Teatro

VII Festival Teatro de Lawrence rendirá homenaje a Elvira Taveras

El VII Festival Latino de Teatro de Lawrence será montado del sábado 11 al domingo dos de abril, con ocho representaciones de la dramaturgia de México, Perú, Colombia, Guatemala y República Dominicana.
El director del Festival, padre Joel Almonó, párroco de la Iglesia Episcopal de Gracia, dijo que las representaciones serán realizadas en el teatro, ubicado en el número 198 de la calle Garden.

Almonó dijo que el Festival está dedicado a la carrera de actriz y directora dominicana Elvira Taveras, quien además protagonizará el montaje de El Último Instante, con libreto de Franklin Domínguez, y quien está nominada a los premios Soberano en Rep. Dominicana.
Explicó Almonó que el festival de Teatro es parte de una plataforma de formación y sensibilización mediante el arte, dirigida a la comunidad a fin de dar a conocer aspectos de la cultura de los latinoamericanos
La pieza de apertura del VII Festival, explicó el padre Almonó, se inicia el sábado 11 de Marzo a las 7 de la noche, con la La Fábula de los cinco Caminantes, del dramaturgo Iván García. Posteriormente habrá una cena en homenaje de Taveras.
El domingo 12 se presenta Juicio a una Zorra, escrita por el director y dramaturgo español Miguel Del Arco con el protagónico de la actriz homenajeada.

La actriz Elvira Taveras es la artista homenajeada por el VII Festival de Teatro Latino, de Lawrence, que organiza en esa ciudad de Boston, el padre Joel Almonó, párroco de la Iglesia Episcopal Nuestra Señora de la Gracia.

Juicio A Una Zorra es un monólogo dramático con la historia de la humillada, vilipendiada, maldecida, la bella: Helena De Troya, en la cual la gran actriz, expone todo su histrionismo, majestuosidad, experiencias y su maestría sobre las tablas.
Las acciones del Festival Latino de Teatro siguen el Sábado 18 con la presentación del drama Segundo Tiempo, a cargo de la compañía del Comité Cultural Colombiano.
El domingo 19 se presenta La Última Cita, pieza teatral que trae el Comité del Desfile Dominicano, mientras que el sábado 25 se ofrece el drama El siguiente, a cargo del Comité Cultural Peruano, sobre los inconvenientes que sufrían las ciudadanos cuando tenían que realizar los exámenes para el Servicio Militar Obligatorio en los Estados Unidos en los años 60´s.
El domingo 26 se monta Yo soy Minverva, sobre la vida de heroína de Salcedo Ojo de Agua, en su lucha contra la tiranía de Rafael Leónidas Trujillo.
El sábado primero de abril, se presenta Perseguidos, en una producción del Comité Cultural Guatemalteco, con la historia de un grupo de cristianos perseguidos en Roma en la época que gobernaba el emperador Nerón.
Las presentaciones concluyen a las 4:30 de la tarde del domingo 2 de Abril, con Las Mil y una Noche, montaje de Las Mil y una Noche por parte del Comité Cultural Mexicano.

Un Cianuro que impulsa el relevo generacional en Teatro

Tras ver, en el ambiente intimista único de Las Máscaras, la comedia con tonos de sarcasmo Cianuro, sólo o con leche, queda la satisfacción de que hay garantía de permanencia y crecimiento del teatro dominicano.
En la pieza se encuentra el espectador con una gama variada de actuaciones nóveles (con la excepción de las tablas de la Aleja Jonhson), que oscilan entre la originalidad chispeante y las que requieren tan solo el consejo de seguir mejorando, insistiendo, ensayando y estudiando. Ninguna carrera se podría fundamentar tan solo en el deseo de ser bueno.

Cianuro, solo o con leche, es un montaje que recomendamos para disfrutar su humor oscuro y caras nuevas en el teatro dominicano. Está en Las Máscaras.

La pieza
Cianuro, sólo o con leche, es un exitoso texto dramatúrgico original de dramaturgo español Juan José Alonso Millán, que fue estrenada el 7 de Junio de 1963 en Madrid, y que en el país, adapta a la realidad dominicana, el Teatro Las Máscaras, sirviendo de plataforma para la presentación de parte de la nueva generación de relevo en la escena criolla.
La pieza original sitúa las situaciones en Badajoz, (que en la adaptación se pasa a un caserón provinciano La Vega) durante en una fría noche de invierno de 1925, en la que Laura y su madre Adela, postrada en una silla de ruedas, discuten la forma de terminar la vida del abuelo de 92 años, cascarrabias y agonizante, se ven ante la posibilidad de acabar con la quejosa vida del abuelo cascarrabias que ronda ya los 92 años.
La labor escenográfica demandó un esfuerzo mucho mayor, bajo la responsabilidad de Noé Vásquez y en vestuario, (a cargo de Loren Peña), con musicalización (una de más elaboradas que hemos sentido en Las Máscaras) es de Henely del Rosario.

Cianuro, solo o con leche, es un montaje que recomendamos para disfrutar su humor oscuro y caras nuevas en el teatro dominicano. Está en Las Máscaras. FOTO JOSE RAFAEL SOSA

Las actuaciones
Valiosas por ser expresión de lo nuevo que llega, las actuaciones merecen un detallado examen que separe la paja del grano
Aleja Jonhson es caso aparte por tener una trayectoria extensa y sin necesidad de nada que demostrar.
Paola Ramos (Laura) es una de las interpretaciones resaltantes por su presencia, el manejo de la voz la versatilidad de sus iniciativas en escena. Logra estar a altura de Aleja Jonhson (Adela) como co.protagónicos que ubican al espectador en la trama.
Otro papel que impacto fue el de Kirsys Núñez (Justina), que destaca por la brillantez de sus salidas, su genial hiperactivismo y su gracia contagiante.
Los demás talentos hacen bien en aceptar los desafíos, pero requieren de seguir demostrando que tienen condiciones.
Hay personajes que pudieron ser mejor trabajados, pero todos merecen el reconocimiento por su resolución ante el desafío de este escenario, adorable, pero demandante de rendimiento.
Como pieza teatral, el texto se reivindica por parte de sus intérpretes y ciertamente que el público la pasa bien, siendo la falta de pericia de los nuevos talentos, parte admisible como telón de fondo.
Las actuaciones requieren de mayor visceralidad actoral y vocación instintiva, que reubique sus personajes a la altura necesaria.

Cianuro, solo o con leche, es un montaje que recomendamos para disfrutar su humor oscuro y caras nuevas en el teatro dominicano. Está en Las Máscaras.. FOTOS DE JOSE RAFAELSOSA

FICHA TECNICA
Cianuro ¿solo o con leche?
Teatro Las Máscaras
Directora: Lidia Ariza
Producción: Germana Quintana (Las Máscaras)
Autor: José Alonso Millán
Adaptación: Lidia Ariza/Germana Quintana)
Musicalización: Hanely del Rosario
Vestuario: Loren Peña
Utilería: Emer Alvarado
Escenografía. Noé Vásquez
Talentos: Laura (Paola Ramos), Adela (Alexa Jonhson), Veneranda (Jisell Sánchez), Socorro (Sharina Hernández), Marcial (Angel Díaz), Justina (Kirsys Núñez); Enrique (Bryan Payano), Martha (Diana Moll); Llermo (Franklin Veloz); El Sátiro (Nelson Fernández) y Don Gregorio (Jessi Rodríguez).

febrero 20, 2017 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Banco de Parque: drama y humor, soledad y mentiras.

Banco de Parque se resuelve en una experiencia imperdible, con una coloración interpretativa que se acerca más a la comedia que al drama, distante en enroque de los montajes 1986 y 1997, dado que constituye una muestra de soberana actuación de sus dos protagonistas, directores y maestros de la escena nacional.

Cuando fue montada por María Castillo y Ángel Haché, el discurso escénico fue el del drama (siendo exactamente el mismo libreto) cuando la contraparte masculina y en honor de quien, homenaje fotográfico y hemerográfico incluido, se ha hecho el montaje en Sala Ravelo, en la que sigue el fin de semana ofreciendo El texto del dramaturgo ruso Alexander Gelman (El premio (1974); Nosotros, los abajos firmantes (1980) y Zinulya (1986) sirve para tener oportunidad de disfrutar de dos actuaciones de colección y un premio actoral que nadie, en su sano juicio, debe perderse.
Actuaciones
Manuel Chapuseaux, que se ha consagrado como director, siendo su montaje más reciente Nuestras Mujeres, en la misma Sala Ravelo y que evidenció nueva vez sus dotes y visión de los recursos interpretativos de sus tres talentos (José Roberto Díaz, Francis Cruz y Henssy Pichardo), se adapta a las directrices de Castillo para entregar una versión fresca, actual y válida de la pieza de Gelman. Hace del mentiros, manipulador vendedor de esperanzas a cambio de orgasmos de ocasión, sustentado en mercancías de supermercado.
Chapuseaux tiene un evidente dominio de su personaje, de sus movimientos, de sus inflexiones y lo proyecta desde la directríz de humor porque se ha decantado la directora
María Castillo regresa a la personalidad de la mujer esperanzada en encontrar el hombre con el que se pueda contar, y que vuelve a su vida con las mismas mentiras de siempre.
La maestra se luce en la gerencia de gestualidad y los matices de su voz. Reproduce la carga emotiva de una soledad insoportable y se aferra a la esperanza de un amor que no lo es.
La pieza es una rotación simbólica de soledades, falsías, esperanzas desgarradas y pérdidas del sentido, dimensiones que explora con acidez y humor el dramaturgo europeo.
Banco de Parque, de uno de los dramaturgos rusos vivos fundamentales de la actualidad, Alexander Gelman, estremeció, con drama y carcajada, al público selecto que acude en la Sala Ravelo.
No es frecuente tener en escena a dos directores-maestros intérpretes de la talla de María Castillo, (Teatro Mandrágora) y Manuel Chapuseaux (Teatro Gayumba) y menos cuando se trata de un montaje de texto imperecedero, sobrepuesto al tiempo, con parlamentos que hilvanan realidades que siguen frescas y sangrantes, esas que describen la soledad, la mentira, la manipulación, el sufrimiento femenino y la actitud manipuladora y abusiva del hombre buscador de consagrar el engaño.
Valida la reinterpretación de Banco de Parque que tiene origen en la necesidad de reinterpretación y de adecuación a tres décadas llamadas a influir en el cambio del gusto y la percepción de la gente que sigue el teatro.
Ficha Técnica:
Dirección: Teatro Mandrágora
Producción general: María Castillo
Asistente Producción: Daniela Tovar
Voz en Off: José Antonio Rodríguez
Elenco : María Castillo (Vilma)
Manuel Chapuseaux (Feria)

febrero 10, 2017 por Jose Rafael Sosa Noticias Teatro 0

Nuestras Mujeres, teatro humorístico de la inteligencia y la sensibilidad

Cuando el dramaturgo y novelista franco-tunecino Eric Assous, decidió escribir Nuestras Mujeres, estaba –curiosamente – pensando sólo en hombres.
Lo que hacía en realidad Assous era un recorrido emocional, que retrata con humor y acidez, la soledad y la aspiración masculina de la felicidad, la ética, la lealtad la solidaridad, la hipocresía de aparentar ser lo que no se es y el valor de la familia, gravemente lastimada por el rompimiento de sus canales de comunicación.

Assous logró su cometido y el resultado es esta pieza de humor y pensamiento que vuelve a demostrar como el teatro, tiene tantas formas de concretar su magia y su poder inagotable para sorprender, encandilar y transformar desde la inicial palabra escrita, en un acontecimiento escénico trascendente.
El autor cristaliza un texto en el cual un apartamento de soltero será el ambiente para la ocurrencia de circunstancias sorpresivas, incesantes, una tras otra, llevando la trama por caminos inesperados, dramáticos por instantes y divertidos siempre.

Cuando el teatro ofrece un espectáculo absolutamente divertido por el código cómplice desarrollado y por los giros sorprendentes de las situaciones que hilvanado, cuando encuentra los intérpretes adecuados, esos que se saben deslizar con gracia por sus pasillos y entramados, cuando la representación crea un vínculo firme y fino que crea un puente entre las tablas y la platea, cuando su libreto cae en manos de un director de garra y conciencias, entonces el alto y noble objetivo del teatro, se ha vuelto a preservar.

Henssy Pichardo y José Roberto Díaz se lucen como actores veteranos en Nuestras Mujeres.

Acudir al estreno de Nuestras Mujeres, ganadora del título de Mejor Comedia del Año en Argentina el pasado año (interpretada entonces por Guillermo Francella, – protagonista de la aclamada película El Clan- Arturo Puig y Jorge Marrale) fue una experiencia plena y satisfactoria y que constituye una evidencia de la fuerza que habrá de tener el año teatral 2017.
La obra en la que, a pesar del título, no aparece una sola mujer ni un segundo, limitando su recuerdo a las referencias que de ellas hacen tres protagonistas, tiene un valor artístico que excede el éxito de taquilla que le precede.
En Chile, Argentina y Madrid lleva meses de funciones ininterrumpidas, presentándose a casa llena. En cambio, en el país, sólo apareció un fin de semana – el que estamos viviendo- para ofrecer cuatro funciones, de las cuales solo restan las de hoy, mañana sábado y el domingo.

Guillermo Francella, – protagonista de la aclamada película El Clan- Arturo Puig y Jorge Marrale, en su interpretación de Nuestras Mujeres, en Buenos Aires.

La pieza es una rica y alegre argamasa de humor inteligente, perfumado de los enfoques sobre valores, entre los cuales la calidad de la amistad entre hombres, la relación padres-hijos y la creación de una aceitada vinculación en las parejas, conforman un panorama de temas a ser cuestionados y sobre los cuales el autor sabe trazarlos de tal forma que generan espontánea la risa.
Nuestras Mujeres dirigida por Manuel Chapuseaux, con producción general de Dunia De Wint, es uno de los proyectos de teatro más formidablemente reflexivo envuelto en las agradables hojarascas del humor de la inteligencia.

Cartel de la comedia Nuestras Mujeres en Madrid

Chapuseaux vuelve a mostrar sus visiones de director que no se impone, pero orienta por los pasos necesarios para que cada quien caracterice al máximo. Con su equipo de talentos trabajaron casi cuatro meses en el montaje para finalmente lograr tan solo cuatro funciones que suman ocho horas en escena en la sala Ravelo, este fin de semana.
Los intérpretes
Si un factor pesa en favor de Nuestras Mujeres, además del texto dramatúrgico, tremendamente producido en la escala y con la perspectiva de situaciones sucesivas, es la actuación de los tres protagonistas.
Francis Cruz (Carlos), Henssy Pichardo (Manuel) y José Roberto Díaz (Simón), tienen la virtud interpretativa de tejer una firme plataforma histriónica muy inter-conectada, con manejo de voz y cuerpo, con expresiones.
Francis Cruz es sin duda el eje que carga con el peso de las acciones actorales, manejándose con una gracia que ha cultivado cada vez con mayor criterio. Cruz traza un trayecto ascendente de pisadas fuertes que le proyectan como una de las grandes marcas masculinas de la actuación criolla, tanto en cine como en teatro.
Henssy Pichardo demuestra el valor de sus tablas, pero sobresale cuando realiza un monólogo-andanada sobre el personaje de Cruz, en uno de los episodios inolvidables de la escena dominicana. El impacto es tal que la gente interrumpe con aplausos. Sencillamente magistral.
José Roberto Díaz, reivindica el personaje determinante para que cristaliza el mensaje fundamental: el valor de la amistad entre hombres y la comunicación sana en la familia.

Henssy Pichardo y Francis Cruz en una excelente instantánea de Luis Dantes Castillo, el fotógrafo oficial del buen teatro dominicano.

Solo tres funciones
Nuestras Mujeres solo estará en escena este viernes, sábado y domingo, tras su estreno anoche en Sala Ravelo. Las funciones inician a las 8:30 pm. Salvo la del domingo que da inicio a las 6:30. Los productores no lograron más fechas disponibles para la representación.
Sinopsis: Tres amigos de toda la vida, con sus peculiares procesos de familia y pareja, quedan de reunirse, como siempre, a jugar cartas en el apartamento de soltero de uno de ellos. El tercero llega tardísimo por una razón inesperada y pretendidamente trágica, que dará pie a sorpresas, eventos inusuales y confrontaciones de valores. La lealtad habrá de ponerse a prueba.
Ficha Técnica
Nuestras mujeres
Dirección: Manuel Chapuseaux
Producción: Dunia De Wint (DW Comunicación)
Escenografía: Miguel Ramírez
Vestuario: Lola Catedral
Mobiliario: Home Galery y La Nacional
Sonido: Carlos Chapuseaux
Diseño de Luces: ND
Asistente Dirección; Felicia Guzmán
Talentos: Francis Cruz (Carlos), Henssy Pichardo (Manuel) y José Roberto Díaz (Simón).

febrero 3, 2017 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Yeycy Donastorg debe ser Mujer del Año 2017

La doctora Yeycy Donastorg Cabral ha sido nominada, entre cantidad de gente dominicana valiosa, al título de Mujer del Año, que convoca Diario Libre, en su condición de precursora de la investigación de la vacuna contra el virus del VIH, desde la Unidad de Vacunas del Institutito Dermatológico y Cirugía de Piel Dr. Huberto Bogaert Díaz. Me gustaría votar por todas las candidatas, pero solo hay opción de un nombre. Creo que debe ser ella.

La doctora Donastorg es una médico investigadora y una madre soltera ejemplar que ha enfrentado y vencido todos los retos humanos, maternales y profesionales que la vida le ha planteado. Ella ha soportado tragedias familiares, afecciones de salud considerables en su entorno cercano, es una heroína de una dimensión tan formidable.
Esta mujer, adornada con una sonrisa que sólo Dios conoce la fortaleza de su fuerza de ánimo, tiene cualidades humanas y profesionales de una magnitud imposible de describir con la fuerza de unos párrafos escritos con la sincera voluntad de que la sociedad pueda reconocerla.
Dotada de una sólida formación académica, es una maestra formadora en los nuevos médicos (hoy estudiantes de varias universidades) de una conciencia social, Donastorg ha sido la responsable de que el país deje atrás su concepción de que los ensayos clínicos de vacunas contra el SIDA (que no deben ser llamados “experimentos”) dejen de ser llamados “conejillos de indias” debido a que ha sabido demostrar y poner en práctica los nuevos criterios científicos en los cuales estos otros héroes cotidianos, ofrecen lo que pueden (la prueba en sus organismos de las propuestas formulas clínicas inocuas – es decir no dañiñas-) para dar con grandes soluciones a afecciones de salud que cobran vida y salud de millares y millares de personas en todo el mundo y hacerlo en base al conocimiento exacto de las posibilidades de daños o efectos secundarios.

Aprecio mucho el valor de todas las demás candidatas al prestigioso título que auspicia el Diario Libre, en una de las acciones de responsabilidad social y justicia social, de ese importante medio de comunicación.
Mi voto es para Yeycy Donastorg Cabral, quien debía ser la Mujer del Año. Para votar ingrese a : http://hymdiariolibre.com/votar

febrero 2, 2017 por Jose Rafael Sosa Noticias Teatro Uncategorized 0

Ave Negra, teatro de exquisito y casi indefinible y sabor

CRITICA Y FOTOS DE JOSE RAFAEL SOSA
El teatro es, ha sido, y siempre será un abanico de infinitas alternativas e innumerables maneras de disfrutarlo y concebirlo.
Habrá de seguir siendo un Universo que abre espacio a todas las actitudes, desde aquellas que procuran impactar desde sensibilidad que pende de los gustos, hasta únicamente los resultados de boletería.

Laura Lebrón, es Una.

T&M Proa Teatro nació en 2009 de la pasión de dos hombres de la escena, buscando crear una trayectoria propia, con un estilo que respetara el quehacer escénico, que premiara al público con proyectos de noble exigencia y que dejaran su huella en el entablado.
Teo Terrero y Mario Lebrón expresaban de esta forma la consistente relación que cultivaron desde años juveniles. Era el tiempo de proyecto propio.
Rompieron fuente en 2009 con El Método Gronholm, del dramaturgo barcelonés Jordi Galcerán, entente de competitivos trazos psicológicos que jugaba con las apetencias de ocupar un cargo corporativo importante. Una recordable actuación coral de José Roberto Díaz, Amauris Pérez, Giamilka Román y Ernesto Báez.
El paso de Proa afirmó el sentido buscado en 2015 con La venus de las pieles” en Sala Ravelo con Josué Guerrero y Laura Lebrón, oportunidad en que el teatro fue estreno verdadero para el inicio real de una carrera, la de Laura. Era claro que un tesoro se comenzaba a concretar, ese que comportaba el talento de una profesional con sentido de que carrera.

Francis Cruz, es Ray

Ave Negra
Teatro desgarrante, maldito y de autor, es el tipo de piezas que puede marcar tanto la vida de sus intérpretes y el gusto del público por la traumática relación entre un adulto y una menor de edad, lo cual genera marcadas tonalidades emotivas que plantean desafío para cualquier pareja de actores por la cuidadosa entrega y la exigencia que plantea a la construcción de sus personajes.
Laura Lebrón ofrece un concierto interpretativo en el brillan su gestualidad natural y precisa, los requiebros de su voz en el que destaca su identificación con el traumatizado personaje, por cuya memoria y cuerpo, hicieron raíz los tormentosos momentos de utilitarismo erótico de que fue la víctima, tal cual ocurre con tantas mujeres, y no solo en el teatro.
Con una entrega actoral fresca, limpia y sacada desde lo más profundo de sí misma, Lebrón, ya no depende ni de apellidos ni de las indulgencias por su juventud ante los arrebatos que con gracia le podría dispensar la crítica. Quién está allí es una mujer que sabe con certeza el tamaño de la responsabilidad aceptada ante un tema tan actual y tan decididamente disimulado socialmente, a pesar de la trascendencia que mediáticamente ha adquirido la violencia sexual. Sus lágrimas no son el producto de ningún retruécano técnico para impresionar.

El elenco y los productores.

De Francis Cruz, a quien vimos por vez primera en julio 1998, cuando, en esta misma Sala Ravelo, con la dirección de Germana Quintana , hizo de Lorenzo en Vamos a contar mentiras, comedia del inolvidable Alfonso Paso, podemos decir ahora, casi lo mismo que escribimos entonces: “ Cuando se siente el talento, brillan un millón de estrellas a plena luz del día, y las aguas de los océanos se hacen mansas”, para entonces un tanto exagerado, pero a la cual su dedicación y desempeño, le hacen ahora merecedor de tan idealista criterio. (Vamos a contar mentiras…y verdades, El Nacional, sección Que Pasa).
Cruz, quien debe su carrera a la maestra domínico/venezolana, se inició en 1994 montando luces y conectando cables para el Teatro del Club Arroyo Hondo (al cual no se le ha hecho nunca el homenaje que merece por su labor de formador de talentos escénicos), tuvo su primera actuación 1997 cuando hizo un papel la comedia Monja o detective, para desarrollar una extendida carrera que tiene, antes de este papel para Proa Teatro.
Inolvidable el cuidado con que construyó su personaje Pep, en Toc-Toc, hilarante comedia sobre los curiosos Trastornos Obsesivos Compulsivos de seis personajes (el cubanoOrestes Amador (Camilo), Gianni Paulino (Blanca), Exmin Carvajal (Fred), Patricia Muñoz (María) y la argento-dominicana Lorena Oliva (Lili), escrita por el francés el francés Laurent y dirigida aquí por la misma Quintana de siempre, uno de los logros de producción más atinados de Atrévete, de Gianni Paulino. En el marco de una actuación coral a seis figuras, Cruz supo establecer un sello de impecabilidad con que nos hizo reír a carcajadas tanto en la Ravelo como en el auditorium del Domínico-americano, a donde acudimos a seguir su rastro.

Francis Cruz alcanza con el rol de Ray, el punto más alto de su carrera como actor y uno de los roles masculinos más significativos del teatro en 2006.

Francis Cruz alcanza con el rol de Ray, el punto más alto de su carrera como actor y uno de los roles masculinos más significativos del teatro en 2006. Centrado en su papel de hombre abusador inveterado frente a quien era una menor cuando los hechos ocurrieron, logra transmitir el sentido de culpa por su irresponsable arrebato y el abandono quien le entregó sin reservas lo mejor que podía darle.

Laura Lebrón ofrece un concierto interpretativo en el brillan su gestualidad natural y precisa, los requiebros de su voz en el que destaca su identificación con el traumatizado personaje.

Sinopsis:
A muchos años de los traumáticos hechos, Una para entonces era una menor de edad, se encuentra con Ray, el hombre maduro su abusador sexual y quien no apreció la entrega de su víctima. Descarga y culpas en un episodio emocionalmente intenso.
Ficha técnica:
Autor: David Harrower,
Dirección artística: Mario Lebrón
Asistente director: Nancy Espínola
Productor general: Teo Terrero
Elenco: Laura Lebrón (Una); Francis Cruz (Ray) y Avril Renée Lazala Guerrero
Escenografía: José Miura
Regiduría de Escena: Dolly Martínez
Realización de Utilería: José Enrique Rodríguez
Iluminación: Lilyana Díaz
Traducción Eduardo Villanueva

noviembre 27, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Je, je, je, reír y reír cuando no han muerto los actores

TEXTOS Y FOTOS JOSE RAFAEL SOSA.
El final del año ha conspirado bondadosa y sorpresivamente para que se pudiera disfrutar de del mejor teatro producido en República Dominicana en este período.
Los atisbos de teatro conceptual consistente se iniciaron con El Último Instante (Franklin Domínguez/Guillermo Cordero, Director/Carlota Carretero) y ha continuado con La Vida es Sueño (Calderón de la Barca/Teatro Guloya/Claudio Rivera); El diario de Ana Frank (Ana Frank/Antonio Melenciano); Ave Negra David Harrower/ Mario Lebrón/Proa Teatro) y ahora con Je, je, je cuando la risa es poesía, que se monta para reiterar una muestra el múltiple talento artístico y docente de Haffe Serulle, creador de una escuela teatral, superior tanto a un estilo personal escritural o de dirección personal como a una corriente escénica alternativa.
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De lo que se trata cuando se enfoca el trabajo de Serulle, más allá de una crónica que evalúa una entrega más de su alucinante estilo, sino de enfocarlo en cuanto representa un factor diferenciable del teatro local de cara al movimiento de la escena en América Latina.
Se hace necesario ubicar este trabajo en un marco más amplio, menos isleño y de perspectivas que conjuguen, al juzgar una trayectoria de la cual es Je, je, je cuando la risa es poesía, el empeño escénico más reciente, el acto de justicia al apreciarlo y la caída de todos las ventas que han limitado el reconocimiento pleno de un trabajo
Serulle es un buscador de formas expresivas y en su labor se ha hecho acompañar de una serie de talentos jóvenes, de aquellos capaces de comprometerse con la ruta difícil, la que no es tan mercadeable como otras, oportunamente encontrado en la ruta del docente teatral que procura afirmar el futuro de sus prendas de aula.

Serulle hace tiempo que apostó por la validez de un teatro al que no importan las grandes masas haciendo filas en la boletería, anhelantes de la risa fácil o el sensacionalismo escénico en la cual actuar obedece a pautas pre-establecidas.
Lo que hizo Serulle, desde todos sus proyectos, fue demandar y lograr de sus actores y actrices un desempeño histriónico superior, agotador, elevado hasta el extremo de las fuerzas internas, las que piden una organicidad que se cruza roles con habilidades del circo, la acrobacia, y textualmente perfumadas de comedia negra, sarcasmos y un marcado acento creativo sobre todo en escenografía, vestuario e iluminación.
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Cuando muere el actor
Agotando un ángulo de “teatro en el teatro”, el director nos lleva a las honduras existenciales de la reacción humana ante la muerte y en particular cuando quien fallece es el intérprete, justo antes de comenzar su actuación, a lo que agregan la egoísta apetencia por el dinero y la permanencia del valor de lo poético en medio del caos, factor este último que es una constante en lo “Haffafiano”.
El texto, aspecto en el cual se hace poco énfasis al evaluarlo, es literatura cultivada con un enorme sentido poético y documental, reflexión sobre las densas dimensiones que pupulan cuando es la muerte la que toca a las puertas.
Actoralmente, el discurso de acciones actorales abre un mundo de acciones impresionistas que captan atención y coloca en vilo total a espectadores ante el dinamismo visual, el cambio de las masas de utilería mayor, en las 69 posiciones distintas en que son colocados añaden seis cuerpos, conformando una masa escenográfica fascinante y lúdica.
Resaltan el perfeccionamiento de la capacidad de interpretación actoral que ha sustituido el grito por la interjección gutural adecua mente modulada, sostenida la risa en matices que desgranan un texto cuidado y provocador.
Haffe, que deja ahora los vestuarios reciclados de múltiple uso para dar oportunidad a que disfrutemos de una Gromcim Domínguez, quien deja ver su arte en las prendas de estos seis personajes, acertados y adecuados a la visión del espectáculo, que excede la noción seca y simple de montaje teatral.
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FICHA TECNICA
Je,je,je cuando la risa es poesía
Producción General: Otro Teatro
Dramaturgia y dirección: Haffe Serulle
Productor ejecutivo: Santiago Vásquez
Vestuario: Gromcim Domínguez
Diseño escenográfico y línea gráfica: Lalí Guzmán
Maquillaje Taina MakeUp
Relaciones públicas: Nodalia Arias
Elenco: Karina Valdez (La productora), Stuart Ortiz (El poeta), Camilo Landestoy (El Joven), Yariris Báez (La boletera),. Johanna González (La pelo blanco), Robelitza Pérez (La bella mulata)
Sinopsis:
La supuesta muerte de dos actores que trabajan en el espectáculo de amplio repertorio, pone en vilo al público. La productora se vale de mil triquiñuelas para entretener a los asistentes, que se comienzan a inquietar. La risa asoma a la atmósfera teatral.

noviembre 19, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

El diario de Ana Frank: nobleza del teatro

El teatro es un largo viaje, a veces indefinible en sus meandros, sorprendentes, ya geniales o veleidosos, o puede ser, como al efecto ha sido, monstruo insaciable que demanda cada vez más de esperanzas y esfuerzos, o. también puede tornarse en un campo fértil en el que vuele la imaginación, a partir de talentos y recursos acertadamente seleccionados.
En oportunidades, como ahora, hace de las suyas, y entrega experiencias que dejan al público sembrado en los asientos, tras el discurso del parlamento, tras la música y la luz, luego que las cortinas han cubierto la impecable escenografía.
Uno de los acontecimientos sorpresa que nos reserva el teatro, es El Diario de Ana Frank, una presentación histriónicamente multigeneracional, que concentra talentos conocidos y aplaudidos y figuras juveniles, desconocidas hasta el momento presente.
principal Hay que confesar que al ver la pieza, nos resultó nostálgico y referente el quehacer teatral de los años 80´s que hacían, en esta misma sala dos directores (uno de los cuales ha dado nombre a este espacio): Máximo Avilés Blonda y Rafael Villalona. Fue un fresco recuerdo.

El montaje producido y dirigido por Antonio Melenciano supone, en primer término, la entrega estética más elevada que ha aportado a la escena dominicana, debido a la densidad del tema y a los recursos que despliega y que se concretan en un elenco que aceptó la responsabilidad, una acertada selección de quienes fueron responsables de la dirección de arte y recreación de época, la escenografía de multiniveles y la iluminación.
La experiencia de El diario de Ana Frank es un precedente en el teatro criollo que revela la valentía de un hombre y el arrojo de un grupo de artistas.
Gloria Brown
Una señora judía, superviviente del Holocausto, acompañó todo el proceso de montaje asesorando en ciertos detalles.
Gloria Brown fue presentada al final del montaje por Antonio Melenciano, y utilizó los minutos de su alocución al público para solicitar que nunca más se repita en la humanidad, un episodio de matanza colectiva, motivada en el racismo, como la de los nazis de la Alemania supremamente Aria.
Está presentándose en el Palacio de Bellas Artes.

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noviembre 4, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Judith Almonte y Fifi Almonte ponen sello de calidad A 2.50 Cuba Libre

Asistimos a la que se planteaba como la última función de temporada de la pieza teatral hiperrealista A 250 el Cuba Libre, escrita por el dramaturgo venezolano Ibraim Guerra, la pieza de esa nacionalidad más representada fuera de Venezuela, en cuyo montaje hemos encontrado novedades.

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Las actrices dominicanas Judith Rodríguez (Eneida, alias La Sabrosa ) y Fifi Almonte (La Enredada) , dos de las cuatro mujeres que trabajan en un prostíbulo, explotadas por una quinta, Doris Josefina, alias La Caimana (Olga Bucarelli), dando visibilidad a dar una sub-cultura de explotación sexual, opresión social, violencia psicológica, física y social y levantando el clamor existencial ante una vida tan triste como la vivida por las llamadas “mujeres de vida alegre”.

Judith Rodríguez y Fifi Almonte ingresaron al elenco en sustitución de Lumy Lizardo y Liz Soto, estableciendo su marca en escena, en tanto que Fausto Rojas es director del montaje que estrenó Johnnié Mercedes.

El elenco anterior de a 250 el Cuba Libre

A Olga Bucarelli, Yorlla Castillo, Hony Estrella ya las habíamos disfrutado en el montaje inicial de Mercedes, pese a que se nota ahora una renovación, una vida adicional de estos sórdidos personajes, a pesar de que sus historias, dolientes y dramáticas, están matizadas por el coloquial tiempo del humor, aderezado con las “malas palabras” y los insultos agresivos de ese sub-mundo.
Judith Rodríguez muestra su valor y desenfado al hacer un personaje que introduce al público en las miserias y angustias, canalizadas con un excesivo discurso, agreste y popular, que la gente disfruta, con el único peligro de no percibir que se encuentra ante un texto social de poderosa denuncia.

Lumy Lizardo

Judith Rodríguez Yajaira, alias La Enrollada.es fresca, atrevida, contestataria, advertida de las reacciones del instante del público, para aprovechar improvisando con efectiva rapidez, expresiones que generan hilaridad y reflexión.

Fifi Almonte, que acaba de despojarse de la peluca de la Lupe, en un monólogo en el cual mostró valías escénicas recordables, recrea a una Lourdes Coromoto, alias La Güevona, víctima de una sociedad que sub-valora e invisibiliza a estas mujeres, canal de desahogo sexual de reprimidos y represores hombres capaces de mal pagar por servicios sexuales.

El elenco actual de A 250 el Cuba Libre

Drama real
De las otras intérpretes, Hony Estrella, se nos lleva las palmas por su capacidad dramática de la alcohólica Carmen Alicia, alias, Blanca Rosa, escapando del esquema del humor amargo, para dar una nota de denso entramado que dibuja un lúgubre y pesaroso ambiente, jugando entre verdades y mentiras. Estrella vuelve a justificar todo lo bueno que de ella se pueda decir.
Aguas arriba, la Bucarelli deja sentir el imperio de la experiencia. Manejo de voz, desplazamientos rápidos que dejan sentir su postura de mando, sus expresiones a voz en cuello, pronunciadas a distancia, todo apunta a que es la veteranía disfrutada, la que tiene el turno en escena.
Yorlla Castillo (Lourdes Coromoto, alias La Güevona) sigue siendo ejemplo de superación profesional. Decidió trascender desde cuando era recepcionista de la Dirección de la Feria del Libro, mientras estudiaba a fondo actuación, se integraba a la Compañía Nacional de Teatro para ser hoy uno de los talentos que muestra consistencia y calidad. Ahora logra convencer.
Habrá otras funciones
A 2.50 el Cuba Libre, pese a que oficialmente cerraba su temporada el pasado domingo 30 de octubre, abrirá otras fechas para el público que no la ha visto y que así lo ha pedido, dijo Juancito Rodríguez, productor del montaje.
“Volveremos al Bar del Teatro Nacional, debido a que es mucha la gente que nos pide reponer esta pieza venezolana de hiper-realismo teatral, escrita de Ibraim Guerra y que es la obra más representada de la Patria de Bolívar” afirma.
LIBRETO DE A 250 EL CUBA LIBRE

octubre 31, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Guloya eleva con tono caribeño al Calderón y sus sueños de vida

Cierto que ya Claudio y Viena, no son la joven pareja enamorada de si misma y su pasión esencial y que , llegados de Cuba nos hicieron un alto a la atención por la meticulosa gesticulación de un desempeño escénico que clamó por la atención de todos. Han pasado, inexorables y enriquecedores, los años.

También es cierto que ambos han demostrado esa virtuosa capacidad de hacer de sueños, realidades palpables, tanto como haber completado 25 años de representaciones y hacerlo con un clásico complejo, barroco y demandante, a la cual imprimir el colorido acento de caribe: La vida es sueño, de un tal Pedro Calderón la Barca, transformado en un clásico continuador de la dramaturgia de Lope de Vega.

Cierto que ya no son dos muchachos y que ahora tienen responsabilidades mayores, una familia que les ha tomado el tono del arte, un proyecto, el mismísimo Teatro Guloya como expresión una actitud de desafío al desaliento y la rutina en lo teatral, y cierto que decidieron festejarlo con el mayor de sus desafíos: el montaje de un clásico que enseñorea la existencia, saca el filo necesario a su planteamiento existencial sobre la libertad como opción fundamental de la humanidad y del ser.

Acertada la adaptación de La Vida es Sueño, de Teatro Guloya de una pieza exigente, estrenada inicialmente en el verano de estrenada en 1635. Es teatro barroco.
El montaje
La vida es sueño, de entrada, es uno de los más elevados proyectos teatrales del 2016. Sin duda alguna.

Claudio Rivera debió haberse tomado su tiempo tras la decisión de conmemorar 25 años de teatro, con un montaje trascendente, quien hizo la selección adecuada de los talentos. Segismundo (Vic Contreras), personaje principal, y que muestra un proceso de evolución desde un alma reprimida y reflexiva, condicionada por su prisión en la torre, en procura de venganza pero piadoso cuando debe serlo. Contreras es un diamante en proceso de pulimiento escénico, al cargar con el peso de las directrices argumentales.

Astolfo/Alí Baba (Jahnel Calizan) otro nuevo valor (para nosotros) que evidencia entrega y gracia. Su verbalización y su lenguaje facial se ganan el público, además del aditamento de sus brazos adicionales operados con el protocolo marionetero de vista al público.
Clotaldo (Ramón Candelario), Lacayo de Basilio. Representante de la superstición, es el único, aparte del rey, que puede ver a Segismundo, es uno de los puntos de luminosidad escénica ineludibles del trabajo de montaje y caracterización.

Rosaura y Astrea (Viena González), principal personaje femenino, une fuerzas con Segismundo para impedir que Astolfo se convierta en rey y así evitar que se case con Estrella. Es el personaje exacto para el talento preciso. Efectiva y lúcida, Viena da sentido al Teatro.
Basilio (Claudio Rivera): Rey de Polonia, incapaz para los dones de gobierno y padre de Segismundo, de carácter dubitativo. Una lección de teatro acometido con sentido de drama gracia, rítmico, acompasado en las coreografías, de sentada presencia por el paso y la caracterización.
Estrella: (Yerlin Guzmán). Nueva promesa del teatro seriamente asumido y no por bella sino por el rendimiento que alcanza, la ductilidad del expresivo corporal y su integración al conjunto.
Clarín (Noel Ventura): Compañero de Rosaura. Diseñado por el dramaturgo original de una gracia e ingenio de contagiante empatía, logra con ese muchacho de 121 libras, un altísimo peso histriónico, mayor incluso que el de algunos figuras cómicas televisivas de alto “rattings”.
Algunos directores de cine deberían acercarse a Teatro Guloya (si extienden las funciones ya que la última era este domingo 30 de octubre), si desean encontrarse con caras y talentos nuevos para proyectos futuros.

Ficha Técnica:

La vida es Sueño
Producción General: Teatro Guloya
Dirección: Claudio Rivera
Producción Ejecutiva: Viena González
Dramaturgia: Pedro Calderón de la Barca
Espacio Escénico: José Miura
Vestuario y utilería: Lenín Paulino
Realización vestuario: Vera Bertuzzi y Sephanie Gautreaux
Títeres e iluminación: Ernesto López
Arreglos musicales: Vic Calderón
Talentos: Clarín (Noel Ventura), Estrella: (Yerlin Guzmán), Basilio (Claudio Rivera), Rosaura y Astrea (Viena González), Astolfo/Alí Baba (Jahnel Calizan) y Segismundo (Vic Contreras).

octubre 30, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Jackeline Estrella con su Lupe eleva buenamente su talento

Hacer un teatro de calidad, despojado de las herencias de lo previsible, alejándose del facilismo escénico, arriesgando la faja y afrontando una empresa artística compleja, fue el desafío que enfrento esta mujer, cuya carrera había estado mucho más cerca de la televisión que del teatro biográfico, con excepción hecha de su montaje sobre María Montes, que vimos en Sala de la Cultura (hoy Aida Bonelly de Díaz).

Jackeline Estrella entregó en el Palacio de Bellas Artes, con la presentación de La Lupe, conversión de una Diva, la que parece ser su mejor producción, y para cuyo montaje – a diferencia de lo que se acostumbra en los proyectos comerciales para la escena- tomó algunos años de investigación, ensayos para dominio de la voz, de control de la gestualidad de esta artista cubana, con una vida digna de ser llevada, además del teatro, al cine.
Provoca mucha alegría que la Estrella haya decidido montar un trabajo conceptual, alejado del facilismo del “gag” televisivo, un quehacer demandante y absorbente.

Jackeline Estrella logra una buena actuación.

La mujer que se entrega allí, en las tablas, al mundo de ficciones y realidades mezcladas, hace un papel digno, a pesar de que acusa algunas discontinuidades y trazos que se sueltan (sobre todo cuando tiene que doblar canciones), pero evidencia una entrega a la labor de tomar la piel de un ser y un talento excepcionales.
Estrella muestra que puede ser muy buena en teatro de concepto y que está en capacidad de incrementar su vertiente expresiva de una actriz, pese a algunas sincronías en el montaje
Johnnié Mercedes sale airoso en la tarea como director que debió re-educara una artista que le llega condicionada por sus estándares de actuación masiva.
Jackeline Estrella escribe el libreto tras una labor de seguimiento a la vida de la diva cubana, y logra líneas verdaderamente brillantes.
El homenaje a La Yiyiyi, la legendaria cantante cubana fallecida en el 1992, ofrece una vida que planteaba, para poder ser representada, una reconversión escénica que tenía exigencias consistentes a la cual había que echar mano mediante fuera fuerte, agresiva, descarada, alegre, dramática, teatral. La misión era representar eso en escena.

La Lupe
Nació un 23 de diciembre del 1936 en San Pedrito un pequeño pueblo ubicado en las afueras de Santiago de Cuba y murió el 29 de febrero del 1992 en la ciudad de New york.
Lupe había crecido fascinada con la espectacularidad de Olga Guillot, Edit Piaf y Lola Flores, a quienes imitaba. Cuando la vida le dio la oportunidad, se lanzó a los escenarios, con tanta pasión y desparpajo que comenzó a crecer su fama, como una cantante fuera de lo común que hipnotizaba al público; su éxito fue tan abrumador que Fidel Castro le exigió que saliera de Cuba.

Fuera de su país recorrió muchos puertos, asentándose en New York en donde desarrolló su carrera artística.
No fue casualidad que en la gran urbe también le sonriera el éxito. Muchos cuentan que ella se quitaba los zapatos, golpeaba a los músicos, se quitaba la ropa, la peluca, los accesorios y gritaba de forma violenta o sensual.
La fama la llevó a niveles inimaginables, gastaba mucho dinero en la compra de una mansión, lujosos carros, exquisitas joyas, costosas y extravagantes actividades de la santería, los vicios y las malas compañías, los mismos que tiempo después fueron mermando su reputación y su fortuna hasta quedar en la total miseria.
A todo esto se suma la quema de su apartamento y su invalidez por una caída, calamidades que la condujeron a buscar de Dios, y en un culto de adoración encontró la salud física y del alma, iniciando a partir de ahí una nueva vida llena de bendiciones y de testimonios.

septiembre 25, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Mi ex lo hace mejor, cuando hay risas sobre un drama de fondo

Franklin Domínguez es el monumento teatral viviente merecedor del mayor respeto por su extendida comprometida carrera con lo escénico, sea que sea el autor de una obra teatral antitrujillista, con unas Espigas Maduras, presentadas en 1957 en plena Era de Trujillo, o el mismo que es capaz de escribir y actuar en una comedia de notable compromiso social, cuando dio la orden de búsqueda de un nombre honesto (en 1963), cuando Juan Bosch era la muestra de que esa personalidad era posible.
Domínguez transpira teatro en todas sus formas, vive por las tablas y estas se reivindican en él, tal cual ocurre ahora que toma el texto dramatúrgico de Carlos Vega Abreu, (nacido en Isabela) con el que provoca un festín de risas incesantes en la sala Máximo Avilés Blonda, del Palacio de Bellas Artes, como producción de Jenmarip, de los periodistas Pedro Jiménez y Anaibelca Rosario.

La comedia, que se regodea en un chispeante doble sentido, y bajo el título muy dominicano de Mi Ex lo hace mejor, (que no es el original) comedia oportuna cura para escapar, por el camino de la risa incesante, a las terribles noticias de estos días.

En realidad lo que ofrece es un tema dramático, a pesar de su tono de chiste la obra teatral toca un tema tan real como sensible: el hastío conyugal de las parejas, -status que invariablemente y silenciosamente afecta a la mayor parte de las parejas, aun cuando nadie lo reivindique. Ese es su valor y ése su mensaje.
Phillip Rodríguez, Hony Estella, Iván Camilo y Evelyna Rodríguez, lograr desempeñar sus papeles con soltura y profesionalidad, dando matices precisos, produciendo un resultado que se gana al público por la gracia de sus giros interpretativos. Evelyna tiene una página web que es un modelo para mucha gente del medio.

Phillip Rodríguez se ve con la oportunidad de mostrar más detalladamente sus condiciones, ahora alejado de los breves segmentos de humor televisivos.
Hony Estrella se sabe en situación de mostrar su instrumental para la comicidad e Iván Camilo, se hace acreedor de un reconocimiento por su excelente rol secundario.
Iván Camilo nos premia con una actuación teatral en la que se adapta perfectamente al resto del elenco, tiene gracia y efectividad. Debería estar con más frecuencia en el teatro.
Evelyna Rodríguez nos resultó una sorpresa más allá de lo agradable. Ella es una artista que evidencia su deseo de crear una marca de respeto en la actuación, alternativa profesional que junto con la comunicación, conforma su oferta más impactante. Ella hace en este montaje hace una evangélica sorprendente y es la que logra ganarse el favor de la gente debido al impacto de su personaje, sus parlamentos sorpresivamente irreverentes y el sub-tema de la autenticidad de la fe, tan frecuentemente obviado cuando de evangelismos se trata.

El mensaje
Mi ex- lo hace mejor en realidad de un llamado a revisar la dinámica de las parejas, invariablemente marcadas – luego de cierto tiempo- por el hastío y cansancio conyugal, elemento que se aprovecha histriónicamente al máximo, con este montaje de situaciones duales, auto-denuncia marital y rejuegos de realidades.
Mi Ex lo hace mejor se ocupa, en tema de broma e hilaridad, de enfocar una realidad que genera tanta tensión, incomprensión y pasiones torcidas, como es el asesino del amor: los celos, sobre todo cuando se enfocan en retrospectiva.
La pieza de humor, vista en proyección, puede considerarse como un rayo de esperanza para una tragedia de muchos: ese declive pasional que, casi invariablemente, afecta a todas las parejas.
Ficha técnica
Mi ex lo hace mejor
Director: Franklin Domínguez
Asistente dirección: Canek Denis
Autor: Carlos Vega Abreu (Puerto Rico)
Producción general: Pedro Jiménez y Anaibelca Rosario
Escenografía: Gutiérrez Rodio Workshop
Luces: Roberto de León
Maquillaje: Patricia Lantigua
Elenco: Hony Estrella (Yoli); Phillip Rodríguez (Jimmy); Iván Camilo (Rafa) y Evelyna Rodríguez (Lorena).

septiembre 18, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

El último instante, teatro exquisito y señal de un gran retorno

¿Se merecerá el país, el teatro exquisito que ha vivido en los años recientes? Frente a la barahúnda de desgracias y carencias, hay un área humana, afortunadamente artística, que recompensa esta nación con la bondad de trayectorias y valores por la calidad y condiciones de excelencia del teatro que estamos viviendo.
Cuando no hemos salido del estremecimiento de Juicio a una Perra, con una Helena de Troya, revivida por la Elvira Taveras, sube a un escenario simbólico impecable y oloroso de un estilo fresco y nuevo en escenografía, Noemi, la loca, borracha, drogadicta y destemplada mujer, para que el teatro vuelva a hacer de las suyas, haciéndonos vivir la carga intensa de El Último Instante.
En la interpretación del texto dramático de Franklin Domínguez, Carretero logra una de las transformaciones más radicales y significativas que hemos visto en los últimos años. Una fiesta del teatro criollo de vocación internacional.

La actuación
La artista, bajo la novedad de una dirección de Guillermo Cordero, logra ese aliento mágico que comportan la sorpresa, el entrenamiento y la genialidad interpretativa. Lo que logra representar no es un personaje dramático más. Lo que logra es un giro que reafirma la fuerza de su carrera y que nadie, en su sano juicio teatral, debía perderse, en la Sala Ravelo este fin de semana y el siguiente.
El flujo interpretativo de esta mujer, su capacidad corporal de transmisión de contenidos, en tono y los giros dela voz, la expresión tan significativamente lograda (y que hace notable distancia de la belleza física de la artista) hacen de esta actuación una referencia a ser vista, disfrutada y reinvindicada como un hito del arte nacional de la escena.
Elementos técnicos embriagan. La escenografía de Yeimy Díaz, para nosotros un nombre nuevo que impregna frescura y creatividad precisa, trabajando sobre el concepto de Cordero) y el diseño de luces, que produce en personajes que se sienten y actúan a partir de la imaginación del público y la impronta del creativo Bienvenido Miranda, La Carlota Carretero, exigente en la aceptación de papeles, no tuvo duda en aceptar el reto de la transformación. La estética visual resultante es un gesto para la historia del teatro hecho en el lar nativo.

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El concepto
El libreto del maestro Franklin Domínguez rompe del marco temporal en que se produjo, el asfixiante clima de opresión del trujillismo, para producir – a nuestro juicio- una de las más importantes piezas feministas más representativas de la dramaturgia nacional, texto que además supera su circunstancialidad porque resultó premonitorio de la dolorosa segunda intervención norteamericana de 1965. El autor apuntó hacia una sociedad que no discriminara con prejuicios y tabúes a las mujeres. Premonición y la capacidad del concepto, danzando al mismo tiempo.

El gran retorno
Guillermo Cordero logra un retorno de gloria con El Último Instante, un regreso al calor del afán creativo, con un emotivo aplauso extendido y sincero, de un público, incluyendo decenas de artistas, directores y productores teatrales. Las funciones al público inician hoy viernes.
Cuando la pieza finaliza con uno de los finales más sorprendentes que hemos visto, y llega el protocolo de la presentación del director, las palabras de agradecimiento se quiebran al indicar que han pasado siete años sin sentir ese aplauso del público.
Para rematar, Franklin Domínguez, invitado especial en tanto autor de la pieza, también sube. Besos emotivos de verdad, aplausos, llanto contenido de artistas y espectadores.

septiembre 2, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 1

Bianto y su Señor, magia del expresionismo corporal en Teatro Haffiano

Haffe Serulle, teatralmente, no deja a nadie indiferente. Y nunca deja de sorprender.
Su labor de 15 años como maestro formador de talentos es brillante y rompedora de los hitos tradicionales de la docencia especializada, su papel como director escénico es desafiante, su capacidad como narrador y poeta de una textualidad de un sello radical. Es un artista, valorado de muchas formas, variadas en sus tonos, incluyendo a quienes le objetas, pero que nunca llegan al extremo de renegar de sus atributos como aportador al nuevo escenario dominicano.
Han pasado 45 años desde que se montó la versión original se montó en abril de 1970 en el auditorio de Politécnico Femenino Nuestra Señora de las Mercedes, en Santiago. La nueva llega ahora enriquecida por la trayectoria escénica creativa de un artista que ha delineado un estilo y enmarcado un espacio teatral único.

Fotos: José Rafael Sosa

Bianto y su Señor, pieza que escribió a los 20 años en España y con la cual demostró en el teatro Corral de Comedias de Almagro, en 1969, en España, se presenta ahora en Bellas Artes, a partir de un texto revisado por Margaret Sosa y con una puesta escénica renovada, y que ofrece una expresionista experiencia de teatro corporal/acrobático que ha fomentado este director, apoyado en el notable esfuerzo personal de sus protagonistas, el maestro de escuela y actor Javier Suero (Boroto) Layatac Javier (Bianto).

La pieza ofrece dos magníficos campos de análisis: por un lado el texto, que entrecruza los temas del poder, la autoridad, la inocencia, la tiranía y lo crucial del proceso creador del arte literario, de una parte, y la actuación marcadamente física y e intrincadamente vocal de sus intérpretes.
El hecho escrito introduce al espectador a un panorama que reflexiona sobre el vínculo humano con el poder y el acto creador, tema que va desgajando a trazos firmes cual si fuera hendido por un estilete que aprecia las esencias más profundas, aladas en el puente de las figuras poéticas del paralelismo que crea el autor. Rico en enjundio textual, con belleza formal que le distingue.

La actuación sigue la trayectoria de entrega física extrema, de ritmo propio. Javier Suero (Boroto) y Layatac Javier (Bianto), pasan a un primer plano del escenario teatral dominicano, en la continuación de un teatro Haffeano, que ha definido sus valores, que no concilia con el facilismo comercial, al que no importa no contar con un programa de mano cargado de patrocinadores. Precios por pagar o ineficacia de mercadeo/mercenazgo frente a una obra artística hacia la cual hay que mirar por su valor precursor.
Un teatro basado en la actuación vocal y corporal y en que no resultan necesarios ni los complejos diseños de luces ni efectos especiales. Sigue la línea de la utilería simple, en este caso papel que adquiere una expresividad altamente impresionista, sobre todo cuando, al ser movilizada, adquiere la categoría y la forma de un nuevo personaje.
Hay en Bianto y su Señor el disfrute de un espectáculo teatral de firmes raíces para la sensibilidad y la percepción. Sus funciones restantes en Bellas Artes, deben ser objeto de atención de quienes gustan del teatro bien hecho y de quienes estudian esta carrera tan fascinante como necesitadas de nuevas referencias.

agosto 26, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Juicio a una zorra equivocada : Helena de Troya

Vuelve el Teatro, de nuevo y con fuerza sorprendente, a ejecutar su obligado viaje de emociones, acontecimientos, ficciones y existencias.
Retorna ese teatro auténtico y difícil de manipular, esta vez a la Sala Ravelo que sigue siendo digno escenario, amigable, cómplice e intimista, a iniciativa de un Juancito Rodríguez que supo de este montaje comercialmente cargado de riesgos y premiado por sus características estéticas y de mensaje.

Imagen cortesía del director y actor Luis Dantes Castillo.

Viene de nuevo ese teatro, ahora con las riendas tomadas por un joven director (que es una realidad y no promesa de nada ni de nadie), a transitar por la misma senda de quereres y esperanzas, del talento en sus variadas formas de expresión para ser vía y marco de vidas imaginadas o perdidas, encontradas o reconstruidas con nuevas maneras de ver lo que siempre fue tenido como versión oficial e irrefutable.
Vuelve el Teatro, con Elvira, la única al punto de que su apellido resulta accesorio, a subvertir versiones y creencias, tomado de la mano de quienes abrazaron este quehacer escénico, en una actitud de vida que convoca personajes reales, mitológicos, imaginados y, simplemente inexistentes, en toda dimensión.
Juicio a una Zorra, monólogo del director, actor, productos y libretista español Miguel del Arco, tiene sobre sus signos, el germen de la subversión contra las versiones tradicionalmente conocidas y que ubican a esta mujer en perspectiva de mujer de muchas camas, de entrega fácil a los placeres de la carne y proclive a la traición de su patria. Es uno de esos montajes a los que nadie, en condiciones de hacerlo, debería obviar este encuentro de arte de primer nivel sobre un entablado que desafía con la convocatoria. La crítica al montaje en Madrid, debe ser leída.
Del Arco produce ficción sobre ficción, con teclado de una óptica marcadamente femenina, la historia de estos hechos de la mitología desde perspectiva de esta mujer, que para ser mejor disfrutada requiere de conocer el universo fascinante de personajes del pasado heleno/romano. Parte de la tragedia escrita por Eurípides, Helena de Troya, montaje original pendiente en los escenarios dominicanos.

Representación de época de la imaginada Helena de Troya. DR/Wikipedia.

La oportunidad de ver Juicio a una Zorra, permite una incursión en el universo de personajes, desde Menelao, hermano de Agamenón, embajador griego llegado a Troya para reclamar la entrega de la mujer más bella a la vista de ojos humanos; el amante y poderoso Paris (el único hombre que realmente amo la griega tenida por troyana), Tindáreo quien eligió como marido de Helena; Antenor, anciano consejero troyano, sustentador de reflexiones verdaderas y Partenio de Nicea, testigo de los sufrimientos de amor por los que pasaron los que aspiraban al amor de Helena.
El de estos personajes La pieza se disfrutará mucho más si se tiene manejo de sus personajes: Helena, quien hizo estallar pasiones: Menelao mató a Deífobo y a punto estuvo también de matar a Helena, pero quedó deslumbrado y enamorado de nuevo por su hermosura y la perdonó. Algunos autores antiguos cuentan que fue la propia Helena la que mató a Deífobo y que Menelao perdonó a Helena cuando vio sus pechos desnudos. Helena y Menelao fueron padres de Nicóstrato, para referir solo a partes de ellos.
El concepto
El libreto con un parlamento subvertidor, de esos no llamados a fascinar a todos ni a tenerse como monedita de oro, refiere a Helena, (ésa, la de Troya) cuyo nombre que en griego quiere decir «luz que brilla en la oscuridad»; y que para los troyanos esa sinónimo de ser “antorcha”, a pesar de que su recuerdo pasa a la historia más vinculado a los epítetos “zorra”, traidora, infiel, seductora y otras lindezas del estilo.
Los valores y perspectivas gerencia Miguel del Arco, exponen la inutilidad de la guerra, la doble moral de los poderosos, la miseria que radica en sus ejecutorias motivadas o por el poder, o por la ambición o por el sexo. Buenas las contabilidades de la intención humana que se nos ha vendido tanto por medio de la culpabilización de la mujer como culpable de las muertes y desastres que ella no ha provocado. Es ése es el valor textual de montaje.

Magnífica instantánea de Luis Dantes Castllo que captura en plenitud el desborde de expresión escénica de Elvira Taveras.

La actuación
Elvira Taveras es una marca teatral en sí misma y su vocación por hacer personajes femeninos de altos registros, contradictores de los patrones tradicionales, ha sido más que una trayectoria de coherencia estética.
Ha sido tanta y tanta la mentira vertida sobre las mujeres, que para ella ha sido misión aportar una visión que desmitifique criterios y eleve dignidades y percepciones.
En este montaje, nos seduce por su colorida paleta de requiebros vocales, el matiz que alcanza en sus giros del drama a la expresión cómica, fina en su sarcasmo.
Su polifonía es rica forma de ubicar la imaginación del público ante esa nueva desafiante versión de la Helena, logrando establecer un vínculo muy firme con su público, a pesar de lo rompedor de rituales y esquemas en que se resuelve.
Esta mujer toma lugar en el mundo de la mujer retratada teatralmente, hace de su cuerpo un instrumento de efectiva comunicación, físicamente se adueña Recorre aquel entablado, con firme actitud.

Richardson Díaz, director, Elvira Taveras, actriz y Juancito Rodriguez, productor.

La técnica
El vestuario,( Gromcin Domínguez) rico en verosimilitud, acento de época, elegancia y la efectiva simpleza ;el diseño de las luces (Roberto de León) que destacan la protagonista de la historia al momento de sus ires y venires; el universo de sonidos (del director), el aporte de los tocados y el valor de utilería simbólica (no acreditados en el programa) ; el diseño sobrio y elegante del espacio escénico por parte de Fidel López, el maquillaje de (Francis de la Cruz); los efectos especiales (Ernesto Báez).
Juicio a una Zorra a pieza imperdible. No se atreva a vacilar.

agosto 21, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

7 Mujeres: historias bien contadas desde la nueva oleada teatral dominicana

Cuando ya era imaginable que la corriente teatral de género/denuncia sobre la situación de la mujer, se había agotado, nos llega la obra teatral 7 Mujeres, pieza de humor y sarcasmo que expone el imaginario femenino de una forma nueva, lo que tiene relación con la fuente utilizada por sus dos dramaturgos mexicanos para producir un libreto que sobresale, sobre todo si es tomado por un joven equipo de dirección, producción y actuación en República Dominicana, para evidenciar, de paso, cuan trascendente puede ser el talento joven en escena.
La satisfacción interior que produce este trabajo viene de la certeza del poder de los nuevos rumbos del teatro, de la validez de las figuras recientes, las que no cuentan con trayectorias de años y aun así se atreven a sentar pasos firmes, a montar un proyecto, a venderlo dignamente a los mecenas del arte escénico que aun sin ley de mercenazgo, arriman el hombro para apoyar estos valores de reciente cuño.

El elenco, diretor y productores de 7 Mujeres salen al final de la pieza para recibir la ovación del público en Sala Ravelo, Teatro Nacional.

Origen textual
Los parlamentos de 7 Mujeres, vienen directo desde mujeres ordinarias que respondieron en 2014, el gesto de mercadeo social que hizo la crema corporal Lubriderm para que escribieran sus historias.
Lo que llegó a la mecánica del concurso fueron unos textos desgarradores, dolientes y esperanzados nacidos desde el sentir profundo. Esos deseos fueron la base para que Humberto Robles y Juan Ríos Cantó, (dramaturgos, directores y actores de notable sensibilidad ante la situación de la mujer y tremendo compromiso social) para producir uno de los hitos más altos del teatro latinoamericano.
Los jóvenes productores dominicanos Antonio Coronado e Ismael Amonte, captan su potencial – tras las exitosas funciones en México y otros países- quienes se plantean montarla, contratan al igualmente joven Iván Mejía, y lo que resulta es un hito escénico que en general sobre sale como teatro de concepto, envuelto en la mantilla del humor.

Caminos nuevos
El montaje se percibe distinto desde que se entra a la sala y se encuentra el inocente espectador con una escenografía multinivel (adaptada de la original por Lina Hoopelman y construida por Carlos Ortega), que asalta la vista y deja saber que se tiene el previo de una producción que promete lo inusual.
Notable el uso de vestuario (Chabela Estrella); maquillaje (Lewanda Estética) e iluminación (Ernesto López) contribuyen con efectividad a a la experiencia estética integral.

Actuaciones
Actoralmente se siente con gozo el correr de sangres nuevas.
Johanny García (Lola) la novia a punto de casar, resulta una joya recién descubierta. Su desempeño y entrega al rol – que es el eje de la historia. Su monólogo de deseos final es la síntesis de la calidad del montaje. Una oración que deberán entonar todas las mujeres de su tiempo.
Sucy Aquino Gautreau (Sol), la adicta a las redes sociales, destaca por su proyección de su voz y la gracia de su corpóreo gestual. Es portadora de un talento accesible y su potencia se resuelve en una carga itnerpretiva que se agradece.
Rosa Aurora (Pamela) efectiva, oportuna y diestra, aun cuando en varios momentos nos deja esperando más de su hilo actoral. Es excelente de acuerdo con lo que le vimos antes Broadway Desencantada, haciendo a Mulan y Pocahontas.
Katiuska Licairac (Margarita) buen ejemplo de multi-xpresividad escénica. Más que una promesa, es una realidad talentosa de hoy día. Ha tenido buenas actuaciones secundarias en cine, sobre todo en Una breve historia de amor (Alan Nadal)
Chavela Estrella (Norma), la madre de la novia, con un desempeño que cumple con las directrices pero que pudo haber desplegado mucho mejor sus condiciones expresivas.
Elizabeth Chaín (Blanca), tiene estilo escénico y pisa actoralmente fuerte
con excepción de Yanela Hernández, provienen de la nueva vanguardia actoral dominicana, mujeres con estudios y experiencias relativamente recientes.
Patricio León (Chico Hola) probablemente por tener la referencia de sus trabajos previos, en los cuales su talento se ha desplegado con fuerza, Patricio se nos antoja de menor desempeño. Su papel tiene sabor a lo ordinario en la comedia tradicional y él es mucho mejor que eso.
Yanela Hernández, (Renata) se transforma en el giro más alto de comicidad penetrante y efectiva. Se destaca bastante, pero debe evitar que al público le resuenen algunos giros vocales con recuerdesn a Elvira Taveras.

40 años
El montaje de 7 Mujeres fue celebración adicional de los 40 años que tiene de carrera Yanela Hernández, actriz, gestora cultura, comunicadora y maestra de ceremoniales.
Hernández, que hace el rol de la feminista abuela Renata, uno de los ejes hilarantes de la pieza teatral que tiene en el humor y el sarcasmo, sus principales punta de lanza.
Yanela, quien es sobre todo actriz, reivindica este rol, haciendo las delicias de una abuela alcohólica con enorme resentimiento anti-masculino.

Un púbico agradecido reconoce de pie las actuaciones.

En resumen
Lo que se tienen con el aplauso final, es una pieza que refiere de nuevo modo, realidades de antaño sobre la mujer y su aspiración de felicidad y esperanzada existencia, sin engaños ni duplicidades torcidamente masculinas. Su mensaje es estremecedor aun cuando la envoltura es el del humor, lo que convalida a sus autores originales, dos mexicanos que gestan un teatro arraigado en lo humano y prendado de lo sensible

agosto 7, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

El inusual talento de Amaury Moreno sirve a Teatro Las Máscaras

Amaury Moreno (Amaury Mo) es un sorprendente talento del manejo web que se ha propuesto, mediante su portal wwww.somosdominicanos.com.do, trascender con contenidos educativos que demandan empeño investigativo, que implican una enseñanza y un descubrimiento y que se apartan de la búsqueda de vistas mediante la exposición de materiales reproducidos o que huelan a sensacionalismo vacío y perfumados de sangre.

Amaury Moreno con la periodista costarricense Glenda Umaña, FOTO JOSE RAFAEL SOSA

En Las Máscaras hemos disfrutado de los infinitos viajes de la imaginación y la inteligencia, partiendo de la convocatoria al humor y la suerte, con Las Locas del Bingo, hasta el poético homenaje a Jorge Luis Borges, con Cita a Ciegas, con actuaciones principales de Lidia Ariza y un Jorge Santiago al que Acroarte tuvo que hacerle justicia con su Soberano 2015.
Admirable la labor de Moreno que acaba de publicar este test, a partir del proyecto teatral que mantiene abierto hace 16 años la sala más pequeña y maravillosa de la República Dominicana: el Teatro Las Máscaras.
Les invito a completar el test o prueba, para saber cuánto sabes del teatro Las Máscaras.
TEST LAS MASCARAS

julio 26, 2016 por Jose Rafael Sosa Noticias Teatro 0

La Princesa de las Gzardas muestra valor de ProArte

La función de cierre de La Princesa de las Gzardas, en la sala Carlos Piantini del Teatro Nacional, constituyó un nuevo aporte por fomentar el gusto por el género zarzuela, en una función que tuvo sobre todo luces y una que otra sombría circunstania de casting.
Con La Princesa de las Gardas, original del compositor judío-austríaco Emmerich Kálmáneste y el libretista Leo Stein, sexto montaje en cinco años, cuando inició con la inolvidable Cecilia Valdez en 2012, la Sociedad Pro Arte Latinoamericana muestra cuánta fuerza le asiste en su propósito de fomentar el gusto por el canto y la escena en sus más altos niveles.

La soprano cubano-norteamericana Nathalie Avila desbordó el escenario del Teatro Nacional con elegancia, maestría, color y fuerza, al interpretar a Silvia Varescu. .

La selección de la zarzuela La Princesa de las Zardas, interpretada en español y con buen despliegue de recursos interpretativos y técnicos, obedece a un criterio acercar el gusto dominicano por este género, para lo cual se le ofreció la oportunidad de disfrutar de una pieza emblemática de género, una de las más populares del mundo
Nathalie Avila (SilviaVarescu) carga con peso interpretativo principal femenino para justificar con una voz portentosa y rica en colores interpretativos, logrando entregar un rol impecable e inolvidable. La soprano de origen cubano (con Maestría en interpretación vocal de la Real Academia Danesa), iluminaba todo el escenario con su voz y actuación. Su desempeño fue un premio de altísima generosidad estética.
Israel González, (Boni) tenor cubano de tremenda versatilidad y una carrera consagrada, tiene ese factor de conectividad, gracia y destreza. Su aporte fue un gesto profesional y límpido cargado de frescura. Hizo reír y emocionar la platea de buena gana.

La zarzuela La Princesa de las Gzardas, fue el acontecimiento artístico más luminoso en escena en la capital dominicana.

Karoline Becker (Condecita Stassi) ratificó el valor de su vida entregada al arte, como intérprete entregada con rigor a la misión de comunicar emociones. Un talento del cual emana fuerza y una figura local con condiciones para cualquier escenario de mundo.
Mario Martínez (Feri), de fuerte personalidad y buen manejo de sus recursos, cumple con alto registro su papel fundamental de soporte de las acciones más trascendentes del montaje.
Edgar Pérez (Edwin Carlos) pudo haber tomado un papel menos demandante para aprovechar de mejor maneja los indudables aportes artísticos que es capaz de ofrecer.

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Otros talentos
Se lucen: María Castilo, (Annilte), maestra del teatro dominicano, se sabe administrar y deja sentir su carga interpretativa actuando, lo que agrega un valor prístino al montaje; Mario Lebrón (Leopoldo María), actúa y aprovecha sus condiciones de cantante, en la justa medida en que podía hacerlo: Juan Tomás Reyes (Eugenio de Rondorff), impecable como oficial de a guardia austríaca y Miguel Lendor (Niska) sigue ratificando su versatilidad en escena.
Carlos Palacio, como director de escena, muestra su acertado criterio con su diseño de movimientos y coreografías y Carlos Andrés Mejía, al frente de la orquesta Filarmónica y Coro, sirve de sonoro y armonioso sostén al interpretar la creación de Emmerich Kálmán.
La zarzuela
«La Princesa de las Czardas», con libreto de Bela Jembach y Leo Stein, fue estrenada en el teatro Johan Straus de Viena el 13 de noviembre de 1915.
Seis años más tarde se estrena en Cuba, en el Teatro Martí, el 25 de noviembre de 1921. En los años 50 se repone en el Teatro Campoamor con Rosita Fornés en el papel protagónico. El 25 julio de 1964, el prestigioso director Miguel de Grandy la lleva a escena una vez más y un año después se repone teniendo en los papeles principales a Rosita Fornés, Gladys Puig, Ana Julia, Armando Pico, Rafael Aquino, María Remolá, Georgia Gálvez, Armando Bianchi, Jorge País y Antonio Palacios.

julio 18, 2016 por Jose Rafael Sosa Portada Teatro 0

Lidia Ariza asalta comedia con intenso papel dramático en Made In Dominicana

Made in dominicana parecía, desde su anuncio en Teatro Las Máscaras, una suave comedia, pero no. Lo que finalmente se entrega, y todo por responsabilidad de una tal Lidia Ariza, la transforma en un drama sorprendente.
Luego del éxito de Cita a Ciegas, y sus 116 representaciones en Teatro Las Máscaras y en la que Jorge Santiago reveló más de su ductilidad como intérprete al punto de que cargó con el Soberano como actor del año, se pensaba que el entrañable teatrito de 50 butacas con 15 años de existencia, desde su apertura en marzo de 2001, pasaría mucho tiempo antes de que la fuerte atmósfera del drama teatral IF3A5619 volviera a aposentar sus reales.
No ha sido así. Con Made In Dominicana, texto original de la dramaturga argentina Nelly Fernández Tircornia, quien la escribió con el título original de «Made in Lanús«, estrenada en 1986 y llevada al cine en1987, como «Made in Argentina«, se logra un inusual episodio del teatro local: lo que aparenta ser una comedia “ligth” que recorre la cultura popular dominicana, y no con demasiado acierto, da un salto dramático en la segunda parte que eriza la piel y deja constancia de la fuerza de una Lidia Ariza a la que se debe tomar en serio más de una vez.
En el programa, puro vaudeville, tradición del humor distractivo sin segundas intenciones. Pero total apariencia que conduce a una sorpresa inesperada.
La primera parte transita entre los diálogos y acciones teatrales que evocan esa dominicanidad casi folclórica.-urbana con la irrupción de los personajes que hacen Jose Manuel Rodríguez, (El Negro), Wendy Alba (Mabel) y Luciano García (Osvaldo), los tres en una actuación de conjunto buena, pero nada el otro mundo. Habríamos aspirado a una excelencia interpretativa, apoyada en los zancos del quehacer escénico pero carente de la excelencia esperada. Probablemente, por haber asistido en el primer fin de semana en cartelera, no “habían cogido el piso” a sus roles. Se espera más de su rendimien IF3A5438 - Copy to a partir de este viernes.
Y entonces….la sorpresa, la gratificación no esperada: la irrupción que revoluciona la emotividad del público selecto de Las Máscaras, es Lidia Ariza, (Yoly), quien desarrolla un proceso de intensidad escénica que arranca emociones y lágrimas, por la fuerza imparable de sus gestos, manejo de voz, incidencia de su mirada que se torna felina.
Su aprehensión de las líneas interpretativas de una mujer arraigada en su origen, resistida al deslumbramiento del sueño de dólares en las cunetas y las fantasías del entorno iniciado desde cero, sencillamente paga cualquier esfuerzo valido o inválido al dedicar tiempo y recursos para ir, tal cual se hace, casi con religiosidad, para encaminar pasos hacia el teatro encantador y mágico de la Arzobispo Portes.
La Ariza vuelve a los inicios de su carrera de drama, sabe entonar una paleta de colores interpretativos, se hace intensa, acelera su ritmo vocal y gestual en una secuencia que ya deberían ver quienes tienen el encargo de nominar para premios importantes de arte.
IF3A5552 Si tiene el deseo de sorprenderse con un papel que no va a olvidar nunca, Made in dominicana, se vuelve a presentar desde el viernes en Teatro Las Máscaras. Disfrute la primera parte, ríase y goce, pero no se pierda la segunda, tras el intermedio y los platanitos fritos sin sal y el juguito de chinola que solo se puede ofrecer en este teatro amigable y puro.
Mercenazgo?
Dos empresas, Colchones Pilowtop, de La Reyna, y el Banreservas, son las auspiciadoras del montaje de Made in Dominicana, en Teatro Las Máscaras. Debían ser más las que presten su concurso a estas actividades lúdico-culturales, pero esta vez solo dos han aportado su patrocinio. La situación se espera cambie una vez se apruebe el proyecto de ley sobre mecenazgo, que cursa en la Cámara de Diputados, postulada por Manuel Jiménez.
20160703_201028 Sinopsis
“Made in Dominicana”, es la historia de un matrimonio de clase media: El Negro y Yoly, él es mecánico, ella es costurera y que viven en Villa Juana. Su vida transcurre de manera sencilla, se quieren mucho y toman la vida con humor y optimismo. La llegada del extranjero de Mabel, hermana del Negro, y su marido Osvaldo, provocará una reflexión sobre la identidad nacional, ya sea dentro del país o fuera.

julio 6, 2016 por Jose Rafael Sosa Noticias Portada Teatro 0

FITE 2016 cierra con Bolo Francisco, altísimo signo teatral dominicano

Al llegar a su etapa final, con el cierre mañana lunes con Bolo Francisco, (Reynaldo Disla, Premio de Teatro Casa de las Américas, 1984), el Festival Internacional de Teatro entrega una de sus ediciones más completas, actualizadas y sirviendo de marco para que el quehacer escénico dominicano se evidencie tal cual es: un oficio de trayectoria profesional de tanta validez como cualquier otro del ámbito internacional. Hay oportunidad de verla hoy domingo y mañana lunes como cierre oficial en el Palacio de Bellas Artes.

El público de dio gusto con las presentaciones del FITE 2016 debido a la calidad del teatro nacional e internacional a un precio que por democrático , debería ser vigente todo el tiempo. FOTO DEL SR. SOSA

El FITE 2016 ha sido el marco para reconocer la calidad de 16 grupos y compañías de Argentina, Colombia, Chile, Costa Rica, El Salvador, España, México, Portugal, Puerto Rico y Venezuela, cartelera a la que se ha agregado la, a veces subvalorada, oferta escénica criolla con las propuestas de compañías independientes de tremenda consistencia como Guloya y Las Máscaras, hasta el quehacer de la Compañía Nacional de Teatro, con su buque insignia Bolo Francisco, demostración total de la validez universal de lo criollo en las tablas.
Las salas se han llenado de un público joven y adulto ávido de calidad artística en escena y no ha salido defraudado. Karina Noble y su Dirección de Festivales, del Ministerio de Cultura, han inscrito este evento entre lo mejor que en teatro ha ocurrido este año.

Bolo Francisco (Reynaldo Disla-1984) cierra el Festival de Teatro 2016. FOTO JOSE RAFAEL SOSA

Bolo Francisco
El FITE termina mañana lunes con un cierre de altura: Bolo Francisco, uno de los exponentes más altos de la dramaturgia social dominicana, única pieza de la dramaturgia criolla que ha premiado la prestigiosa institución cubana del pensamiento creativo.
Como pieza teatral, Bolo Francisco ha contado con cuatro factores poderosos a su favor.
El primero es el hecho textual del que parte y respecto del cual no hay dudas de su brillantez y creatividad, dado el ejercicio de un dramaturgo joven como Disla, autor que aun cuenta algunas resistencias porque no se inscribe en el concepto aristocrático y “noble” del escritor del “star sistem”. Para muchos, y pese a una labor intelectual. Disla crea, a partir de rasgos de la realidad, un mundo mágico de personajes y condiciones.
El segundo, la dirección de Claudio Rivera, uno de los cuadros profesionales de mayor vuelo en esa crucial función de traducir a escena, con los múltiples recursos de la técnica y el arte, lo que alguna vez fue una idea divagante en los entretelones de la imaginación autoral. Rivera, uno de los cinco mejores directores teatrales dominicanos, evidencia madurez y sentido expresivo que sacan provecho al máximo de tendencias y capacidades humanas, conducidas hasta el tope de sus entregas.

Su arrojo al experimentar con los aires y símbolos, las máscaras, el acento carnavalesco, la coreografía simétrica y puesta para ser captada y eternizada en instantáneas de arte y el armonioso movimiento en tablas. Una masa humana que sobrepasa el valor individual de lo histriónico concebido en su valor como expresión de conjunto, en la cual las partes agregan un sabor compartido por ellas y el público.
El tercero es el desempeño de los talentos. Muchos de ellos con más de un personaje a su cargo: Jhonnié Mercedes, con el protagónico Bolo Francisco, llena escenario con voz, figura y una gestualidad de persona mutilada de una pierna, en un experimento que cautivó por su verosimilitud. Su maquillaje y peinado le adicionan magia a la personificación del músico típico que vuelve de la muerte para censurar opresiones y pequeños tiranos; Maggi Liranzo, otro de los tesoros actuantes del teatro dominicano, envuelve al público con su estela roja de bruja artesanal y luego como campesina oprimida; Yorlla Lina Castillo, un talento que se propuso dejar cualquier oficio que no fuera el actuar y que demuestra la fidelidad de su compromiso, con expectativas que van mucho más allá de sus medidas corporales perfectas; Amauris Pérez ratifica sus condiciones de actuación destacable, tanto para cine como para teatro y Ernesto Báez, imponente y opresivo como el teniente Then y Mazamúbula, simplemente está grandioso; Canek Denis es otro talento con un potencial que evidenció desde sus tiempos en la Escuela de Teatro de Bellas Artes. Está fantástico como militar; Gilberto Hernández, Cristela Gómez y Wilson Ureña nos dejan esa sensación satisfactoria de lo bien logrado.

Miguel Bucarelli es sustituido en esta versión por Manuel Raposo. Foto JOSE RAFAEL SOSA

El cuarto y último factor del éxito de Bolo Francisco es la técnica teatral, tan diversa como efectiva: vestuario, máscaras zoomórficas, peinado, escenografía (con la excepción del telón de fondo que pudo haber estado mucho mejore logrado), concretada con elementos funcionales, diseño de luces, todo empleado con calculada medida. Hay una estética cromática vinculada al vestuario que da un sabor “comic”, aportando vivacidad a las escenas en yuxtaposición armoniosa con el rendimiento actoral del equipo.
Las máscaras adquieren un significado particular para quienes conocimos los personajes referentes. Para las actuales generaciones, serán expresión de arte escénico.

Karina Noble cuando anunciaba el Festival de Teatro. Las ojeras reflejan el nivel de cansancio por el trabajo para montarlo. FOTO DE MINISTERIO DE CULTURA

La experiencia FITE
El Festival, el último que organiza Karina Noble, quien se retira a la actuación al considerar cumplida su labor desde la Dirección de Festivales del Ministerio de Cultura, desde la cual montó tres eventos de este nivel, todos con notable labor organizativa y estética, queda ahora inscrito como suceso histórico del entablado nacional.
La Noble debe marcharse tranquila, en conciencia de que su trabajo quedó hecho en exceso. A ella las gracias, por su gestión que nos ha proporcionado emociones intensas del más diverso tipo. Perdemos una gestora teatral. Ganamos un talento femenino que vuelve a al lar que le corresponde: el espacio de sueños y tiempos, personajes y signos emanados desde una ficción que estimula la imaginación, la motivación y la sensibilidad.

junio 26, 2016 por Jose Rafael Sosa Noticias Teatro 0

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