Teatro

Aladino, el Señor Musical

¿Qué puede costar un musical? En producirlo, millones de pesos, meses de trabajo, logística compleja y los sinsabores y agrios vacíos de un tocar puertas que, a veces, se han de abrir, para lograr, finalmente ocho horas de presentaciones al público en cuatro funciones en un fin de semana de un febrero cualquiera.
¿Qué puede valer un musical? Todo. Desde ser la transformación del sabor del día al convencimiento de que el país se supera a si mismo y resulta más que el asfixiante ambiente de violencia, la preeminencia de la injusticia y el sinsentido de la falta de equidad y transparencia. Eso y más, es capaz de valer un musical realizado con respeto a sus normas.

Es que esta de regreso el Señor Musical, gracias a una maestra de artes llamada Alina Abreu, y que llega como debió haber sido siempre: sin limitaciones de espacio, con una señora orquesta en el foso, con las facilidades para desplegar efectos especiales, entre los que resalta la alfombra voladora.
Es el caso de Aladino y el genio de la lampara que durante el fin de semana estuvo ofreciendo Producciones FA y Alina Abreu en la sala Carlos Piantini del Teatro Nacional y que ha servido para mostrar la real estatura de la producción de buen arte de la escena en la República Dominicana.
Lo que proporciona este montaje excede el reconocimiento de sus talentos participantes, torna innecesario cualquier reconocimiento critico y genera una sensación de fortalecimiento de la a veces escamoteada autoestima nacional dominicana.

 
Recursos técnicos
Resalta la impecabilidad funcionalidad y estética bien lograda de su conjuntos escenográficos (la plaza popular, el palacio del Sultán, Abdul la Cueva de los Misterios y el desierto), firmada por Fidel López; el diseño de arte expresado en los vestuarios, de  Magaly Rodríguez: los peinados de Camelia Almonte y el diseño de luces a cargo de Eficiencia (Enmanuel Ferry) y finalmente el sonido general y la música en vivo bajo la dirección de Luichy Guzmán, permitió sentir cuan significativo es la capacidad de Frank Ceara,  una de las almas creativas de lo músico-teatral  del proyecto.

Actoralmente
Un reconocimiento apare merecen las directoras María del Mar y Ana Rivas, a las que apoya Josué Guerrero en la instrucción actoral, quienes logran que los talentos rindan el máximo de sus facultades.
Individualmente hay que destacar el aporte de los veteranos Kenny Grullón, (Sultán Adbul logrando un personaje paternal y creíble; Irving Alberti, el alma, junto a Aladino, del montaje, llena con maestría el escenario tanto en lo corporal como en lo vocal, haciendo diversos acentos (argentino, cubano, español) con una gracia que le resulta inherente y natural.

De los noveles talentos, hay que felicitar al juvenil JJ Sánchez Vargas (un Aladino que parece haber estado planteado a su medida):  el rol de Naira, a cargo de Paloma Rodríguez logrado con sorprendente vitalidad  y gracia,  con tonos de comedia  y romanticismo bien manejados.

En ella, al igual que su contra parte María de Jesús Vargas, la apuesta del gran musical, se ha visto triunfar y resulta visible el talento cultivado por sus estudios y entrenamientos. Ambas son parte del futuro del teatro y el musical de la más alta significación.
El dominio que se nota en las coreografías denota la dirección experimentada de la profesora Alina Abru, producto de una veteranía a toda prueba. Debe sentirse satisfecha con lo logrado.

 

Angelo Valenzuela: los artistas no mueren. Su obra los hace perdurar

La noticia de la trágica muerte de Ángelo Valenzuela, se ha proyectado al país marcando, a su comunidad, San  Juan de la Maguana,  -la misma que se negó a abandonar nunca en procura de las facilidades de las luminarias de la gran ciudad- y al país cultural que se resiste a creer que sea cierta la noticia de que ese hombre dulce, de hablar pausado y de infinitas conversaciones creativas, ya no está.
En medio de la conmoción, se corre el peligro de no saber con exactitud, de cuál es la obra artística que deja  Valenzuela a la posteridad y por la cual, finalmente, permanecerá en la memoria y el agradecimiento colectivos.

Se corre el riesgo de la información  que pase rauda como la dosis de morbosa sangre mediática que el publico acostumbra a sorber para pasar pagina y ver quienes son los muertos del día siguiente. Y, en este caso, no puede ser así.

Ángelo Valenzuela respiraba vida y creatividad, en una estela estética que no se extingue con su inesperada y trágica muerte este pasado sábado en un accidente vial en el tramo Azua de la carretera Sánchez. Para mucha gente a quienes toca vivir su aliento artístico en la pintura, la dramaturgia y la gestión cultura, todavía es imposible acomodar la idea de que este  artist dominicano, ya no se encuentra.
Pero, por fortuna, el buen arte, en cualquiera de sus modalidades, perpetua la obra, y por tanto la vida, de  sus creadores que brindaron nuevas formas de experiencias estéticas y que trataron de expresiones nuevas generaciones de artistas, ahora llamadas al reto de concretar carreras dignas en las tablas, la literatura o el lienzo.

Valenzuela era uno de esos seres que vivía a plena intensidad: como pintor de recia formación académica, al punto de definir un estilo único surrealista que demandaba alto dominio del dibujo de la figura humana y como dramaturgo que logra irrumpir en uno de los los lugaresmejorelevados de la textualidad para teatro, lo que evidencian los premios nacionales a sus obras, es hoy un nombre en la memoria del arte.  Tal es la impronta del arte basado en un talento cuidado a fuerza de estudio a fondo y actitud estética, ubicada por encima de todo.
Pintor, actor, dramaturgo y gestor cultural, muchos años antes de ser designado director regional de Cultura por el Ministerio, este era uno de esos trabajadores que no llegan a los lugares a ganar un salario y llenar apariencias. Ángelo vivía a profundidad cuanto hacia: desde su entrega al paroxismo de la creación plástica, para  dar con cuadros de una imaginación segmentada y desbordante;  su rol como maestro de pintura de jóvenes, tanto en SJM como en la prestigiosa escuela de Altos de Chavón, a donde  fue aceptado  catapultado por la afirmación de un estilo plástico único.

Angelo Valeznuela EPD


Su vida
Como dramaturgo: El libro que más recientemente puso a circular (Diciembre 2018) fue La Visita del Intruso, obra teatral galardonada con el Premio Nacional de Teatro 2010, presentado en su natal San Juan de la Maguana por la directora María Castillo.
En 1987 gana el Premio Casa de Teatro de 1987 con la obra Un ladrón en mi casa.
Con su segunda obra, Esther y Efraín, ganó el segundo lugar, en el concurso ATHENE de la Ciudad de Azua en el año 1992, donde también ganó mención honorífica con la tercera obra La Terrible Enfermedad de Don Moisés.
GALERIA FOTOGRAFICA CORTESIA DE EDITORIAL SANTUARIO

Con La Peste de Estos Días con la que gana el Premio Nacional de Teatro de la UCE 2001, presentada en mayo del 2013, el Teatro Guloya, un drama cómico sobre la deficiente atención medica en los hospitales públicos, dirigido por Claudio Rivera y que fue considerado por nosotros como  una de las mejores  obras presentadas en ese año.
Fue muchos años, presidente de la Casa de la Cultura del Proyecto Cultural Sur San Juan y director regional del Ministerio de Cultura de la República Dominicana y profesor de la escuela de Artes de Alto de Chavón.
 

El teatro dominicano en 2018… evaluación y esperanzas

El 2018 fue, sin espacio a dudas, el tiempo más teatral que se ha verificado en los tiempos conocidos con un estreno casi cada seis días, tres festivales, incluyendo dos internacionales, el surgimiento del mayor número de salas alternativas, el auge igualmente sin precedentes del teatro musical y el desarrollo del micro-teatro.
Como teatro dsobresalen Agosto, Buenas noches mama, Tingó, Arte, Rosa, Los signos de la carne, El Test, De genios y locos, El Banquete, Yo amo a Shirley Mackleing, El mago de Oz, Erase una vez en esta isla y Margaritas con sabor a pólvora, La otra orilla, 
Estas relaciones de preferencia no buscan influir en el animo de quienes son titularmente responsables de nominar o premiar el arte escénico nacional, por lo que se debe tomar solo como una apreciación individual y nada más.

Es un ejercicio realizado cada inicio de año como una evaluación tras haber presenciado los montajes del recién transcurrido ano. Solo no vinos las piezas montadas cuando estuvimos fuera del país.

Las obras de mayor impacto
Agosto,
Buenas noches mamá,
Rosa,
Los signos de la carne,
Arte,
Las brujas de Salem,
Secretos de familia,
El Test,
Margaritas con sabor a pólvora,
De genios y locos
Tú en tu casa y yo en la mía
Yo amo a Shirley Mackleing
Los mejores musicales
Tingó
Mamma Mía
El mago de Oz (Academia AFA)
Las Navigalletas de Sofía Globitos,
Anchoítas 2,
Una vez en esta isla
Shrek.
Los mejores directores y directoras
Indiana Brito (Agosto)
Antonio Melenciano (Tingo)
Haffe Serulle (Los signos de la carne)
Elvira Taveras (Arte y Orquesta de señoritas)
José Roberto Diaz (Espectros)
Amaury Sanchez (El mago de Oz)
Joyce Roy (Erase una vez en la isla)
Manuel Chapuseaux (Secretos de familia)
Germana Quintana (Big capital)
Elizabeth Lenhart y Luis Marcel Ricart (Shrek)
María Castillo (Buenas Noches Mama)
Fausto Rojas (Rosa)
Joyce Roy (Erase una vez esta isla)
Waddy Jaquez (Mamma mía)
Niurka Mota (Tu en tu casa y yo en la mía, Margaritas con sabor a pólvora)
Hamlet Bodden (Cartas a nadie)
Los mejores actores
Jose Roberto Diaz (Espectros)
Francis Cruz (El Banquete y Arte)
Richard Douglas (Orquesta de señoritas)
Stuart Ortiz (Los signos de la carne)
Exmin Carvajal y Johnnie Mercedes (De Genios y Locos)
Pepe Sierra (Secretos de Familia)
Patricio León (Cepillo de Dientes)
Richard Douglas (Arte y Agosto)
Las mejores actrices
María Castillo y Judith Rodríguez (Buenas Noches Mama)
Elvira Taveras (agosto y El Banquete)
Lidia Ariza (Tingo)
Isabel Spencer (La otra orilla)
Yorlla Castillo y Maggi Liranzo (Rosa)
Yasiris Báez, (Los signos de la carne)
Yubo Fernández (Juego de niñas para adultos)
Patricia Muñoz (Margaritas con sabor a pólvora)
Georgina Duluc (Mamma mía y ¡Aló Dios! habla Eva

La escuelota fue la presentación cómica de mayor éxito en el Teatro Nacional. FOTO CORTESÍA DE BIG SHOW


Xiomara Rodríguez (Yo amo a Shirley Valentine)
Cindy Galán (Cepillo de Dientes) 
La escuelota ¿Qué hacer?
La presentación de dos funciones distintas de La Escuelota plantea una situación especial: No es teatro en sentido preciso por ser la recreación del más popular segmento cómico-social-critico de la televisión, creado por  un insustituible Freddy Beras Coico, con los mejores talentos de su generación, pero su impacto al ser montado en el teatro nacional por Néstor Garo (Big Show) fue tremendo como espectáculo escénico, con una producción para teatro y con planes de hacer una gira nacional e internacional.
Los festivales
El X Festival Internacional de Teatro Santo Domingo 2018 se realizó, por convocatoria del Ministerio de Cultura, luego de la exigencia de los teatristas para que no dejara de montarse por a Pedro Berges Se hizo de 6 al 16, dedicado al actor y director teatral Haffe Serulle, con 23 compañías teatrales: 6 internacionales y 18 nacionales, organizado por la Dirección de Festivales Nacionales e Internacionales que dirige el actor y director Reynaldo Disla. Vinieron compañías teatrales de Argentina, Colombia, Chile, Cuba, México y Puerto Rico, además de la República Dominicana. Se debe reconocer la actitud de apertura al festival, por parte del actual Ministro de Cultura, arquitecto Eduardo Selman.
El Festival Internacional de Teatro Infantil y Juvenil, el proyecto emblemático de la Fundación Cucara Macara, institución que ha mantenido levantada su bandera pese a las dificultades y obstáculos, y que permitió disfrutar de la actuación de compañías independientes de España, Perú, Estados unidos, México y Venezuela.
El teatro “olvidado”
En teatro de provincias, se destaca el trabajo en Santiago de 37 x las tablas y en San Juan de la Maguana.
En la ciudad hidalga de los 30 caballeros, la Asociación 37 x las tablas, que fundara la actriz, dramaturga y arquitecta María Ligia Grullón. Realmente increíble lo que hace esa asociación, a pesar de su lejanía de la capital, fomentando el buen teatro.
En San Juan de la Maguana resalta el teatro sobre todo por el trabajo del artista plástico, dramaturgo y gestor cultural Ángelo Valenzuela que al frente de la delegación del Ministerio de Cultura, mantuvo un programa activo de presentaciones teatrales y en diciembre puso a circular La visita de intruso, obra con la que gano en 2018 el Premio Nacional de Teatro, presentado por María Castillo.
Hubo teatro en Provincia Espaillat, apoyado en la labor cultural del senador Jose Rafael Vargas, y difundido por las redes y comunicados de prensa y en la olímpica ciudad de La Vega, pero mal difundido a los medios.
Los fenómenos teatrales
Teatro Guloya. Expresión plena de teatro independiente de alta calidad y vocación experimental y docente. Sala que se vio ampliada y mejorada este ano pasado, como parte de las remodelaciones de la zona colonial, en función del turismo local e internacional.
Teatro Las Máscaras, que mantuvo una cartelera de piezas todo el ano y que es el precursor de las salas independientes, luego del papel fundamental de Casa de Teatro.
La apertura récord de nuevas pequeñas   grandes salas de teatro en Santo Domingo:  espacios de presentaciones en las plazas Acrópolis y Blue Mall, las del micro teatro, la nueva sala de Iván García Teatro Escuela, en el centro colonial de Puerto Plata. García es actor, director teatral estelar, catedrático y dramaturgo.
Microteatro en la Zona
Una expresión escénica que logro insertarse en el gusto de los espectadores fue el Micro-Teatro. Santo Domingo, que  ofreció diversas presentaciones de obras breves de máximo 15 minutos, para 15 personas en un espacio de 15 metros y en un local ubicado en Calle José Reyes , esq. Salomé Ureña, en la Zona Colonial, entre las cuales se citan: Los polvos no se fían, Comunes y Corrientes y Las Sor de la Santa Sede.

Un musical de alto perfil: Las Navigalletas de Sofía Globitos

El gran mito de hacer arte para niños es suponer se les puede presentar cualquier cosa porque esos seres infantiles no tendrán capacidad crítica para discriminar lo que se les ofrece desde escena, cuando la verdad es que se trata del público más sincero y severo cuando lo que se le presenta no tiene calidad.
Los niños no guardan distancias, no respetan protocolos de comportamiento y se acogen a rituales de cortesía. Son inflexibles y aplastantes en sus conclusiones y, a juicio de lo que hemos visto, el espectáculo de Las Navigalletas de Sofía Globitos, es una experiencia escénica integral que les seduce por sus expresivos y acertados  giros de danza, canto y actuación.

La dirección de este divertido y orientador espectáculo está a cargo de Carolina Rivas, quien tiene una amplia experiencia teatral e impecable trayectoria, y que además junto a Bianca García produce este musical.
La producción escénica que se monta en Acrópolis Center hasta el 25 de diciembre, es el más atractivo espectáculo  navideño de temática dominicana,  en una producción que eleva el perfil de Bianca García Velazco (Sofía Globitos).

Esta juvenil estrella, que inició su carrera hace cinco años y del cual fuimos testigos, demuestra la consolidación de su trayectoria y los resultados  de una sólida formación que ha otorgado una versatilidad  múltiple a su talento y que en este caso alcanza el máximo expresivo al cantar, bailar y actuar al frente de un elenco joven que la apoya y de común transmiten la inspiradora historia sobra bondad y la constancia en las altas metas.

Cuatro motivos
La producción tiene un acertado criterio artístico y que logra un elevado perfil artístico para la familia y que nos place recomendar por cuatro razones.
La primera es la polivalente actuación de su protagonista Bianca García (Sofia Globitos) que logra una gracia y efectividad artística excepcional en canto, danza y actuación.
La segunda es la dirección del espectáculo, a cargo de una directora, Carolina Rivas, con conciencia de su quehacer que  coordina actuaciones, libreto,  canciones, efectos especiales, escenografía y el novedoso rol de las masas danzantes, unas chicas jóvenes que, en el marco de su poca experiencia en montajes complejos, entregan su alma a la producción.
El tercero es la concepción de la historia de las Navigalletas necesarias para salvar la navidad y sobre todo los mensajes secundarios sobre la buena alimentación, el sentido del servicio, el valor de la bondad, que lleva en la forma más agradable: la música.
Y el cuarto es su escenografía que aprovecha el espacio del Studio Theater de Acrópolis que se luce con efectividad y  gracia en escenario, en base a masas móviles de doble apariencia, espacios de diversos planos que sugieren ambiente de parque, de fiesta, de habitación, y que además se extiende a la zona de platea, transformándola en una zona verde para picnic y sustituyendo las tradicionales sillas de teatro, por cojines para sentarse en el suelo, creando un ambiente de recreación  y desde el cual la audiencia se transformar en parte activa del espectáculo, gracias a un libreto concebido con ese fin.
La historia
Sofia Globitos tiene que salvar la Navidad, dotando a los duendes y elfos, de las Navigalletas que les otorguen la energía para preparar los regalos a los niños del mundo, mientras que a lo que se opone en travieso Yakuko Kanai hará todo por impedir que Sofía resuelva el problema y que logre finalmente pasar la prueba del estricto galletómetro.
Ficha técnica:
Título: Las Navigalletas de Sofia Globitos
Dirección: Carolina Rivas
Producción: Carolina Rivas y Bianca García
Banca musical: Luichy Guzmán
Efectos visuales: Jonnathan Meléndez (Bingo Studio)
Elenco: Sofia Globitos, La mini cheff, Mini mini, Yakuko Kanai, grupo de danzas juveniles Navigalletas

Tingo, el musical , el gran hito temático y artístico

Tingó, el musical es el espectáculo más dominicano presentado hasta el momento, y probablemente el mejor logrado artísticamente.  Antonio Melenciano, actor, bailarín, coreógrafo y creador de contenidos argumentales para el escenario, puede ahora sentirse profundamente satisfecho. Y saberse ya, un ser capaz de todo propósito estético de consideración.
Su labor creativa y su compromiso personal con el montaje de  Tingó, el musical  evidencia que no teme a los grandes desafíos, que no se arredra ante la indolencia que, a veces parece ser guadaña de los creadores  y abre de par en par las puestas de un nuevo concepto en musicales: el que canta, baila y actúa a partir de una temática nacional. Ese es su principal aporte.
Sentir que la historia dominicana, desde la piel de una heroína que no todos reconocen, se hace digno espectáculo de alta factura técnica y artística en escenario, emanando un sabor, mezcla de trabajo con criterio, visión y perspectiva social que bendice con un tono local trascendente género escénico matizado por la notable incidencia de temas universales, v válidos, pero alejados de nuestro sentir nacional.

No es este el primer musical de tema dominicano. Hace ocho años, en 2010, acudimos al Teatro Nacional a presenciar, de inspiración suya, I Love RD una propuesta panorámica, casi turística, para disfrutar de la dominicanidad, espectáculo de un preciosismo radicado en el cotidiano vivir del país y sus valores tradicionales de cultura, buen vivir del dominicano
La idea de Tingó, el musical, fue concebida en 2011, y desde entonces comenzaron los primeros pasos que tardarían siete años para hacer  las pocas  funciones un fin de semana en Bellas Artes,  un proceso que ha concluido ahora con estas presentaciones, funciones a las que deberían buscarle un nuevo espacio  (tal vez en enero o febrero) para remontarla en Bellas Artes).  Siete años han pasado de un trayecto que a veces parecía espero incierto y despojado de las condiciones mínimas necesarias para hacerlo posible.

Actuaciones
Sin dudas que Lidia Ariza (Tingó), que cumple 45 años prodigando emociones del más variado tipo desde la escena, se erige como centro de atención. Tiene que cantar, bailar y actuar.  Se entrega por entero.  Deja en las tablas de Bellas Artes el registro de una actuación integral que solo verifico algunos fallos porque fue cargada con más solos en canciones, de los que debió haber sido. Ariza canta, pero no es su fuerte. Su experiencia actoral es de tal envergadura que cualquier fallo en un área que no es la propia, se entiende.
Pura Tayson, (Doña Niní) con su experiencia de soprano, es la voz de mayor peso, precisa y hermosa, pero al actuar y bailar, nos sorprende. Tiene el empuje y la gracia necesarias para sostener la caracterización de abuela que le ha tocado.
Jackson Delgado, (Jesús) estilizado bailarín infaltable, juega con eficacia y sentido de gracia, el rol asignado.
Omar Ramírez (Pablo Diaz) tiene un papel odioso y emotivamente rechazable, al encarnar al terrateniente responsable de la muerte de la heroína. El odio que logra generar en la gente que llena las butacas, muestra que ha sido efectiva.
Ana Javier (Tingó Joven) es una de esas figuras en las que radica el futuro de la danza moderna y. Su peso artístico se siente, se disfruta, se hace esencial y próxima al espectador, apoyada por una destreza física, un carisma que se transmite en su sonrisa que desde sus labios emana disfrute y paz, estableciendo un lazo de invisible complicidad que conecta con la platea. Tiene una sensitiva gracia en su imagen, precisión en sus parlamentos y expresividad corporal, rítmicamente disfrutada, son los signos que deja ver.  Es extraordinaria. Ella es prueba de que nuestra calidad para la danza está asegurada.
 

En el musical, las niñas Tingó, nos sorprenden por la gracia y la madurez con que se enfocan en sus roles, por la claridad con que manejan sus voces, por sus movimientos escénicos. Un reconocimiento que merecen: Amelie Martínez, Marianni Martínez, Abril Rodríguez, Leslie Green, Esther Mejía, Victoria Amancio y Jeyca Mejía.
Reyser Campusano, (Dora) nos conquista con su arrojo escénico, sus dones de bailarina extraordinaria, de  fuerza y gracia vital  en sus giros! Esa mujer, ella sola, es un espectáculo admirable y que demuestra hasta dónde puede llegar la pasión por el arte en escena.

El musical, lo que probablemente no se vea ni se diga ahora, es un hito en la historia del genero para la República Dominicana  y un logro de la persistencia y la búsqueda estética de la identidad nacional en un arte tan exigente  y difícil, como el musical.

Notable el aporte de Henry Cordero, en el ensamble de las voces. Uno de los hitos artísticos más destacados del trabajo, y que imprime  una sonoridad  a Tingó,  en el cual Pura Tyson, se luce como entrenadora vocal.
Otra zona de luz es su coreografía, responsabilidad de Yesseleny Marte, quien logró su propósito: movimientos de masa danzaría matizados por la sensualidad del Caribe,  el acento negro y sus  giros, ya  firmes y sorpresivos como  lentos y simbólicos, impecablemente ejecutados.  Si lo separa de su  mensaje social  y del emotivo martirologio, esa danza colectiva, vale por su expresividad plástica, en  cualquier escenario del mundo.

En lo técnico
Se disfruta un diseño de arte cuidado:  un diseño de luces sugerente y efectivo (Ernesto López), vestuario (Luisa Genao) que respeta la época y pone en lucimiento temporal a los personajes, y la escenografía de Noe Vásquez, operativa, con buen uso de sus contados recursos escenográficos, extendiendo efectividad de procesos a partir de elementos simples.
Se recomienda Tingó
Tras ver, sentir y disfrutar, sus talentos en el escenario del salón Máximo Avilés Blonda, del Palacio de Bellas Artes, tras ver aquellos cuerpos, ciertamente alejados del modelo imaginario que nos ha dejado como referencia la moda y el cine coloniales, tras ver cada uno de sus pasos y giros del baile en las tablas, tras escuchar sus parlamentos, dramatúrgicamente precisos, tras sentir el canto de esperanzas de justicia y de protesta contra la insaciable ambición de quienes lo tienen todo, entonces es cuando se concluye, que el país ha estado despreciando valiosos personajes y acontecimientos de su historia, para adentrarse con  acierto y alta calidad artística, en el mundo del musical, un género demandante, difícil y caro de producir.
 

¡Mamma Mía! Teatro musical de altísimo nivel

Lo que habrá de ver la gente que opte por el musical ¡Mamma Mía!, que anoche ofreció una función premiere en Escenario 360, es mas de lo que pueda esperarse del trabajo de sus talentos.  Nada que pueda describirse ahora, dará la idea de lo que es este espectáculo, por muchas razones. Con sus 28 canciones, su escenografía, su danzar de conjunto, sus interpretaciones actorales, el vestuario y peinados, su respaldo musical  que hace honor al original. Sus funciones al publico inician este 15 de noviembre.
Lo que se logra a partir de este guion afamado internacionalmente como uno de los más representados y exigentes, es una versión fresca, perfeccionista, cuidada con esmero en sus aspectos danzarios, actorales, musicales.
La dirección general musical de Sánchez, lo establece como Señor del Teatro Musical Dominicano, trasformador del género al dotarle del sentido y la tecnología de este tiempo.  Han llegado otros valiosos talentos de la dirección con enorme formación que han fortalecido el género, ofreciendo diversidad en cartelera y sentido profesional.  Amaury Sánchez sigue siendo parte fundamental del punto de mayor altura en el genero.

Mamma Mía! representa uno de los puntos mas fuertes del 2018 en Teatro Musical que aprovecha el Escenario 360 para entregar un talento de equipo que dejara impactada a mucha gente.


Pablo Pérez, con todo y su juventud, asume una enorme responsabilidad y logra una coreografía que aprovecha al máximo el espacio, que se desarrolla sobre una escenografía impecable  y bien pensada  y que aprovecha la técnica de masas móviles para cambiar  con agilidad y estética, de un ambiente a otro a ojos vista, responsabilidad de Angela Bernal.
Paola González, nuestra potente y establecida soprano, muestra como se orientan hacia su objetivo, todos los talentos que cantan. Su invisible y sonora mano, nos transporte y eleva. Gina Terc muestra que sigue siendo un elevado referente en vestuario, al reproducir la época por medio del atuendo, tal cual debió ser siempre. Diseño de luces (Ernesto López) y Sonido de Félix Cabral, se ubican en un plano de trascendencia para permitirnos ver y escuchar con claridad significante.
Actuaciones
Interpretativamente se tiene un elenco de enorme fuerza histriónica (dirigido por Waddy Jáquez, visionario y gestor del teatro en cualquiera de sus géneros.
Solange Freyre (Donna)– la misma versátil y extraordinaria artista argentina que estremeció los jueces del Go Talent España,  y que nadie debería dejar de verla en su esplendor escénico. Disfrutarla a profundidad a lo largo de casi dos horas de actuación, supera en mucho los minutos 6 minutos y 5 segundos con 3 millones 215 mil visitas en You Tube, tan conocidos por video de su presencia en el certamen español. Es otra dimensión. Es una señora dueña del escenario. Ver su portal: www.solangefreyre.com

Georgina Duluc (Tanya), que con una actuación múltiple que evidencia ser una artista completa, integra y valiente, capaz de silenciar, a punta arte verdadero, las critiquillas en los corrillos de la farándula de cuando era tan solo estampita de y el jolgorio de sus atuendos en las alfombras de rojo chino.. Es una artista que sienta respeto por lo que hace aquí.

Sonia Alfonso (Rosie), con la actuación de su vida, parte de una carrera que vimos comenzar en el Festival de la Canción, con su humorístico papel, también muestra su afinada voz y su adaptación a las coreografías. Es una de las sorpresas más gratas.
Karoline Becker (Sophy), bailarina, cantante, fotógrafa profesionalisiama, eje de la historia y que muestra una entereza versátil bailando y cantando. Penetrante y sólida formación que se ponen a rendir episodios actuados dignos de no ser olvidados. Nos impacta el manejo de su voz.
Javier Grullón (Sky), que ratifica su sello diferenciante en escena, producto de su formación y tradición familiar. Carisma y presencia escénica que cuentan sobradamente con su juventud y empuje como principal potencial.
Irving Alberty (Bill) n la presentación más genial de sus créditos en el programa de mano que hayamos visto) reitera sus facultades. Excelente. Jose Guillermo Cortines iguala su elegancia física con un rendimiento en tablas que inspira respeto y Daniel Sarcos (Sam), digno exponente de la formación artística de su generación en Venezuela. Es exquisito y deja ver aspectos de su talento que no se perciben cuando hace otras funciones, sobre todo televisivas.
Mamma Mía! es un musical que cierra muy en alto el 2018 y que recomendamos con la complicidad de quien sabe que lo visto y escuchado, es de excepción. Inicia este 15 de noviembre en Espacio 360.

Álvarez y Pichardo se lucen en Déjame caer en tentación

Déjame caer en tentación se   resuelve en un existencialmente valido mensaje sobre la insatisfacción humana de lo que se tiene, un elenco seleccionado en general por su trascendencia en los medios con actuaciones que se extreman entre lo regularcito hasta lo notoriamente histriónico, que genera oleadas de carcajadas por sus situaciones de contrastes y desajustes, ratificando la calidad estándar del teatro que se puede hacer comercialmente.

Anthony Álvarez y Juan Carlos Pichardo resaltan en Bellas Artes con sus papeles en una pieza de alta comicidad que no reniega de su carácter comercial. FOTO DEL SR. JOSE RAFAEL SOSA.


Los recursos técnicos, y en especial escenografía y vestuario, resaltan con dignidad en la propuesta que ha impulsado, cargada de fe, Luz García. Omar Martí ratifica que es uno de los más importantes conceptualizadores de diseño.
El apartamento que crea Martí ofrece transmite clase, notable dinámica de los espacios y una distribución certera de sus plataformas de actuación.
Anthony Álvarez y Juan Carlos Pichardo resaltan en Bellas Artes con sus papeles en una pieza de alta comicidad que no reniega de su carácter comercial.

Déjame caer en tentación se resuelve en un existencialmente valido mensaje sobre la insatisfacción humana de lo que se tiene.


Actoralmente destacan Juan Carlos Pichardo, (Ramón) personaje pivote por el cual se hilvana una divertida trama (de la cual no pudimos saber su autor), y que sin dudas destila chispa e inteligencia, explorador de los linderos del deseo y la insatisfacción humana.
Pichardo honra la herencia actoral que recibió de su padre, y despliega una versatilidad que le diferencia mucho en el elenco. Conoce el truco de llegar el ánimo del público, sabe dar la inflexión de voz precisa en el momento dado, para lo que se apoya en las situaciones que crea el libreto.

Anthony Álvarez (Diógenes), en un diabólico papel que dibuja con la gracia de la farsa que da el punto precio y la experiencia que atesora desde su singular y respetable carrera actoral. Es lo mejor de la pieza, que le recomendamos con entusiasmo, si desea un teatro que haga reír y pensar.
Ficha Técnica:
Título: Déjame caer en tentación
Género: Comedia de situaciones
Texto: Adaptación Libre/AD
Producción: Luz García
Director: Jose Roberto Diaz García
Escenografía: Omar Martí
Diseño de Luces: Lillyana Diaz
Maquillaje: Nina Makeup
Peluquería: Yudelka Gutiérrez
Director Creativo: Jairo Bautista
Talentos:  Luz García, Juan Carlos Pichardo, Jhoel López, Caroline Aquino, Liza Blanco y Sócrates Alba
Sinopsis
Ramón y Adela son un matrimonio estable y feliz, un día él siente la necesidad de buscar nuevas experiencias. Ramón intenta convencer a Adela que lo acompañe a buscar nuevos rumbos en su matrimonio y no recibe apoyo. Se verá obligado a emprender situaciones que lo llevarán hacia eventos inesperados.
 
 

Margaritas con sabor a pólvora: Humberto y Niurka se lucen en SR

Cuatro  excelentes   actrices, una directora experimentada y con un largo camino en el trayecto del teatro de género,  y un texto cargado de sarcasmo y humor latino, logran un hecho teatral que suma puntos al quehacer escénico dominicano y que nos lleva a pesar, después de las risas y las sonrisas, hasta donde es capaz de llegar el egoísmo y el miserioso masculino, frente a las mujeres.
Con el montaje de Margaritas con sabor a Pólvora, en Sala Ravelo, a ratificar su sentido ácido, crítico y sarcástico al exponer con arte y risa, las miserias humanas y en particular las emociones que emanan del egoísmo masculino, el machismo y la corrupción. A pesar del riesgo de exponerse a repetir el discurso del sometimiento femenino, lo que se logra con Margaritas con sabor a pólvora, evita los meandros de ese río previsible y aporta novedad, con una dramaturgia actual desarrollada con excelente ritmo.

Margaritas con sabor a pólvora es una de esas obras a las que se acude para pensar y reírse hacia dentro. El principal error de críticos y publico, es suponer que Humberto Robles es un dramaturgo mexicano muy representando. No. Es un gestor del teatro como instrumento de ideas y esperanzas.  Uno que ha trascendido el mercado de la venta de derechos de autor y que opta por la difusión de sus piezas, sin dejar de vivir honesta y dignamente de lo que produce: universos, personajes, palabras e ideas que empujan hacia un mundo mejor configurado que el actual. 

La pieza de Humberto Robles quien se ha dado a conocer aquí por su monologo, Que no se culpe a nadie de mi muerte (2010), montado el pasado 2017 por Katiuska Licairak.

FOTO JOSE RAFAEL SOSA.


Es humor negro, fino, penetrante y ríspido, chocante sobre una amalgama de actuaciones femeninas de un rico ritmo incesante, evidencia de la química entre esas mujeres.
VER EN VIMEO MUJERES DE ARENA (5 MINUTOS)
Carolina Rivas, Evelyna Rodríguez, Patricia Muñoz y Giamilka Román, encarnan cuatro amigas de vidas y temperamentos bien diferenciados, desde la conservadora y tradicionista, hasta la liberal al extremo con su sexualidad y sus consumos de lo que sea adictivo, girando en torno a la invisible y sentida presencia de un político que representa, sin aparecer en escena, el panorama de las indelicadezas sociales y personales del hombre promedio latinoamericano, especialmente torcido si tiene un poquito de poder político.
GALERIA DE FOTOS (GOOGLE)
Las cuatro talentosas actrices evidencian que se han metido en sus personajes, canalizando sus vidas y fantasías y la actitud común y tan diversa que les une en torno al personaje masculino de gran peso y que no llega a verse nunca, pese a ser el eje de toda la trama.
La obra es escenografiada por Giamilka Román,  tiene diseño de luces de  Bienvenido Miranda, multipremiado internacionalmente y autor de Los 4 jinetes del ApocalIFE, TV or not TV y El Evangelio según Juanga), ha cedido a Niurka Mota este texto que provoca, a tono de la risa de la inteligencia y el chiste implícito en el drama de vida, y que ha iniciado con éxito sus funciones en Sala Ravelo.

Rafael Morla…. el monstruo ha llegado

De Rafael Morla no teníamos ninguna duda sobre el peso de la carrera artística que estaba llamado a desarrollar.  Le conocimos hace ocho años, entonces como uno de los más impactantes dramaturgos y directores jóvenes  cuando presento cartas credenciales en Casa de Teatro  en diciembre de 2010  con su pieza La leyenda del comodín y sus Barbie dolls,  en la que actuaban Judith Rodríguez, Honny Estrella y Vicente Santos (mire usted que trio y los resultados que han arrojado luego de aquello) , obteniendo un aplauso rotundo que recibió con humildad y en silencio al final del espectáculo.

Desde entonces, Morla se hace presente en las dramaturgias mas significativas. El es parte de una generación de creadores, de la que forman parte Indiana Brito, Richardson Díaz, Isabel Spencer, Hamlet Bodden, Aleja Johnson e  Ingrid Luciano, por citar media docena y nada más.
Nos quedamos impresionados con la juvenil imagen de este creador teatral que había sido generador de un texto tan denso y hermoso, tan simbólico y sugerente, y que permitió a estos tres talentos, mostrar la multiplicidad escénica con que premiaron la Sala Cristóbal de Llerena.
Morla, es un artista múltiple que muestra lo que es capaz de lograr el talento ya educado: egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático y de la Escuela Nacional de Danza, licenciado en Filosofía UASD, con maestría en Artes Escénicas en la Universidad Rey Juan Carlos, Madrid, España.

Rafael Morla se luce con su unipersonal Testimonios del mas aca.com, que finalizo su temporada en la sala La Dramática, del Palacio de Bellas Artes.


El monologo ideal
Lo que logra con Testimonios del Mas Aca.com es demostrar la calidad conceptual significativa del teatro bien logrado y que no requiere grandes despliegues de recursos, ni estructuras de mercadeo mediático, para llenar de gente valiosa las 72 sillas de la muy íntima Sala La Dramática, del Palacio de Bellas Artes.
Ha sido el milagro del arte de la escena, basado en  su fuerza interpretativa, elementos escenográficos muy simples y cotidianos (algunos libros, una camararita de video, una sábana blanca que hace de telón de fondo y un vestuario simple  sugerente, con  toques de maquillaje que acentúen el imaginario teatral que se persigue.
La presencia en escena de Morla lo ocupa todo con el ritual de un lenguaje del cuerpo, encumbrado sobre la oleada de un  pensamiento premiado de contemporaneidad, tocado de humor y verdades profundas, pronunciadas con la sencillez del lenguaje de la gente, sobra vaciedad de los “no contenidos” que nutren la comunicación por las redes.
El peso de la historia es la denuncia involuntaria de los elementos de enajenación ideológica, el tono de panfleto, tremendamente bien logrado, la necesidad de romper la solidad del símbolo de la habitación inmensa y solitaria en que nos hemos encerrado, tapiado de pantallas digitales que creemos nos comunican y que, en su misión, mas simple y previsible, nos aísla y silencian. Una historia contemporánea y aleccionadora.
Las muchas expresiones
Mora es un artista de múltiples expresiones: miembro fundador de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea del Ministerio de Cultura, actor del Teatro Rodante Dominicano y maestro de dramaturgia y Danza Contemporánea en la Escuela Nacional de Arte Dramático.
Su grupo Movimiento Saturado ha realizado los siguientes montajes: “Charlyn, Monólogo de mí mismo” y “Guerra de los Mundos II”.
Es hora de tomarlo, fuera de los círculos estrechos de sus colegas y cómplices creativos,   mucho en serio  y de proyectar el potencial creativo que le avala. Ese monologo, debe volver a ser presentado.
Es de lo mejor que hemos visto como actuación masculina en 2018. “!Por Dios, que vuelva a suceder!”.

Los créditos
Dirección, dramaturgia, maquillaje, vestuario y actuación: Rafael Morla
Producción: Karina Valdez, Otro Teatro& Teatro  Saturado
Diseño de luces: Anubis Arias
Musicalización: Jose Andrés Molina
Producción de video: Rosanna Briceño
Regiduría: Paloma Palacio

La Escuelota, nació por el deseo de Freddy de Educar

La Escuelota fue creada como comedia de televisión, llamada a ser la mas importante de su genero en la pantalla chica,  por la actitud de Freddy Beras-Goico, de educar a la población por los medios a su alcance. La fuerza de una marca televisiva, el talento humorístico y sobre todo repentista muy a flor de piel y el imperativo de la nostalgia unieron recursos para convocar multitudes el Teatro Nacional a disfrutar del humor de los talentos de La Escuelota, considerado como el segmento televisivo cómico mejor producido de la historia de la televisión dominicana.

Y más que un espectáculo adaptado con enorme sentido profesional, que abarroto sus funciones oficiales, que genero uno de los torrentes de risa continua de mayor expresividad en el Teatro Nacional, fue el homenaje del país al talento quien se debe seguir considerando como el artista popular dominicano más completo en el ámbito de la televisión y el espectáculo:  Freddy Beras-Goico, excluyendo la canción.
Actor, productor, libretista, presentador, animador, compositor, poeta, gestor social responsable y al lado de la gente, incluso cuando vio su vida amenazada por sectores delincuenciales y cavernarios, Freddy Beras ha dejado una huella que, con La Escuelota, ha dejado ver parte de su trascendencia. Freddy estuvo presente de tantas formas en la producción que respeto la dignidad de la concepción, cuya producción tiene programada una gira internacional alguna otra reposición nacional.Se sentía el aliento de Beras-Goico, creador del segmento que concito la unión de talentos más importantes de la televisiva.

Fue La Escuelota un espectáculo bien sostenido sobre libreto de Freddy Beras-Goico Vicioso, validado por el talento indudable y renovado sus protagonistas:

  • Felipe Polanco, (Elvin Vinicio), líder de los actuantes
  • Cuquin Victoria, (Vicente el Imprudente) Extraordinario
  • Kenny Grullón (Lalo K Cucurulo)
  • Nicolás Diaz (Margaro Restituyo), efectivo y gracioso, sobre puesto a su pese a su crisis de salud.
  • Luis Gil (Bobby, el boricua) de enorme buen manejo para el desarrollo del disparate histórico
  • Phillip Rodríguez (Jose, el borracho)

El apoyo musical del maestro Víctor Taveras, completo el cuadro de factores para validar la adaptación a escenario. Notable el aporte de la música a la grandeza de La Escuelota.
Aciertos:

  • La cuidada escenografía de Trake Stage Projects, cumplió a la perfección su papel.
  • El despliegue nítido y operativo del recurso audiovisual por medio de pantalla gigante.
  • El brillante desempeño de Freddyn Beras-Goico Vicioso en su delicada y crucial responsabilidad de hacer El Profesor. Estuvo a la altura y reproducía a la perfección gestos, giros y movimientos
  • La fuerza expresiva del rostro y los parlamentos de Felipe Polanco. No tenía que hacer nada, salvo Y pronunciar dos palabras. Eso era suficente.
  • Las “vainas” de Cuquin, genialmente puntilloso, brevísimo y cortante.
  • ¿En los musicales sobresalieron Demasiada harina” de Nani Pena y “Quien me explica? De Felipe Polanco.
  • El ritmo logrado por los parlamentos, sobre todo cuando “se salían de control” que lograba desternillar de la risa a Freddyn Beras Goico Vicioso y a otros talentos.
  • El acertado criterio de las preguntas en Geografía, Matemáticas, Historia y las reacciones brillantes ante las interrogantes.
  • La fuerza y gracia de las reacciones breves, y las interjecciones guturales de Kenny Grullón, evidenciando su dominio interpretativo.

Fallos

  • Algunos expresiones, sobre todo breves y chispeantes, no se escuchaban con claridad.
  • El tiempo, más de dos horas, más extenso de lo necesario.
  • El tono machista de algunos parlamentarios
  • La falta de impacto de algunos los musicales
  • Invitar a los medios a la última de las funciones oficiales.

La Escuelota paso todas sus pruebas, pese a fallos de menor cuantía que deben ser tomados en cuenta para otras funciones.
Emoción y nostalgia unidos con acierto en función de un personaje grande de la producción y el humor. El más grande de todos.
 

Jolgorio, el exquisito sabor del teatro nuevo

Jolgorio es una experiencia de enorme autenticidad escénica en la exposición de una galería de personajes de la sub-cultura barrial, gracias a la investigación académica, un texto narrativo breve de Jaime Lucero, el uso intensivo de recursos  el potencial de la nueva generación actoral y la experiencia  acumulada de  dos  maestros del teatro en dirección y montaje, que lastimeramente, por la carencia de los mecanismos comerciales del mercadeo teatral,  no fue vista por el grueso de la crónica de arte. Era una labor intensa y demandante, esa de presentar la belleza poética de una entidad social que, como la pobreza, se reputa por defecto, deficiente y mal tenida. Lograr de ese ambiente y esos seres, un discurso poético y una elección de la estética.

Ambiente de barrio en que se inspira Jolgorio. FOTO DE ALEXANDRA DESCHAMPS. SERVIDA POR LA PRODUCCIÓN DEL ESPECTÁCULO


Era hacer un teatro de recursos vitales: conocimiento y experiencias docente, ímpetus del talento que llega a escena y el trabajo sobre un buen concepto, fueron la diferencia para el caso. Fuimos afortunados que alcanzamos a ver en su última función en la sala Haffe Serulle, de la Escuela Nacional de Arte Dramático, para hacernos conciencia del exigente proceso de creación de personajes implica el rigor de extensas investigaciones actorales respecto de las cuales, los estudiantes de termino de arte dramático, son los llamados a desarrollar y probablemente y quienes están en mejores condiciones de tiempo y actitud para hacerlo con el éxito debido.

FOTOS DE ALEXANDRA DESCHAMPS


La  promoción Exo 2018, de los egresados ahora de la escuela de Arte Dramático, se han apoyado en una dramaturgia extraída de un magnifico texto, el cuento El callejón de las Yayas, con la doble dirección (actoral y de montaje) de Arturo López y Miguel Ramírez, el trabajo de una estructuración coral, expone diez  personajes del barrio marginado, esa colectiva de imágenes del profundo callejón urbano, a esos lugares a los que no penetran ni el asfalto ni el protocolo de inspección policiaco-militar,.
Son callejones en los cuales lo que predomina es la risa estentórea de un espigado Guelo, los gritos de desesperación de una tinita, el ritual mágico/ religioso de la Juliana y el ritmo de caderas de la Juliana, en construcciones producto de un proceso de meses en aula, tras la observación vivencial en el terreno estudiado, esa vitrina de personajes, que con la precisa puntada.

El montaje de Jolgorio, apoyado por Ministerio de Cultura como trabajo de grado de estos artistas, es la continuación de muchas otras dramaturgias de academia y es paso previo a otras que habrán de llegar. Es un proceso que se muerte, afortuna mente, su propia cola cada vez enriqueciéndose más y develando nuevas expresiones.
Un trabajo escénico distinto, autentico y arrobador. Uno que no busca ni nominaciones y premios y cuyo mejor reconocimiento, sería que se resuelva la logística para que sea visto en otros escenarios abiertos al gran público y a los cronistas.
FICHA TECNICA
Jolgorio
Basado en cuento El Camino de las Yayas (Jaime Lucero)
Dramaturgia: Arturo López y Miguel Ramírez.
Dirección actoral: Arturo López
Montaje: Miguel Ramírez.
Luces y universo sonoro: Milesky Garcia y Yasser Michelen
Talentos: Promoción Exo 2019 de la Escuela de Arte Dramático: Anderson Mujica, Iara Fana, Nicole O Neal Bueno, Erick Flores de Jesús, Fredissy Endrina Gutiérrez, Carina Cabrera Rosario, Nelson Amado Ozuna Chalas, Cindy Cabrera Guerrero, Rhaidirys Deschamps y Osvaldo Rodríguez.
Sinopsis:
Expresión de la cotidianidad dominicana que representa y manifiesta el espíritu bullanguero y el desparpajo de una sociedad enajenada y alienada por el gozo y el bochinche de su propio drama de miseria y abandono.

El Test, pasa con altas notas en Bellas Artes

El éxito de El Test ha sido el vencer el olor tan comercial en su promoción, y diferenciarse como un montaje teatral de grandes aciertos que muestra el poder mágico de lo bien logrado en escena.  Es arte comprometido, sobre todo, con compensar al público con una entrega lúdica, de alegría y enseñanzas. Este trabajo es resultado de una combinación de una exquisita escenografía, fina en su diseño y muti-funcional al emplazar cinco ambientes en un solo espacio un delicioso ritmo interpretativo, una dirección experimentada y un texto tan chispeante como inteligente

El teatro tiene razones suficientes para disfrutar el sabor del proceso que ha vivido y en sus montajes de este ano y que apunta a la elevación de su calidad integral, con nuevas figuras de relevo, la consistencia de las carreras conocidas, fortalecido su arraigo a golpe de intensidad dramática, y el despliegue continuo de capacidades artísticas y  expresiones mejoradas en lo técnico.

El Test, texto llegado desde España por la pluma de uno de los rostros de su nueva dramaturgia, del barcelonés Jordi Vallejo, actor y guionista de televisión venido a dramaturgo, , es el primer éxito del montaje, por la construcción de sus  contradicciones de concepto, con las que se expone la validez de un planteamiento: esperar la mejor de las opciones que la vida depara o el sentido utilitario de lo inmediato. La obra ha sido un éxito en capital latinoamericanas y en Madrid. Y no es para menos. Es un texto pensado y expresado con la fuerza de una capacidad pensada y cuidada.

En apariencia, la trama es el cuestionamiento a la paciencia y  la provocación que crea en los seres humanos la ambición y el sentido práctico. En realidad, es un planteamiento sobre el eterno tema del amor y el concepto de la fidelidad que encuentra en la provocación de la oferta económica, un pretexto.

Un teatro de la comicidad pensada en las cuales son factores que le otorgan un sitial en el quehacer teatral de este 2018.

Actuaciones

El segundo factor de éxito es el ritmo que logran Joseguillermo Cortines, Naslha Bogaert, Pepe Sierra y Karina Larrauri que no da respiro. Gracias a una dramaturgia cuidada como pieza de joyería, nada sobra, no hay nada prescindible. Precisión textual y agudeza interpretativa, hacen reír y provocan el pensar. Cortines es el personaje eje de la historia, volviendo a demostrar que es mas que una imagen masculina impecable, en los patrones del mercadeo de los medios. Es bueno, versátil y responsable con el compromiso. Naslha Bogaert interpreta la ecologista fundamentalista que resulta doblada por las circunstancias.Pepe Sierra vuelve a ratificar su dominio de la gracia y el ritmo que no deja espacios para desviar la atención y Karina Larrauri hace de la incómoda piscología, adversa a casi todo.

Con la banda sonora, muy “new age” no conectamos. Era solo referencia al personaje de Naslha.

La dirección de María Castillo  impone sus giros al histrionismo del texto y trasciende el sabor tan comercial del montaje, logrando una química actoral que genera una corriente que arrastra a la carcajada y al disfrute colectivo.

Si puede, no se la pierda.

FICHA TECNICA

El Test

Autor: Jordi Vallejo, (Barcelona, España)

Dirección y banda sonora: María Castillo

Producción: Raúl Méndez

Escenografía: Fidel López

Diseno lumínico: Bienvenido Miranda

Maquillaje y peinados: Ken Makeup

Talentos: Nasla Bogaert, Joseguillermo Cortines, Karina Larrauri y Pepe Sierra.

¡Oh, Dios! Buena forma de conmemorar 10 años de PROA

El teatro tiene infinitas formas de ser la vida misma, gracias a su alada por la imaginación, y a su sucesiva representación del dolor, el conflicto y la esperanza, ¡Tal es el caso de Oh Dios!. El teatro vuelve, con esta producción, a ser planteamiento impensable para la cotidianidad y la vida real, necesaria plataforma para ubicar al espectador en situaciones que, por lo inusual, llevan de la mano a verse ante la paradoja y la sorpresa. Esa es la magia de este texto de la dramaturga, actriz y militar Anat Gov (EPD), titulado originalmente Dios Mío!

Anat Gov. FOTO DR


Texto creativo
El primer éxito de la producción es su libreto, hilvanado frase a frase, palabra a palabra, idea a idea, con el criterio de una dramaturga y actriz, desborde de inteligencia e imaginación.
Un tema magníficamente tratado, con un humor sino fino, inteligente y sarcástico, no hilarante (como sugiere la promoción) es un hito teatral con la dirección de Mario Lebrón, con respaldo actoral de Teo Terrero (Dios), Dolly Martínez (La Psicóloga) y Alejandro Moss (El hijo).
Como pieza teatral tiene elementos frente al público que increíblemente le hace sobrevivir, por una parte, a un ritmo lento, unidireccional  y sin grandes giros dramáticos y, por otra, la sencillez de su final, que no logramos definirlo si como genial o  simplista.
Con estas condiciones logra que salga a camino esta pieza, es producto de la fuerza del texto y la entrega de sus talentos, que merece reconocimiento, pese a algunos resbalones interpretativos en la función premier y que de seguro serán superados en la medida en que la obra sea presentada una y otra vez en estos dos fines de semana.

Teo Terrero (Dios), Dolly Martínez (La Psicóloga) y Alejandro Moss (El hijo). FOTO DE MANUEL QUIBILETE


Actuaciones
¡Oh Dios!  (titulada originalmente ¡Dios Mío!)  tiene de sus intérpretes un desempeño que le ubica, sin dudarlo, entre lo mejor de la escena dominicana de los últimos anos.
Terrero y Martínez logran buen desempeño a pesar de algunos resbalones interpretativos propios del primer montaje y que de seguro serán superados a lo largo de estos dos fines de semana.
La presencia del joven actor Alejandro Moss (El hijo), es un gesto que hace justicia a las generaciones interpretativas de relevo.
A ellos tres se une un cuarto personaje singular: los recursos de la técnica teatral y sobre todo la aguda anotación de su música (Ernesto Báez), la iluminación (Liliana Diaz) (sobre todo el momento lumínico que recrea el detalle de la creación), la escenografía (Jose Miura), vestuario (Renata García), peluquería y peinados. Hay precisión y exquisitez en la técnica teatral, que sin ser ostentosa y exhibicionista, cumple un rol relevante.
No se pierda este trabajo. Es de lo mas resaltante teatralmente en la primera mitad del 2018.

Teo Terrero y Dolly Martinez. FOTO JOSE RAFAEL SOSA


Una década teatral
Una fabula con pinceladas de drama existencial y tonalidades finísimas de humor, parte de un texto creativo digno de cualquier escenario mundial, y permite aquí, celebrar como es debido, la labor teatral de una década de Producciones T&M Proa.
Aun recordamos, cual, si fuera ayer, el anuncio de la fundación de este proyecto y que nos ha dado experiencias teatrales inolvidables como La Venus de las Pieles y Ave Negra.
FICHA TECNICA
Título: ¡Oh, Dios!
Librero: Anat Gov
Director: Mario Lebrón
Producción: T&M Producciones Teatrales PROA
Musicalización: Ernesto Báez
Diseño de Luces: Liliana Diaz
Escenografía: Jose Miura
Vestuario: Renata García
Talentos: Teo Terrero (Dios), Dolly Martínez (La Psicóloga) y Alejandro Moss (El hijo).
SINOPSIS:
Una prestigiosa psicóloga, madre soltera de un joven autista, recibe una llamada de un paciente que tiene urgencia de consulta. Lo recibe y resulta que es Dios, con un abanico de angustias existenciales, a las cuales dar respuesta.

Godspell, alto perfil del teatro musical, perfumado de fe y arte

Cuando un montaje de teatro musical que había dejado, hace cinco años en agosto de 2012,  en el Palacio de Bellas Artes,  una impronta  estética de impacto estético y  una de las más hermosas maneras de llevar el Evangelio de San Mateo, vuelve a montarse en otro espacio, con otra conceptualización, denominada modernamente “Revival” , logra llevar al publico al paroxismo entusiasmado, que  aplaude a rabiar, entonces es tiempo de entender que el género escénico  más exigente ya paso su etapa de  anunciar  que una generación de relevos está en camino. Godspell, en esta entrega renovada ,  otro montaje sobre un mismo texto cristiano, cargado de valores y llevado en los garfios del danzar y el cantar al tono de los tiempos, con instrumentos de penetración.

Quienes vimos el primer montaje, hace cinco años, sabemos de acto de valentía volver sobre un proyecto dado, y dotarle de nuevos colores y sentidos, de un renovado talento cruzado por una directriz común: la juventud.
Elemento crucial es una escenografía electrizante de Valentina Grillo, una dirección vocal que logra una experiencia auditiva simplemente extraordinaria, responsabilidad de Paola González.
Impactante  el universo musical bajo la conducción de Junior Lomba, para solo citar algunas de las densidades sensibles que sumaron experiencias  talentos y  voluntad para el acto de fe en el arte que representa este trabajo, imperdible para todo el que pueda verlo.
La técnica
Godspel es un logro basado en una depurada técnica: elementos técnicos:  impecable y efectista vestuario (Miguel Ángel Rodríguez); el maquillaje de Claudia González); la utilería (Luis Jose Jiménez) y el espectro lumínico y reproducción sonora (a cargo de la empresa Backstage).
Con este trabajo el Studio Theater, de Acropolis Center, nos convence del sentido transformador que ha llevado a los centros comerciales, a aceptar en su  oferta al público, la oferta del arte en sus más altas expresiones.

Interpretaciones
Las 15 canciones interpretadas, presentadas en dos actos, son un registro de talentos
El protagónico de Javier Grullón, vuelve a mostrar el arranque y la fuerza con que la vida le ha premiado para trascender mucho mas allá de lo que los titulares puedan destacarle.
Resuelto y con sentido de su responsabilidad como artista de escena, Javier ha ampliado la herencia paternal que descubrimos muchos anos antes en Kenny, desde sus primeras apariciones en el mundo precursor de esta disciplina, mostrado por la Sanlley, a quien no habrá forma de recompensarle por haber hecho lo que hizo por esta disciplina.

Diferenciado es el papel, la voz y la gracia penetrante de Claudia González, sobre todo en sus tonos mas agudos. Esa mujer sella con su intensidad, todo escenario.
Nos quedamos con un agradable recuerdo de lo que entregan los roles secundarios de Vladimir Rodríguez, Karla Fatule, Laura Guzmán, Alejandro Espino (a quien vimos en La Familia Adams, como Lucas) y el prometedor  e inolvidable  Jared Gómez (al que disfrutamos en su protagónico de El Principito), la atrevida de Mavel Paulino.

Esta noche "Me quitaron la casa" con Eduardo Santos y Noel Ventura en Casa de Teatro

Eduardo Santos y Noel Ventura, unen por primera vez sus talentos en el teatro, para dar vida a los personajes de la alocada comedia “Me quitaron la casa”, que sube a escena desde el 20 de abril, en Casa de Teatro, con funciones viernes y sábados a las 8:30 pm y domingos 6:00 pm.
Con la producción del puertorriqueño Raúl Méndez, dirección de Richarson Díaz y texto del dramaturgo puertorriqueño Carlos Vega, la trama de esta divertida comedia, podría sonarle familiar, porque retrata la realidad que se da con frecuencia en República Dominicana.
“Juan”, está aferrado a su casa, pues es lo único que tiene después de perder todo en su vida. Mientras que “Eduardo” no quiere que lo despidan de su trabajo, pero para lograrlo, tiene la encomienda de emplazar a “Juan”.
Es así como estos dos hombres, en un país en plena crisis económica y en el que se hace cualquier cosa por sobrevivir, se enfrentan de una manera seria y a la misma vez cómica.
Eduardo Santos, conductor del popular programa “Divertido con Jochy”, y Noel Ventura, destacado por su personaje de “La Pasante”, en el mismo programa, prometen hacer reír hasta llorar de la risa con sus ocurrencias.
Raúl Méndez, regresa con esta producción, luego del éxito obtenido el año pasado con “El Hijo de Puta del Sombrero” y “El Amor en los Tiempos del Zika”.

Bienvenido al Extraño, teatro sincero con una misión superior

La presentación el pasado fin de semana del socio-drama Bienvenido, el Extraño (Yino Martínez) en el Palacio de Bellas Artes, logro emocionar al público que acudió a sus dos funciones del fin de semana, por la consistencia de su mensaje para derrotar el prejuicio contra los enfermos mentales, promover su integración social a la comunidad, al tiempo de haber sido un espectáculo emotivo, tierno y bien desarrollado en su montaje amateur. Con un elenco integrado por pacientes psiquiátricos, personal de enfermería, gente de la comunidad  y médicos, Bienvenido, El extraño presenta un encanto escénico que pocas veces lograr verse en una producción teatral: es sincera, emotiva, bien actuada (en lo  que se puede esperar de un personal de este tipo y en el que solo había dos actores profesionales: Iván Mejía – el protagonista Bienvenido-  y Yino Martínez,  siquiatra (Director del Centro de Rehabilitación  Psico-social), del Ministerio de Salud Pública, con auxilio del Patronato de Salud Mental.
Apoyándose en los recursos de la comedia dramática, Martínez (el autor de la dramaturgia) logra un espectáculo teatral valioso, bien manejado y sacando el máximo provecho de los recursos artísticos y técnicos puestos a su disposición.

El equipo técnico fue de lujo: Leonel Lirio en el vestuario; Miguel Ramírez como creador de una escenografía simbólica y efectiva que permite varias locaciones (el consultorio de la unidad de atención, la casita humilde, el consultorio, el mundo de sueños obsesivos) y el diseño de luces de Wilson Ureña. El director que les apoyo para modelar las actuaciones fue Adalberto Caraballo. La imagen grafica y las fotos fueron creación de Marvin del Cid, Alberto Carbuccia y María Leonor Guillermo.

Muy marcada por la influencia de la Iglesia Católica, que se ha destacado por su apoyo al proceso, Bienvenido, el extraño, es un montaje cuyo ambiente natural es y debe ser la comunidad.
 
Su montaje en Bellas Artes (el escenario más elevado artísticamente para un trabajo de este tipo) es un paso de avance de un proceso que tiene una larga trayectoria y que viene desde experiencias típicamente comunitarias.

El precedente
Los principios de estas iniciativas fueron impulsadas por el doctor Jose Mieses Michell (quien fuera director del Psiquiátrico y director del Departamento de Salud Mental – Sespas- después.  A muchas de sus presentaciones teatrales acudimos en Pedro Brand y otras comunidades en los anos 90s y los dos mil.
Mieses Michel, quien no está ya en el servicio público, dirige la Fundación de apoyo a las personas con enfermedad mental grave, desde a cuál sigue promoviendo la integración social de estos pacientes.

VIII Festival Teatro Dominicano en Lawrence tendrá siete montajes con talentos criollos

El VIII Festival de Teatro Dominicano de la ciudad de Lawrence, dedicado al director Servio Uribe, será desarrollado en esta ciudad norteamericana del viernes 6 de abril al 6 de mayo.
El director del Festival, el padre Joel Almonó, dijo que los montajes serán realizados en el Salón- Teatro de la Iglesia de Gracia ubicada en la 198 Garden Street. en la ciudad de Lawrence.

Almonó dijo que la noche inaugural será el viernes seis de abril, durante la que se rendirá homenaje a Servio Uribe, formador de generaciones de actores en la Escuela Nacional de Teatro de Bellas artes y fundador del grupo de poesía Coreada Calíope.
Las presentaciones se inician el sábado 7 de abril con el estreno de Divorciadas, Evangélicas y Vegetarianas, con la actuación de  Elvira Taveras, Olga Bucarelly y Karina Noble, función que se repite el domingo 8.
El sábado 14, los maestros actorales y directores María Castillo y Manuel Chapuseaux, escenifican Banco de Parque  las 7:30 de la noche , para continuar el programa el domingo 15 con la presentación de  El Quijote no Existe, con Manuel Chapuseaux  a las cinco de la tarde

El sábado 21, se presenta, a las siete 7 y 30 de la noche,  el montaje Testimonio a cargo del grupo Grupo  de la Universidad Católica Nordestana, dirigido por Esperanza Tavera a las  7:30 de la noche, fusión que se repite el domingo 23 a las cinco de la tarde.
El padre Almonó, y el productor dominicano Juancito Rodríguez, indicaron que el sábado 28 se presenta Monte Calvo a cargo del Grupo Renovación, función que se repite el domingo 29. El Monte Calvo a las cinco de la tarde. Las presentaciones concluyen el sábado 5 y domingo 6, con Carlos Alfredo Fatule y el monologo Abuelo de Ocasión.

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El fundador
El fundador del Festival de Teatro y de la Feria Internacional del Libro de Lawrence, Joel Almonó, es sacerdote y poeta. nació en San Francisco de Macorís, República Dominicana.  Es uno de los fundadores del Movimiento Meta Poesía Caribeña. Ha publicado los libros de poesías: Dolor del Tiempo, en el 1993, Cantos Apocalípticos, 1996. Odas Meta poéticas y Voces Metapoéticas, en el 2004 y  Salmo a la Soledad, 2015.

Una Rosa imperdible, cuando Bosch se siente noble, intimo, rural y poeta.

Como tantas otras veces, los minutos que transcurren antes de iniciar un montaje de teatro, el espectador se hace las expectativas por lo que habrá de pasar en escena, sobre todo si se trata de una dramaturgia que rescata para las presentes generaciones, un cuento tan escasamente conocido como Rosa, tomado de las páginas del Mas Cuentos Escritos en el Exilio.
Las incógnitas se despejan cuando inician las acciones. Lo que ocurre de inmediato, con las primeras líneas de Manuel Raposo (Juan), – exquisito en la forma en que se hace dueño del crucial papel protagonista- cautivando con la fuerza de una narrativa sensible, detallada y de un vuelo poético que, a tiempo que hablaba, hacía sentir que nos hablaba a oído, claro, y tierno, un Juan Bosch, que – como ocurre con los creadores literarios verdaderos, vive a nuestro lado gracias a su don narrativo, el de una obra que o finaliza cuando quien la ha escrito, ha partido.

Rosa es el acontecimiento teatral que nadie debería dejar de ver en Bellas Artes, por parte de la Compañía Nacional de Teatro, a 100 pesos.


El rescate de esta historia de amor, que aporta una manera lúdica y noble de describir personajes y ambientes del campo, que siento locales, están vestidos de universalidad, por su código lingüístico al alcance, en esa tejido hermoso y efectivo de palabras, adjetivos y conceptos.
Es que Bosch vuelve a ser, vuelve a trascenderse.
Raposo, a partir de una capacidad histriónica que se antoja cómplice y limpia frente al público, pronuncia la entrada que nos deja indefensos y absortos:
“LA SEQUIA DE los nueve meses acabó con el Cibao. Los viejos no recordaban castigo igual.
La tierra tostada crujía bajo el pie, los caminos ardían como zanjas de fuego, los potreros se quedaron pelados.
Las familias se acostaban sin haber comido y los animales que habían sobrevivido no tenían fuerzas ni para espantar las moscas”.
Lo que ha logrado la Compañía Nacional de Teatro, con la dramaturgia y dirección de Fausto Rojas, que ya el ano pasado hizo lo propio con Yago, no tiene forma de ser descrito adecuadamente. Es una experiencia para ser vivida.
Igualmente son notables las actuaciones de Pachy Méndez (Rosa), Maggy Liranzo (Marta), Johnnié Mercedes (Nisio Santos), Miguel Bucarelly (Amézquita) y Ernesto Báez (Inocencio), con un aporte actoral del nivel que demanda un trabajo tan significativo.
Se debe destacar el manejo de marionetas a vista de público de Canek Denis (Rabonegro) y Alejandro Moss (Mariposa), una interpretación técnica y artística con sus dos mascotas, graciosas y auténticas como pocas veces se ha visto en ese escenario de Bellas Artes.
Ir a ver la conducción de esos perros, que empalman con la imaginación del publico que ve que son muñecos de sacos y alambre, pese a lo cual, causan una empatía cual si fueran seres vivos.
A 100 pesos
La entrada para disfrutar del montaje Rosa, a cargo de la Compañía Nacional de Teatro, es de 100 pesos, por disposición del Ministerio de Cultura.
La historia
Rosa es una búsqueda de un camino en su aventurera existencia Juan retorna con el viejo Amézquita a las tierras de este, con sus reses, pero sobre todo donde está su hermosa hija Rosa.
Parece probable que entre Juan y la muchacha se inicie un romance que pudiera culminar con el emparejamiento definitivo para beneplácito del viejo, si no fuera por las intrigas de los chismosos de siempre que, con sus malintencionados comentarios, activan los sentimientos encontrados de libertad, del rechazo a las ataduras y su sentido del honor.

Arte, la fuerza y creatividad de un teatro que sorprende

Arte, como montaje teatral, estrenada anoche y que estará en cartelera en Sala Ravelo estos dos fines de semana, tiene lo necesario para consagrar el sentido de su experiencia: tres brillantes talentos masculinos, un libreto escrito desde el un tema que nos resulta novedosa y creativa forma de salirse de la corriente general (referida sobre todo a las siempre recurrentes relaciones hombre&mujer) para platear, por medio de la excusa de la percepción, utilidad y valor del arte plástico, el complejo universo de las primarias relaciones de amistad entre hombres.

El desafío de Arte, como teatro, era corresponder al prestigio que le precedía y que se proyectaba como una de las piezas más representadas en escenarios de Europa, Estados Unidos y América Latina, producto de la creación de una dramaturga francesa, estrenada en Paris en 1994 y que ahora se estrena en Sala Ravelo para el público dominicano.
La relación que logran los tres actores, Richard Douglas (Sergio), Francis Cruz (Iván) y Henssy Pichardo (Manuel) es sencillamente perfecta, y lograr transmitir en sus diversos procesos, la intensidad, la contradicción de criterios, el lenguaje contrapuesto con obvias densidades del teatro del absurdo, concretando con Arte, uno de los acontecimientos teatrales del recién iniciado año 2018.
La dirección de Elvira Taveras logra llevar a escena un montaje divertido e intenso, del cual derivan las lealtades y debilidades del temperamento humano cuando este se pone a prueba.
Notable la escenografía de Miguel Ramírez, sobria y basada en el criterio de que menos, es más, economía de masas escénicas movidas a vista de público cuando es necesario por los mismos actores, y un resaltante criterio estético, proyectando un sentido de moderno confort parisino o de clase alta ilustrada.
El recurso técnico de luces (responsabilidad de Bienvenido Miranda), se incorpora como un instrumento de comunicación, como pocas veces, creando espacios ya colectivos o ya íntimos (personaje y publico).

La dramaturgia
Yasmina Reza  escritoraactriz, autora de ocho novelas y  como dramaturga de diez montajes  que le acreditaron tanto como para recibir en el 2000 el Gran premio del Teatro de la Academia francesa, logra con Arte demostrar la agudeza de una narradora literaria al entregar un  concepto fino elaborado, a partir de un hecho tan simple como la vigencia del derecho personal a adquirir una pieza de arte.
Estamos ante una expresión muy original de una dramaturgia que hilvana un sentido oportuno del humor, que aporta puntillazos que producen la risa, pero logra más que la carcajada, porque da el punto exacto armonía y complementaridad actoral y la provocación reflexiva que logra que cada asistente pueda medir su resistencia ante las debilidades o aciertos de sus amistades más cercanas.
Arte es una obra para ser disfrutada como teatro y analizada como experiencia de vida.
Ficha Técnica
Titulo Arte
Autora Yasmina Reza
Directora Elvira Taveras
Producción Dunia Wint
Co/producción Hutía Producciones (F. Cruz)
Luces Bienvenido Miranda
Escenografía Miguel Ramírez
Mobiliario Artes San Ramon
Sinopsis
Ambientada en París, a finales de la década de 1980, Serge, un apasionado del arte moderno, adquiere por una cifra astronómica un extraño cuadro del maestro Antrios, consistente en una mera tela blanca.
Sus amigos Yvan y Marc intentan hacerle comprender que sobre la tela no hay nada, pero Serge se obstina en percibir una obra maestra del arte abstracto, con líneas que cambian (las tramas de la tela). La discusión sobre el significado del arte pondrá en peligro la propia amistad entre los tres, que terminan dibujando sobre la tela. Finalmente la vuelven a limpiar, que quedará expuesta con orgullo en casa de Serge
 

Secretos de Familia, las graves disfunciones contadas en tono de comedia

Será mucha la gente que acudirá a Bellas Artes ae disfrutar al extremo de una producción chispeante y digna pero no se dará cuenta cual es el real Secreto de Familia, que enmascara con sabia sapiencia la pieza teatral original de Claudio Tolcachir.  Pero  pocos serán los espectadores que se darán cuenta de las torceduras de una familia  escandalosamente disfuncional, acolchada en la tipología cómica de sus personajes y en las que se dejan sentir chantaje, parasitismo,  el desorden visceral, el abandono y otras tragedias que no debemos develar porque sería traicionar el clima subterráneo y casi invisible de que trata.  Ese y no otro es el éxito su  autor Claudio Tolcachir.

El éxito de este montaje es transmitir todo aquello en el código del humor y la risa, escondiendo la esencia, su  gran gancho .  La mayor parte de la audiencia a Bellas Artes se mantendrá en el dulce, chispeante y agradable ambiente que logra el elenco, sin percibir el tufo de lo que se cuece.
En Secretos de Familia cuya actuación coral es distintiva, sobresale Pepe Sierra, haciéndonos ver normal lo anormal. Pepe Sierra se roba, de nuevo, el show y Roberto Cavada entra con luces propias al teatro, a pesar de un falló ciertamente excusable por inmadurez, en su desempeño.
En teatro una de las proezas que más agradece el espectador es la sinceridad de las actuaciones que permite ver como normal, lo “anormal” y es lo que logra con su personaje de un retrasado mental, tal cual lo logra Pepe Sierra, quien vuelve a ratificar que es mortalmente positiva, la combinación de talento y compromiso con el arte.

Tras Secretos de Familia, que inició anoche sus presentaciones en la Sala Máximo Avilés Blonda, queda el dulce y claro el sabor inexplicable que deja el teatro cuando es producto de un gesto de responsabilidad artística y técnica, entregando un espectáculo teatral digno y de múltiples aristas y aportes y permitiendo el disfrute de una actuación coral que, a pesar de su equilibrio, deja claro que un talento joven se ha consagrado: Pepe Sierra.
Se destacan:

Secretos de Familia (Claudio Tolcachir, Argentina, 2005), producción de Karina Larauri, supone el notable desarrollo de un proyecto teatral en el cual se han cuidado con esmero:

  • La escenografía que es fidedigna tanto el hogar añejo de clase popular como de la habitación de la clínica, el vestuario, responsabilidad de Adria Victoria, (La Pieza)
  • Los efectos especiales (los implantes en el cuerpo de Carlos Sánchez (La Abuela) que nos convencen de que se trata de una doña entrada en años) y que le permiten una actuación provocativa y muy bien proyectada. Es lo mejor que le hemos visto hacer en teatro.

Karina es una profesional de la escena y la actuación que decidió lograr grandes metas, evitando los caminos de la rutina.
 
Actoralmente, están muy bien: Irving Alberti (Damián) transmite la frialdad casi delincuencial de su encargo – aun cuando nos   produjo sabor repetido de su papel en El hijo de puta del Sombrero); Honny Estrella (Verónica) vuelve a demostrar su talento, que excede su belleza y no sobreactúa pese a las presiones de ese personaje para la aberración escénicas; Roberto Cavada (Eduardo) nos sorprende por su calidad (pero no debió reírse de un chiste explosivo); Carolina Rivas (Meme), nos hizo sentir orgullo de su capacidad sub-utilizada por la nación dominicana y José Guerrero, aporta una profesionalidad ejemplar a su personaje Hernán.
Manuel Chapuseaux reivindica el texto de Claudio Tolcachir, el autor, es una personalidad cultural del teatro en Argentina, según declaración del Congreso Nacional, es un prolífico dramaturgo, maestro del teatro con su propia academia y espacio teatral.
Claudio Tolcachir, el autor, se inició en Buenos Aires como director en 1998 con Chau Misterix, de Mauricio Kartún. En 2005 dirigió esta comedia, con el titulo original de La omisión de la Familia Coleman.
Secretos de Familia  es recomendable desde todo punto de vista.