascendente de todo el montaje). Sorprendente por desconocida. Sorprendente por su ternura. Ese patrimonio musical debe ser editado, difundido, comercializado.

Noveno. La danza es poesía sincronizada en movimiento. La coreografía es un elemento radicalmente diferenciador, apoyada en una masa de bailarines y danzantes que sin ser demasiados, logra una sincronía perfecta, en base a un diseño ágil, puntualmente preciso.

Décimo: Actuar es vivir con intensidad otras vidas. El compromiso de las y los intérpretes es tal que el espectador no logra escapar de un estado de expectativa en que desfilan actuaciones que han de quedar en la memoria colectiva y en especial destacamos: Naslha Bogaert (quien revitaliza el ejemplo de Minerva),  la multi expresiva Judith Rodríguez (Sina Cabral, Sagrario, Sor Inés y Secretaria), Hony Estrella (Patria, cuyo desarrollo en la actuación y la producción la aparta desde hace tiempo de su imagen de “diva”), Adalgisa Pantaleón (crucial como  Dedé), Diana Ramos (Dedé), Paola Zayas Bazan, Coral González (María Teresa, sorprendente esa artista) , (Dulce Tejada y La Coja) y Ana Rivas (Mamá Chea, La Jarocha y Martha). Entre los hombres, apreciamos a Nico Clínico (que otorga una nueva personalidad a Manolo), Gnómico (El comandante y Johnny Abbes García), Frank Ceara (un Trujillo tan despreciable por lo bien hecho) y Acentoh (El calié # 1 y El Verdugo)

Mariposas de Acero es un trabajo tan completo, de tanta impecabilidad que resulta imposible que se quede limitado al público que pudo pagar entrada en el Teatro Nacional. Debe ser grabado y editado para su difusión en televisión y su uso en escuelas y colegios y otros espacios comunitarios, debe editarse como libro físico y digital, en fin, no debe quedar en el último aplauso a sus funciones en el exquisito y exclusivo ambiente del Teatro Nacional.

Mariposas de acero es la demostración del dominio impecable del talento dominicano, de un género escénico supremamente exigente, logrando una interpretación novedosa, respetuosa y fiel, en general, de la realidad del acontecimiento expuesto.

Ficha Técnica (resumida)

Mariposas de Acero

Producción general: Waddy Jáquez

Director musical y productor: Pablo García

Producción ejecutiva: Frank Ceara, Yanira Ferry y Hony Estrella.

Productores musicales asociados: Gnómico, Ambiorix Francisco

Directora vocal: Paola González

Curadurías e instructora de actuación: Bethania Rivera

Diseño de luces: Ernesto López

Vestuario: Bride To Be, Leonardo Third Avenue y Mirla Álvarez

Zapatos de carácter: So Danza

Peluquería: Xiomara García, Jenny Pérez y Reyna D’Oleo.

Diseño de escenografía: Fidel López (Skene)

Proyección visual tecno-sonido: Salvador Espinal y Alejandro Rincón

Diseño de producción y animación electrónica: Makako Studio

Equipo digital (directora creativa): Mazie Michelli

Diseñadora gráfica: Sarah Rojas

Regiduría: Diana Valk

Relaciones públicas: Severo Rivera

 

¿Ha sido históricamente importante el teatro en Ciudad Colonial?

.El teatro a lo largo de la historia humana, ha sido social y artísticamente, muy importante.

No hay dudas, pero que el  teatro en la Ciudad Colonial ha tenido un rol crucial como bandera de protesta contra tres intervenciones extranjeras, agitador de ideas independentistas y cuestionador de dictaduras, como la de Trujillo, es otro tema aparte,

El conocimiento de los ambientes del teatro, el estudio a través de los anos, aporta conocimientos que lo redimensionan  y se evidencian entonces, cuando se hace la Ruta del Teatro en Ciudad Colonial, que se está frente a un fenómeno social que trasciende lo puramente escénico, además de  haber sido  plataforma para las actuaciones de figuras artísticas fundamentales del espectro farandulero internacional de diversas épocas.

Una visita guiada por King Sánchez por la Ruta del Teatro (los 17 espacios teatrales en la Ciudad Colonial), organizada desde el Centro Cultural Banreservas, mostró mucho sobre el eje teatro y Ciudad Colonial.

Kin Sánchez, gestor cultural y conocedor de la zona, condujo a cerca de 45 personas por los lugares en que existieron o existen teatros en la zona, revelando la trascendencia del teatro para la historia del país. Sánchez es miembro del Clúster Turístico de Santo Domingo.

De acuerdo a Sánchez, hay que considerar al historiador y educador José Gabriel García, como el Padre del Teatro Dominicano de la época republicana, por haber fundado e inaugurado la primera sala teatral del país, La Republicana, el 13 de octubre de 1880. Explicó que la noche inaugural, don Gabriel García, hizo de todo:  actuó, pintó decorados y muchas otras funciones.

Los puntos recorridos en la Ruta del Teatro en Ciudad Colonial, fueron:

  • Iglesia Regina Angelorum en la cual operó un teatro a cargo de los ocupantes franceses. Actualmente  se presentan allí conciertos y obras de carácter religioso, e incluso ha sido set para el documental Santo Domingo (Jose Enrique Pintor)
  • Colegio de Don Manuel Guerrero, es el nombre del teatro que estuvo en el actual Museo de la Catedral, donde el grupo fue recibido por el actor Canek Denis quien recitó un fragmento de La viuda de Padilla y Roma Libre (del dramaturgo italiano Alfieri), obra que había montado la Sociedad La Dramática, en la que Juan Pablo Duarte fue apuntador.
  • Parque Colón, que era un espacio urbano abierto a representaciones y fue donde se montó el Zoo Circus, entre otras muchas representaciones públicas durante muchos años, en su calidad de principal plaza de la ciudad.

  • Atrio de la Catedral donde se estrenó el Entremés de Cristóbal de Llerena. Canek Denis, interpretó el Entremés de Cristóbal de Llerena, estrenado el 23 de junio de 1588 en ese mismo espacio.  El Entremés es una primacía mundial en el teatro porque pertenece a las primeras piezas teatrales escritas en el “Nuevo Mundo”. Ubicado frente a la catedral se citó el Teatro Capitolio, en que cual se presentaron óperas, zarzuelas y fue el escenario en que la cantante Esther Forero estrenó Bolero a Santo Domingo, en protesta por el cambio de nombre de la ciudad en 1936, cuando se le denominó, por decisión de la dictadura, Ciudad Trujillo.

  • Codia, donde estuvo el Club de la Juventud y Teatro Colón, en que actuaron Prudencia Griffell y María Guerrero, ésta última considerada la mejor actriz española de su época. Canek Denis declamó una parte del poema Saludo a Santo Domingo que se recitó Griffell en 1916 en contra de la ocupación militar de Estados Unidos.

  • Casa del Tostado, respecto de la cual Sánchez relató la leyenda de la ventana y los amantes, que ha sido tratada como tema teatral.
  • Casa de Teatro, con su oferta de Teatro de vanguardia y el apoyo a las artes escénicas y musicales en general tras la fundación a cargo de Freddy Ginebra, Delta Soto, Rafael Villalona, Angel Haché
  • Colegio Gorjón, donde se enseno teatro, Cristóbal de Llerena enseñó teatro, a los jóvenes que montaron luego el Entremés en el Atrio Catedral
  • Teatro Las Máscaras, de Germana Quintana y Lidia Ariza, especializado en teatro ligero y que presenta también clásicos como La Celestina.
  • Teatro Guloya con su oferta de obras modernas y el remontaje de piezas clásicas como La vida es sueño, de Calderón de la Barca de Claudio Rivera y Viena González
  • Teatro Apolo o de Teatro de Vargas (ya desaparecido) en la calle Arzobispo Portes esquina calle Macorís, en que se presentó la Compañía Los Bufos Cubanos, dirigida por Moisés Simons (autor de El Manicero) y se montaron óperas y operetas.
  • Atrio del Convento Dominicos, en el cual se presentó teatro por estudiantes de la entonces Universidad de Santo Domingo, entrenados por Cristóbal de Llerena.
  • La Casona, en la calle José Reyes, donde estuvo inicialmente el Liceo para Señoritas Salomé Ureña entre padre Billini y Noel y que se caracterizó por presentaciones escolares (Veladas).

  • El Teatro Independencia, inaugurado el 4 diciembre de 1903. Allí se presentó el cuadro lírico dirigido por el actor y cantante español José Narciso Solá en el cual, en 1916, se estrenó ¡No más Yes! contra la ocupación militar norteamericana. Fue antes de su cierre y demolición un cine de mucha popularidad y capacidad. Hoy está ahí, Telemicro.
  • Micro teatro, en la calle José Reyes # 107 esquina calle Salome Ureña, en donde se presentan seis obras contemporáneas de no más de 15 minutos en un proyecto de alto interés teatral por ser tan único.

  • Logia Cuna de América, en el Convento de las Mercedes,unto a la Iglesia del mismo nombre, donde está, bien conservada por los masones, la celda de Fray Luis Tellez (Tirso de Molina). Canek Denis declamó allí un fragmento de El Burlador de Sevilla.
  • Ruinas de San Francisco. Manolo Pascual, cuando era director Escuela de Bellas Artes, tuvo allí estudió y se desarrollaban tardes líricas, poemas y pequeñas representaciones. Ese lugar, cuando fue oficina nacional de los Jaycees 66, la labor cultural que se desarrollaba allí fue de tal magnitud que la saludo un editorial Listín Diario, indicando que había sido el lugar que ocupó el puesto del Teatro Nacional, mientras estuvo cerrado por remodelación.
  • Al final del recorrido se señaló el Alcázar de Colón, escenario de los amoríos de Don Luis Colón y María de Orozco, personaje que se dice fue el motivo de la creación del Don Juan Tenorio, llevado al teatro en tantas oportunidades.

Ciudad Nueva tendrá Ruta de los Murales, con 12 obras basadas en historia patria

SANTO DOMINGO. Trece muralistas iniciaron  el pasado jueves 11 de agosto, la  pintura en Ciudad Nueva, de doce murales inspirados en la historia dominicana  para  crear la Ruta de los Murales.
El proyecto es iniciativa del Grupo Artístico Transitando y respaldado por Pinturas Popular, con el propósito de terminar el 24 de este mes de agosto, para plasmar la Ruta de Murales de la Historia Dominicana.
Indican los artistas que Pintando Nuestra Historia persigue el embellecimiento del entorno, valorar el patrimonio histórico nacional, la proyección del talento artístico dominicano, la activación de la economía de la comunidad, el fomento del desarrollo del turismo cultural y las industrias artísticas locales y enriquecer la oferta turística de nuestra ciudad.


Transitando informó que, las doce obras, son ejecutados por, Norkellys Acosta, Wanda Cortorreal, Ariel Santil, Pedro Veras, Willy Gómez, Torrijo Reyes (Medio Peso), Gabriel Doñé, Kilia Llano, Karina Croussett, Juan Miguel Ruiz, Héctor Ledesma, Jonás Muvdi y Sebastián Medina, (este procedente de Colombia), asistidos por estudiantes de pintura y gestores culturales.


Los artistas ejecutantes están considerados entre lo mejor del muralismo dominicano y son altos  exponentes de este género de la plástica en República Dominicana, dice el grupo organizador.


Explica que el proyecto ubicará a Santo Domingo en un lugar privilegiado en la escena del arte urbano latinoamericano y refiere que el arte es un elemento transversal en el desarrollo social, intelectual y económico de una nación.
Indican que se persigue, además de embellecer espacios públicos, sino también promover el arte y la cultura dominicana, aportando a la activación económica de la comunidad y el país.


En la realización de los murales participan más de 50 personas, entre artistas, estudiantes de arte, gestores culturales, productores, fotógrafos, miembros de la comunidad y personal de empresas de la zona, entre otros.
Cromcín Domínguez, directora de Transitando, resalta que, durante el evento, se utilizarán principalmente suplidores de servicios del área de Ciudad Nueva, para apoyar la economía de la comunidad y se ofrecerán talleres de administración financiera y emprendurismo para los comunes, con el fin de cumplir el objetivo de fomentar el desarrollo económico de la comunidad.
La coordinación estará a cargo de los gestores culturales Francisca Hidalgo, Rainer Lewis y Melissa Capellán.


La documentación visual está a cargo de Jeremy Caro y la dirección general es de Cromcín Domínguez.
Raúl Henríquez, gerente de mercadeo de Pinturas Popular, destacó que la empresa brinda su apoyo a este proyecto como una forma de reafirmar su compromiso con la promoción de los valores patrios y cumplir con una de sus principales misiones corporativas, como es la del embellecimiento del entorno.
Píe de foto
Este es uno de los murales que se pintan en la zona colonial con motivos del Carnaval Dominicano.
Mural que honra a Concepción Bona y María Trinidad Sánchez, con motivo de la confección de la Bandera Nacional en los tiempos de la proclamación de la independencia.
Otro de los murales históricos que se pintan en la Ciudad Colonial, parte del proyecto que auspicia Pinturas Popular con la gestión del Proyecto Transitando.

Mariposas de Acero, justo y emotivo homenaje, une arte e historia nacional

José Rafael Sosa y Grisbell Medina

Llevar la historia al escenario, comporta de riesgos. Muchos y variados peligros. Desde luego que desde el arte, se pueden tomar hechos reales del pasado, pero si la adaptación no corresponde a lo que fue, si no se apegan a los acontecimientos, si no se enfocan con el respeto y no se logra una óptica que logre la combinación aceptable o perfecta entre lo artístico con los hechos, exponen a los creadores al rechazo, la reprimenda social o la burla.

Una historia dominicana que conocemos, por su consagración nacional e internacional, es el asesinato de las Hermanas Mirabal, suceso que se ha elevado a símbolo de la violencia contra la mujer y del que se ha tomado como fecha de conmemoración mundial, el 25 de noviembre.

Esta historia que desde el arte y la literatura se ha contado varias veces y con resultados disímiles, a veces cuestionados, rechazados y reconocidos socialmente cuando han sido válidos, que es el caso de Mariposas de Acero, musical dirigido por Waddy Jáquez junto a Pablo García en la producción general.

TODAS LAS FOTOS SON SUMINISTRADAS POR LA PRODUCCION MARIPOSAS DE ACERO.

Más que martirio femenino

Ver este musical, inicia por desmitificar la celebración oficial de la fecha en que son sacrificadas las Heroínas de Ojo de Agua, la conmemoración del Día Internacional de la Violencia contra la Mujer, que no es una iniciativa de las Naciones Unidas como parecería.

Cuando se investiga su origen de la fecha todo apunta a que fue obra de ONU lo cual es positivo, pero la fecha fue propuesta inicialmente por la delegación dominicana ante el I Encuentro Feminista Latinoamericano y del Caribe, que se realizó en Cartagena -Colombia en 1981, a partir de una propuesta de por Magalí Pineda, Mirta Rodríguez y Ángela Hernández, quien la presentó al plenario (1).

Línea de tiempo

La historia de las Hermanas Mirabal se ha contado antes, pero más de una vez con versiones alejadas de los hechos y divorciadas de nuestra realidad, por lo que han sido intentos fallidos o francamente incompletos y parciales, cuando no han resultado una franca distorsión de los hechos:

  • En año 2.000, Mario Vargas Llosa, presenta su novela histórica La fiesta del Chivo, logrando un rechazo casi absoluto por parte de sectores nacionales que se entendieron insultados por la relación de hechos, muy a pesar de que en la portada llevaba la definición de su género de ficción: novela.  Cierto que novela es ficción que puede tener parte de realidad, pero sin dudas que la visión que en general transmitió el autor peruano, desagradó a más de uno de los propios entrevistados y consultados dominicanos en el proceso previo a escribir su fiesta caprina.
  • 2001. La película En el tiempo de las mariposas, producida por la actriz Salma Hayek,dirigida por Mariano Barroso, rodada en inglés y estrenada el 21 de octubre de 2001.A pesar de estar basada en la novela de Julia Álvarez, resultó notoria la distancia entre la historia y los hechos el divorcio entre la idiosincrasia nacional y el prisma interpretativo de los hechos. No fue una versión asimilable.
  • 3 de marzo de 2006, se estrenó la versión fílmica de la novela de Vargas Llosa, dirigida por su sobrino, Luis Llosa,con la cual se reeditó el rechazo a la misma versión literaria. El desagrado en el autor de La fiesta del chivo fue tal que su presencia fue criticada en el país tras anunciarse como ganador del Premio Internacional de Ensayo Pedro Henríquez Ureña, otorgado por el Ministerio de Cultura, en 2016.
  • 2010, se produce un acercamiento mucho más sincero y auténtico, históricamente hablando, con el drama fílmico Trópico de Sangre, dirigido por Juan Deláncer, aun cuando – probablemente de forma injusta- la crítica no fue muy complaciente, entendemos nosotros que más por un rechazo a Deláncer, que a su obra.
  • En años de las últimas dos décadas, en oportunidad de los aniversarios del 25 de noviembre, se montaron espectáculos con el tema, pero sin lograr, por razones logísticas y de tiempo, informar e inspirar  realmente a quienes los vieron

Mariposas de Acero

Tras estos precedentes, es que se enmarca el estreno del musical Mariposas de Acero, del director y productor Waddy Jáquez apoyado por un excelente equipo de producción y con talentos que, al parecer, han hecho la diferencia y elevado artísticamente el tema de las Mirabal.

Grisbell Medina, experimentadas cronista de arte, nos ofrece sus pareceres:

Waddy Jáquez y Pablo García se atrevieron a contar esta historia nacional que trasciende el heroísmo y el martirio, como nunca antes se había hecho, y ahora, tras su primera función en el Teatro Nacional, a beneficio de la Fundación Hermanas Mirabal y el Museo Ojo de Agua en Salcedo, crucial como jamás se había logrado.

Este hombre de la escena logra el concurso de artistas y técnicos, la buena voluntad de quienes entendían que era un riesgo, asumir una historia así, con los rituales musicales de este tiempo, jugar con simbolismos que al final engarzan el ánimo del público y ha aportado a la historia del arte del teatro musical, una experiencia que se presenta ahora como referencial.

Una mirada cercana

Había emoción y expectativas altas flotando en el ambiente del Teatro Nacional. Al llegar, el público quedaba envuelto en la magia del símbolo. En el lobby, la venta de mariposas artesanales de jícara de coco y otros materiales (incluyendo dos libros en torno a la historia contada).

Primero un discurso medidamente breve y emotivo, a cargo de Manolito Mirabal, a nombre de la Fundación Hermanas Mirabal, en que se agradece el montaje y se anuncia que la primera función ha sido donada a la Fundación.

Inicia el montaje:

Adalgisa Pantaleón, transformada en Dedé, con respeto y solemnidad desde el vestuario, maquillaje, peluquería y actitud, hace de narradora y será el hilo conductor, para dejar abierto un discurso escénico en el cual cada actor y actriz tendrá su momento de lucimiento.

Mención especial para la camaleónica e intensa Judith Rodríguez, quien ha reafirmado sus múltiples recursos al integrarse a este trabajo y sorprendernos como lo hizo.

Honny Estrella, como Patria, en una representación lo más exacta posible a la real del vestido negro con broche en garganta, desarrolla su parlamento observando la casa incendiada por la ira del tirano a la que deposito tanto amor desde sus jardines.

Nairoby Duarte, una actriz que nos impresiono por su desenvuelta y sensible interpretación de la ama de llaves de la casa de las Mirabal, Tonó, una de las heroínas de la historia y de las que menos espacio y prestigio reciben en las versiones oficiales, es una de las sorpresas en las cuales la historia hace salones con el arte de la gran escena.

Escenográficamente, Jáquez coordinó con su equipo para lograr la representación de muchas de las locaciones (la cárcel de La 40, La casa de las Mirabal y otros ambientes) a partir del uso de materiales modulares a los que se aplica proyección digital para definir los ámbitos. Buen recurso.

Musicalmente, lo magistral hizo coro con la perfección de las voces. – Muchos talentos con voces magistrales, destacándose el uso de los códigos musicales de este tiempo: rap, merengue, salsa, hip hop, para hacer una indescriptible conexión de los hechos relatados con una juventud de hoy que en general los desconoce.

Un momento estelar fue el monólogo de Nashla Bogaert. como Minerva, con una trascendencia en sus textos y un final de abrazo colectivo con los demás talentos en torno a la bandera dominicana. Fue el momento para llorar retenido, para las lágrimas que no podrían ya ser detenidas. Emoción líquida medible en los rostros. No hay forma de describirlo.

El código musical (rap, salsa, hip hop, merengue) conecta con la juventud con los de hoy que no vivieron ese tiempo. Código de actualidad genera interés con mirada a la historia.

La sucesión de las escenas fue fluida, sin atropellar el ritmo o la esencia, dejando sentir una impecabilidad escénica que debía ser objeto de estudio, al menos, en las escuelas de teatro musical de América Latina. Resalta el manejo, en los diálogos, del hablar del dominicano.

Para ver el musical

Las funciones de Mariposas de Acero se mantienen en el Teatro Nacional hasta el domingo 21 de ese mismo mes, en la sala Máximo Avilés Blonda del Palacio de Bellas Artes. Se llevará a cabo los días 2 y 3 de septiembre en el Gran Teatro del Cibao.

En fin, un espectáculo que es más que otro montaje de teatro musical: es historia respetada, viva y actual. Hay oportunidad de verlo aun en el Teatro Nacional. Ojalá se repita.

Ojalá se pueda grabar y difundir posteriormente a quienes no pueden pagar esa boleta, que vale cada centavo.

Ficha técnica

(Resumida)

Idea, producción y dirección: Waddy Jáquez

Director musical y producción: Waddy Jáquez y Pablo García

Producción ejecutiva: Frank Ceara, Yanira Ferry, Pablo García y Hony Estrella.

Productor Musical Asociado: Wilson Polanco Gnomiko

Directora vocal: Paola González

Coreógrafos: Pablo Pérez y Erik Guzmán

Diseño de Escenografía: Fidel López

Diseño de luces: Ernesto López

Regiduría de escena: Diana Valk

Elenco:

Adalgisa Pantaleón (Dedé Mirabal); Nashla Bogaert (Minerva); Hony Estrella, (Patria); Coral González (María Teresa); Diana Ramos (Dedé Mirabal joven); Frank Ceara (Rafael Trujillo) y Judith Rodríguez (Tomasina Cabral), Ana Rivas (Mercedes Reyes, Mamá Chea). Nairoby Duarte (Tonó), el cantante Gnómico (Johnny Abbes); Nico Clínico (Manólo Tavárez Justo); Ivanna Rodríguez (Miriam Morales); Paola Zayas-Bazán (Dulce Tejada); Alejandro Moss (Leandro Guzmán); Cruz Monty (Senador Juan Bautista Rojas Gómez); Benny Pérez (Enrique Mirabal); y el cantante urbano AcentOh, en el rol de (Navajita).

Enlace de interés:

(1)    https://ffyh.unc.edu.ar/femges/25-de-noviembre-dia-de-lucha-por-la-no-violencia-hacia-las-mujeres/

(2) https://lumbrehistoria.wordpress.com/2017/11/25/hoy-25-de-noviembre-rescatando-a-las-hermanas-mirabal/

 

 

Mariposas de Acero, más que un musical, es historia y música en modo trascendencia

SANTO DOMINGO. El montaje del musical Mariposas de Acero, a partir de este viernes 12 de agosto de 2022, en Palacio de Bellas Artes, se escapa del esquema de los musicales montados con talento nacional para vender muchas boletas, aspirar a premios y lograr titulares de éxito en la prensa de arte. Nada más lejos de su objetivo. El montaje trata de unir historia y arte en su expresión mas actual y pura.

El trabajo, cuyo libreto y objetivos hemos visto de cerca, representa la más acabada expresión artística de un género que se presta tanto a lo épico como el musical de alto vuelo.

Waddys Jáquez, director de Mariposas de Acero.

El creador del concepto, Waddy Jáquez, se apresta a entregar su producto escénico más acabado y trascendente. Mariposas de Acero es el mejor estandarte artístico de una investigacion histórica, montada en los códigos musicales de las actuales generaciones sobre un hecho crucial para la libertad.

Tras ver lo plasmado en el papel, su literatura, sus cruces dramáticos, su oferta de música contemporánea haciendo danza con un tema historio del cual nunca podremos agradecer por lo que represento el sacrificio de la Mirabal.

Se trata de una producción musical de vanguardia que narra la vida de las Hermanas Mirabal, escrito por Waddys Jáquez y que cuenta con un impresionante elenco, adoptando el código musical de comunicación con fusiones actuales.

Mariposas de acero ha implicado meses de trabajo arduo de ensayos, escritura creativa, la complicada logística, para agotar una corta temporada, que debe ser grabada profesionalmente para que se pueda difundir por televisión posteriormente. Pero su concepto se elaboró en silencio mucho antes.

Waddy Jáquez, escritor y director del trabajo, ha tenido en Mariposas de Acero su desafío artístico mas exigente y de nivel mas elevado, porque se plantea salir del esquema tradicional de la metodología de los musicales.

Frank Ceara es Trujillo en Mariposas de Acero. FOTO SUMINISTRADA POR LA PRODUCCION

El elenco

El elenco lo integran: Adalgisa Pantaleón (Dedé Mirabal); Nashla Bogaert (Minerva); Hony Estrella, (Patria); Coral González (María Teresa); Diana Ramos (Dedé Mirabal joven); Frank Ceara (Rafael Trujillo) y Judith Rodríguez (Tomasina Cabral).

Actúan además, Ana Rivas (Mercedes Reyes, Mamá Chea). También actúan Nairoby Duarte (Tonó), el cantante Gnómico (Johnny Abbes); Nico Clínico (Manólo Tavarez Justo); Ivanna Rodríguez (Miriam Morales); Paola Zayas-Bazán (Dulce Tejada ); Alejandro Moss (Leandro Guzmán); Cruzmonty (El senador Juan Bautista Rojas); Benny Pérez (Enrique Mirabal); y el cantante urbano AcentOh, en el rol de (Navajita).

La página web del musical es MARIPOSAS DE ACERO

?Por qué tan pocos cronistas han visto En la soledad de la tierra de nadie?

En la soledad de la tierra de nadie es un montaje sobresaliente que merece atención, en tanto expresa la creatividad escénica de Miguel Ramírez, basada en un clásico moderno del francés Bernard-Marie Koltes, la versatilidad de dos actores jóvenes brillantes en sus roles y factores técnicos de música original, vestuario, escenario e iluminación, que deberían hacer pensar dos veces a aquellos llamados a premiar el mejor teatro y que, al parecer, no han asistido a las presentaciones.

Ahora está en Casa de Teatro, hasta mañana domingo 3 de abril. Nada seria tan importante para un cronista de arte que se respete, como ir a verla.

En contadas oportunidades, el milagro escénico se hace posible, y se abre ante el espectador una dimensión que impregna las emotividades del espectador al sorprender con el rompimiento de lo actoralmente conocido.

En la soledad de la tierra de nadie es un marcador significativo de teatro que tiene sus ejes en el cuerpo, la voz y el texto, para escalar de forma inédita la sensibilidad del espectador, que tantas veces ha vuelto una y otra vez a sentarse en una platea, en espera de que corra el telón o se enciendan las candilejas del proscenio., sin tener idea precisa.

El gran valor esta  su notable calidad de sus parlamentos, enmarcados en la relación de un vendedor y un cliente en un ambiente indefinido en el tiempo, en la cuidada selección de los dos intérpretes manejando el movimiento corporal con un cuidado ritmo y simbolismo y con un singular dominio de la técnica vocal. Sus parlamentos no son un diálogo entre actuantes en el sentido tradicional.

La versión libre del concepto original, En la soledad de los campos de algodón; regreso al desierto del escritor y dramaturgo francés Bernard-Marie Koltès que, adaptado por Miguel Ramírez, refiere a un trabajo de creatividad, abre acceso a una pieza que se perfila como uno de los mejores proyectos escénicos de la modernidad en país. No.

La pieza, parlamentariamente hablando, es un entramado de proclamas al público perfumadas de poesía simbólica, en las que desfilan el ideario de la distancia, el recorrido, el salvajismo, la dualidad hombre-animal, la humildad, la soberbia, el camino.

Una fluida elegancia parlamentaria que envuelve al público en con un lazo casi mágico, que se refuerza por la caracterización tanto del vendedor, un guardia fronterizo fortachón, barbudo y calvo, y su cliente, un emigrante que procura un mejor destino, mezcla de músculo, una fuerza facial extraordinaria al punto de parecer una máscara de terror realista, bordeada por un sorprendentemente abundante, crespo y rosado.

El montaje se ve reforzado por el acierto de sus elementos técnicos: una escenografía aparentemente simple, pero deslumbrante por los efectos visuales que comporta el manejo de sus partes (paja y puertas).

La responsabilidad de la actuación radica en dos jóvenes figuras del teatro independiente:   Anderson Mojica y Eleccio Caraballo. Ambos aman y enseñan teatro.

Otros elementos que aportan al éxito artístico de este trabajo es la música original de Vadir González, cuidada y pensada con alma y ojos puestos sobre el argumento, aportándole una dimensión, su diseño de luces de Ernesto López, iluminador que de seguro habrá sentido este trabajo como uno de los más creativos de su carrera.

Ese diseño lumínico es responsable de hablarnos y hacernos sentir por medio de las luces, aportando un factor de éxito al resto de los formulados para provocar el fin del teatro cuando se cumple su objetivo: llevar e impresionar al público que llegó sin saber que le esperaba desde entablado.

En la soledad de la tierra de nadie es un montaje que inició su andar en noviembre de 2021 estrenándose en San Juan de la Maguana, homenajeando al nunca olvidado Ángelo Valenzuela, dramaturgo de peso artístico fundamental y pintor de estilo que ahora es cuando se está valorando de cara a la eternidad. Luego, el montaje estuvo en Teatro Guloya, ante la indiferencia vergonzante de cronistas de arte popular que ni siquiera la nominaron a los premios más concelebrados (Soberanos 2021). Los premios de arte popular clásico tienen el deber de ser mucho más selectivos.

Ahora, por suerte, logró espacio en Casa de Teatro, en la que se está presentando el fin de semana del 1 al 3 de abril. Si no la ha visto, no tiene idea de lo que se pierde.

Ficha técnica

Título: En la soledad de la tierra de nadie

Dramaturgia: Adaptación libre de la obra original,

“En la soledad de los campos de algodón”, de Bernard-Marie Koltes

Director y adaptador libre: Miguel Ramírez

Producción: Rhaidirys Deschamps

Música Original: Vadir González

Iluminación: Ernesto López

Espacio Escénico: Miguel Ramírez

Actores: Anderson Mojica & Eleccio Caraballo

Tu mejor enemiga y otras piezas, en 2022 revelan calidad del teatro de RD

SANTO DOMINGO. La magia e indefinible relación entre actores y público, en esos momentos únicos que proporciona el teatro cuando es fruto de estándares altos en su calidad, ha vuelto a ser posible. El buen teatro habrá de tornar complicado el proceso a la hora de decidir cuál obra teatral y artistas del teatro premiar. Con el montaje de Tu mejor enemiga, en tres meses de 2022, llevamos tres montajes sobresalientes ya. Uno por mes. El público lo merecía. Tras un alejamiento de los escenarios por la pandemia, la excelencia teatral toca a las puertas.

2022, teatro sobresaliente

El interminable, afán de y por la escena criolla, con cada uno de sus oficiales entregados desde hace años a la pasión expresiva de la escena, no cesa de entregar desde las tablas, experiencias de trascendencia. Iniciamos en enero, en la Sala Ravelo, con las funciones de La mujer puerca (del autor argentino Santiago Loza), con la dirección de un sorprendente Vicente Santos y el mejor papel teatral de Judith Rodríguez, seguimos en febrero con Las Cosas Maravillosas (Duncan Macmillan y Jonny Donahoe) en Bar Juan Lockward del teatro Nacional con Xiomara Rodríguez, y que sigue hasta el 13 de marzo) y ahora acudimos Tu mejor enemiga (dramaturgo francés Jean Marbouef) a un dueto interpretativo a cargo de dos maestras, Elvira Taveras y Karina Noble, digno de ser ejemplo de actuación en las escuelas de Teatro .

Karina Noble, actriz del elenco de Tu Mejor Enemiga. FOTO DE LA PRODUCCION.

Las actuaciones

El despliegue interpretativo de Elvira Taveras y Karina Noble, adopta un nivel histriónico con personalidad propia y no comparable a ningún otro trabajo con este concepto. Simplemente, es distinto y no caben las comparaciones de superioridad o inferioridad.

Las actrices se deslizan sobre un libreto inteligente, sarcástico, signado por el humor negro, por los ataques personales estructurados sobre códigos que son humorísticos y de una imaginación pérfidamente envidiable a la hora de insultar con altura a alguien. Cuando concluye la última simbólica escena de Tu mejor enemiga, el premio otorgado al público tras la experiencia vivida, solo queda el agradecimiento por un  teatro realizado con parámetros de altísimo nivel, desde el tratamiento con que se emparejan cine y teatro, al contar la sórdida, risible y dramática relación de cuando trabajaron juntas para “¿Qué pasó con Baby Jane?”, las divas del cine de la época: Bette Davis (E. Taveras) y Joan Crawford (K. Noble) en los años dorados de Hollywood.

La adaptación teatral de esta pieza es de Carlos Espinal, desarrollada cuando el proyecto se iría a presentar en febrero-marzo 2020 y que no fue montada públicamente por el rompimiento de la realidad cotidiana que supuso el Covid, que irrumpió la vida nacional e internacional.

Tu mejor enemiga, en tanto comedia dramática, lo tiene todo para ser un éxito: un texto exquisito y disfrutable producto del expertis de un dramaturgo contemporáneo francés, autor de otros éxitos internacionales, una trama que involucra los egos de dos divas de la etapa cinematográfica de oro de Hollywood, un director de trascendencia y extensa trayectoria y un elenco, dos actrices crema de la crema interpretativa recreando uno de los enfrentamientos de egos más titularizados de estas dos figuras.

No nos agradó la extensión del primer corte cinematográfico, innecesariamente largo para los fines de contextualización gráfica de un tema tan vinculado al cine. Los demás fragmentos de cine de época operan como piezas documentales muy ricas y se sienten como apoyo visual preciso.

El consejo, recomendación u orden es una sola: no se pierdan Tu mejor enemiga. Vuelve el fin de semana próximo a la Sala Ravelo.

El despliegue interpretativo de Elvira Taveras y Karina Noble, adopta un nivel histriónico con personalidad propia y no comparable a ningún otro trabajo con este concepto. Simplemente, es distinto y no caben las comparaciones de superioridad o inferioridad.

Las actuaciones

Las dos actrices se deslizan sobre un libreto inteligente, sarcástico, signado por el humor negro, por los ataques personales estructurados sobre códigos que son humorísticos y de una imaginación pérfidamente envidiable a la hora de insultar con altura a alguien. Cuando concluye la última simbólica escena de Tu mejor enemiga, el premio otorgado al público tras la experiencia vivida, solo queda el agradecimiento por un  teatro realizado con parámetros de altísimo nivel, desde el tratamiento con que se emparejan cine y teatro, al contar la sórdida, risible y dramática relación de cuando trabajaron juntas para “¿Qué pasó con Baby Jane?”, las divas del cine de la época: Bette Davis (E. Taveras) y Joan Crawford (K. Taveras) en los años dorados de Hollywood.

La adaptación teatral de esta pieza es de Carlos Espinal, desarrollada cuando el proyecto se iría a presentar en febrero-marzo 2020 y que no fue montada públicamente por el rompimiento de la realidad cotidiana que supuso el Covid, que irrumpió la vida nacional e internacional.

Tu mejor enemiga, en tanto comedia dramática, lo tiene todo para ser un éxito: un texto exquisito y disfrutable producto del expertis de un dramaturgo contemporáneo francés, autor de otros éxitos internacionales, una trama que involucra los egos de dos divas de la etapa cinematográfica de oro de Hollywood, un director de trascendencia y extensa trayectoria y un elenco, dos actrices crema de la crema interpretativa recreando uno de los enfrentamientos de egos más titularizados de estas dos figuras.

No nos agradó la extensión del primer corte cinematográfico, innecesariamente largo para los fines de contextualización gráfica de un tema tan vinculado al cine.

Los demás fragmentos de cine de época operan como piezas documentales muy ricas y se sienten como apoyo visual preciso.

El consejo, recomendación u orden es una sola: no se pierdan Tu mejor enemiga. Vuelve el fin de semana próximo a la Sala Ravelo.

Banreservas anuncia la I Temporada de Teatro Banreservas, dedicada a Iván García

SANTO DOMINGO. El Centro Cultural Banreservas anunció el patrocinio de la I Primera Temporada de Teatro Banreservas 2022, con programa de cuatro obras, y doce funciones en un mes desde el 18 de marzo al 10 de abril en la Sala Ravelo, con entrada gratis para los estudiantes de artes escénicas y dedicada al maestro Iván García.

La Temporada, que será producida y coordinada por Guillermo Cordero, procura convertirse en una plataforma anual de estímulo a la creación teatral del país, mediante el patrocinio y mecenazgo cultural del Banco de Reservas. La programación y logística del evento, que dispondrá de cuatro montajes teatrales de reconocidos directores y agrupaciones de gran trayectoria en el país.

El Banco de Reservas, al asumir este patrocinio, amplía su respaldo al arte y la cultura, expresado en el fortalecimiento de la agenda del Centro Cultural, con las acciones culturales en la pasada Feria Fitur de España y con el patrocinio de importantes eventos deportivos como los campeonatos de béisbol profesional y baloncesto.

El director general de Relaciones Públicas de Banreservas, Wilson Rodríguez, quien valoró el relevante papel que ha jugado el teatro en la historia política y cultural de la República Dominicana. Rodríguez consideró esta iniciativa como una plataforma de gran valor para sus hacedores y protagonistas, quienes por décadas han hecho una labor encomiable para el arte dominicano sosteniendo “a puro pulmón” y con gran esfuerzo, este tipo de propuestas.

María Castillo, en representación de los teatristas participantes, consideró como histórica esta propuesta, que a su juicio es reconocimiento a los que han hecho del teatro dominicano su gran pasión.

Wilson Rodríguez, director de Comunicaciones Banreservas, anunció que a la temporada tendrá libre entrada a los estudiantes de:

  • Escuela Nacional de Arte Dramático de la Dirección General de Bellas Artes,
  • Escuela de Teatro de la UASD,
  • Grupo de Teatro de Intec, • Grupo de Teatro de la Universidad APEC,
  • Academia de Formación Artística Amaury Sánchez (AFA), y
  • Grupo de Teatro PUCMM & Carrera de Educación Artística.

La primera obra es “Banco de parque” los días 18, 19 y 20 de marzo, producción del Teatro Mandrágora y la dirección de María Castillo y la actuación de esa maestra y Manuel Chapuseaux, en una reposición que nadie debería perderse por ser una clase magistral de actuación de dos maestros de la escena.

La segunda obra es “La Caracola de Amín”, del Teatro Utopía, con la dirección de Miguel Espinoza y Francisco (Pancho) Rodríguez, los días 25, 26 y 27, con Raquel Rodríguez, Astrid Gómez, Nairelis Ureña, Diana Micardi, Aguis Lora, Renso Mora, Roberto Brown, Geovanny Guareño.

La tercera pieza es “Sin zapatos no hay paraíso» y que va los días 1, 2, y 3 de abril, producida y dirigida por Pepe Sierra y la actuación de Vicente Santos y Richarson Díaz.

La cuarta repreentacion es “Esperando a Godot” se presenta los días 8, 9 y 10 de abril, producción de Patricio León y dirección de Manuel Chapuseaux, con las actuaciones de Patricio León, Pepe Sierra, Omar Ramírez, Noel Ventura y Josué Hirujo.