Es ejercicio de inteligencia bien documentado y matizado en sus actuaciones, con algunos fallos, de humor negro, rebeldía, sarcasmo, gracia, sentido trascendente de una fe cristiana
Me sorprendió con este montaje hilarante y revelador y evadido del esquema tradicional del subgénero escénico de denuncia el sexismo, porque presenta características mucho más profundas que la banalidad que sugiere su título.
Acudimos a Sala Ravelo, del Teatro Nacional, acumulando todas las reservas posibles porque ya hemos visto tantas producciones, haciendo un ejercicio, en general, del panfleto escénico que, en el fondo, procura vender boletas, tomando la bandera que aprovecha la absurda y condenable desigualdad de género y arremetiendo, porque es popular y fácil, contra poderes establecidos y en especial el de la visión conservadora de las Iglesias.
Las vaginas son ateas convoca y refuerza, desde su título, estos preceptos, pero qué bueno que, a pesar del temor y el prejuicio, nos decidimos a verla, debido a que no era lo que suponía sugerir ese irreverente título.
El montaje está entre lo más resaltante de 2024. Finlandia es una obra impecable, de expresividad parlamentaria intensa y de una alta estética envolvente
Finlandia es una obra de actores.
Finlandia como pieza, es una basada en la fortaleza de su concepto y en la capacidad del buen describir por parte de su autor. Es una pieza que se enmarca en un parlamentarismo brillante, detallado, rico en situaciones que incrementan su ritmo al paso de los minutos de representación parlamentarista que no deja respiro.
La pieza se desarrolla sobre parlamentos de riqueza literaria, de exaltación de las formas, signada por lo poético. Debería aparecer un mecenas, personal o de empresa, que patrocine su reposición
Haffe Serulle vuelve por el sendero de sus odiseas escénicas. Ahora toma cuerpo un libreto dramático-existencial titulado Cara a Cara, que hemos visto Sala La Dramática, del Palacio de Bellas Artes.
Tragicomedia que seduce. Impulso escénico inédito al estudiar parte viva de la historia dominicana contemporánea. gesto artístico inusual e históricamente válido y necesario aun cuando acusa parcialidades
¿Cuántas veces será necesario proclamarlo: el teatro es la vida, y la vida, ¡el teatro!
¿Cuántas oportunidades se tienen del ese sabor único: volver a ser partícipes del intercambio, ese que transcurre cara a cara, respiro a respiro, aliento a aliento, ¿vividos entre artistas y público y llega el punto en el cual ambos danzan en torno a la reflexión temática de hechos o personajes reales o imaginarios?
El gallo, espectáculo unipersonal, iniciativa escénica sin precedentes, expone un personaje histórico contemporáneo, Joaquín Balaguer, para navegar en las honduras psicológicas, sociales y políticas que plantea la vida de este estadista o personaje del mal, de acuerdo a la óptica de cada quien.
Para entender el contexto de este montaje es extenso, hay que referir a la Reina de Castilla, Juana I, llamada Juana la Loca, nacida en Toledo en 1479 – Tordesillas, Valladolid, 1555), tercera hija de los Reyes Católicos, casada – sin ser consultada- con el archiduque austriaco Felipe el Hermoso en 1496.
Ese mismo año en que fue jurada como heredera por las Cortes de Castilla (1502) empezó a manifestársele una enfermedad mental, determinada según algunos por la infidelidad de su marido, hacia quien sentía un amor apasionado.
El recorrido, desde la perspectiva del talento nacional (escritural, y actoral), abarca la obra teatral de Manuel Rueda, Retablo de la pasión y Muerte de Juana la Loca, pasando por la adaptación de Richardson Diaz, la visión de Guillermo Cordero al concebir y desarrollar el proyecto que requirió la participación de los más de cien talentos en sus diversas áreas, un empleo de la tecnología como se ha visto pocas veces, y revelación que ha supuesto la actuación de Mary Gaby Aguilera (como Juana Joven), y la ratificación del resto de los talentos del resto del elenco, y al cual nos referiremos más adelante.
Al salir de la representación de Juana la loca ¿Locura o conspiración?, el público lo hace en disfrute cierto de haber acudido a un espectáculo que deja parlamentos, las volteretas de la trama sobre la atormentada vida de Juana I de Castilla, efectos visuales, recursos técnicos manejados con criterio y a fondo, pero, sobre todo, por imágenes visualmente inolvidables, plásticamente adscritas a la belleza al equilibrio lumínico y de los cuadros clásicos del renacimiento.
Visualmente, el montaje concebido por Cordero se inscribe en la galería de los espectáculos más hermosos y exuberantes de entre los presentados en este escenario en 50 años de funciones.
Todo parte de la adaptación, manteniendo el marco isabelino español de época, de la obra de Manuel Rueda, por parte de RichardsonDíaz, que, con este, acaba de dar el paso más importante de su carrera hasta el momento.
Joven y talentoso, este chico merecería el reconocimiento pleno por su trabajo, junto con la visión de Guillermo Cordero. Juana la loca, ¿locura o conspiración? echa con fuerza mano a la música coral, a la recitación armónica colectiva, a la proyección de cine (empleada puntual y simbólicamente y con un acierto extraordinario), a las actuaciones, sobre todo en sus soliloquios, al ensamble que sorprendió por su perfección y armonía.
Notable la participación del coro de los Caballeros Guardiamarinas de la Armada Dominicana, quienes dejan en escenario la impronta artística que los ha adiestrado, en adición a su vocación militar.
(Ensamble es agrupación, conjunto, ensamble, banda o grupo musical se refiere a dos o más personas que, a través de la voz o de instrumentos musicales, interpretan obras musicales pertenecientes a diferentes géneros y estilos).
Un aspecto imponente de la obra es la dirección de su movimiento escénico de grandes masas actorales de época, con cuyas acciones el espectador logra esa sensación de que los artistas han trabajado por meses para lograr el impacto que marque el alma durante un par de noches.
La visión compositiva de los talentos en función de la época es la mas vivida que hayamos visto hasta el presente en una representación en el país en los últimos años. Parecen en determinados momentos, cuadros de la pintura de renacentista, en movimiento.
Carlota Carretero y Ernesto Báez entregan una lección de buen teatro. Foto de David Soto
Actuaciones
La base del teatro es la actuación y esta pieza lo evidencia al entregar interpretaciones sentidas, tocantes e inolvidables.
Carlota Carretero, que tiene a su cargo mayor tiempo en parlamentos, sustrae al público con el manejo de su hermosa voz y la agilidad de su movimiento escénico. Hace vivir al público cada palabra.
Elvira Taveras ratifica su calidad como maestra del teatro dominicano, por la limpieza en la ejecución de sus textos, ahora favorecida – como para el resto del elenco— por la facilidad técnica de la microfonía individualizada— logrando una conexión con el drama que cuenta.
Ernesto Báez logra un Rey Fernando apoyado tanto en su imponente presencia como en su vestuario, voz e intuitiva actitud del rol de realeza.
Hony Estrella evidencia consistencia y dramatismo en su papel de Beatriz de Bravante. Foto David Soto
Hony Estrella tiene espacios de actuación que la catalogan como una actriz de experiencia y que logra uno de los mejores papeles que le hayamos visto. Logra con fidelidad la desesperación existencial dramática a su cargo.
Pepe Sierra, transformadísimo, asume su personaje de Cardenal Cisneros, —movimientos corporales marcados por el paso del tiempo y adoptando el tono de voz adecuado, ratifica su liderazgo como interprete joven del presente tiempo. Un joven maestro de la actuación que aporta una caracterización que queda en la memoria, apoyada por Miguel Lendor y José Roberto Diaz, excelentes en sus papeles de soporte.
José Guillermo Cortines (Felipe el Hermoso), aporta audacia y sensualidad bien lograda mediante un desnudo, realizado con profesionalidad y que sorprende al público (sobre todo femenino).
La revelación actoral del montaje es de Mary Gaby Aguilera (Juana Joven) quien llega a escenario sin una trayectoria, sin una relación de buenas criticas en los medios. La joven es inteligente, incisiva y brillante.
Richardson Diaz se acerca en sucesivas expresiones interpretativas a esa comicidad inteligente que le encanta. Una sorpresa fue la perfección casi matemática de los textos pronunciados en colectivo y las canciones.
Mary Gaby Aguilera y Elvira Taveras (Juana Joven y Reina Isabel, respectivamente) Foto David Soto.
Impecabilidad técnica
Resalta la limpieza del sonido, tanto de la banda sonora, de la música como de la reproducción auditiva. Se vive cada sonido. El vestuario y peluquería agregan un valor a la espectacularidad de la representación.
El diseño de luces acentúa al extremo los diversos giros, generando sombras que utiliza dramáticamente en favor de la narración escénica. A la obra le aportan verosimilitud y solemnidad el vestuario y los accesorios de utilería.
La escenografía es uno de sus éxitos, al lograr un conjunto de rápida introducción vertical y horizontal, con elementos planos, simples y minimalista, con excelente terminación reproduciendo con expresividad la época reinal castellana.
Los efectos especiales, tan contados como precisos, y sobre todo el uso de la bruma (neblina) y en especial los momentos en que se introducen o salen personajes por los sistemas de elevadores, se suman entre los elementos que hacen del montaje, una experiencia artística memorable.
La pieza es lo mejor que en teatro dominicano ha producido en anos. No hay otra forma de decirlo. Puede usted tener la imagen que quiera de Guillermo Cordero, pero lo innegable es que se trata de un cuadro profesional que sabe lo que tiene entre manos, que lo sabe gerenciar y que tiene la forma de encaminar sus talentos a buen puerto.
Ojalá pueda volver a montarse Juana la Loca ¿Locura o conspiración?
Ojalá
se le ocurra a la Radio Televisión Dominicana plantear la grabación y edición de este trabajo para que pueda ser disfrutado por mucha más gente.
Ficha técnica
Juana la loca: ¿Locura o Conspiración?
Producción: Teatro Nacional
Patrocinio: Sociedad Industrial Dominicana, Central Romana Corporations Ltd., Popular, Alcaldía Santo Domingo, Banreservas, Listín Diario; Copatrocinio: Propagás, Rowe, Banco Central, CEPM, Asociación Cibao de Ahorros y Préstamos, Indotel, Plaza Lama (La supertienda), Excel, Autoridad Portuaria Dominicana, Edesur, Tienda El Canal y Claro.
Dirección general y artística: Guillermo Cordero
Adaptación dramatúrgica: Richardson Diaz
Producción ejecutiva: Camilo Landestoy
Dirección coral y musical: Nadia Nicola
Composición musical y orquestación: Junior Basurto Lomba
Dirección de estilo: Pablo Pérez
diseño lumínico: Lillyana Diaz, Ernesto López, Roberto de León y Darwing Tatis.
Dirección de sonido y microfonía: Manolito Soribas
Escenografía y realización escenográfica: Carlitos Ortega
Utilería: José Enrique Villar
Diseño y confección de vestuarios: Jorge David (todas telas de la Tienda El Canal)
Asesoría en mobiliario y estilo: Arquitecta Patricia Reid Baquero
Produccion audiovisual: Aidita Selman
Coordinación de Calzados y tocados: Juan Tavárez
Elenco: Carlota Carretero (Juana Adulta),Mary Gaby Aguilera (Juana Joven), Elvira Taveras (Reina Isabel), Ernesto Báez (Felipe Hermoso), Hony Estrella, (Beatriz de Bravante), Pepe Sierra (Cardenal Cisneros), Richardson Diaz (Sacerdote), Miguel Lendor y José Roberto Diaz (sacerdotes), Pablo Pérez (Marques de Denia), Madeline Abreu (Aixa), Miriam Bello (Fátima), Agustín Rousseau (Carlos V), Johanna Gonzalez, Karla Hatton y Lucy Caamaño (Damas de Juana), Yuyú Ramírez, Carmen Espinosa y Aida Veitía (Damas de la Reina), Laila Taveras (Princesa Leonor), Josué Ureña (Príncipe Fernando), Monserrat de León( Catalina de niña) , Miranda de León (Catalina Adolescente), Enrique Valdez (Escribiente) y Pedro Oviedo ( Médico de la Reina Isabel).
El montaje de La fiesta del Chivo (Mario Vargas Llosa y dramaturgia de Manuel Chapuseaux) supera la adaptación a las tablas de la obra con una temática que atrae a todos todo el tiempo.
Es la magia del teatro, la fiesta del talento interpretativo y la manera de abordar la construcción del espacio teatral con novedad y criterio en la caracterización de época.
Las funciones en la eternamente amigable Sala José de Jesús Ravelo, del Teatro Nacional, constituyen un fenómeno que trasciende su fuerza de venta en boletería.
La obra es un expresivo escénico que convoca el reencuentro con la historia y que permite entender el valor universal del arte, aun sea su sede, una nación relativamente pequeña.
Lo que logran estos artistas (desde la dirección, la actuación de cada uno de los actores y las actrices y el ejecutado técnico (escenografía, vestuario, peluquería, banda sonora y universo luminoso), refiere el perfume de la calidad en la escena.
En República Dominicana ha contado con un montaje que no solo es sobrio y digno. Es evidencia de la capacidad interpretativa de quienes saben asumir con profesionalidad y compromiso el desafío de personalidades intensas y fuertes, como la de Trujillo, y de proyectar las debilidades y oportunismos de sus conmilitones compartiendo con la impotencia y sacrificio de las víctimas.
Fausto Rojas como Johnny Abbes. FOTO DE LA PRODUCCION
La presentación de La Fiesta del Chivo vuelve a plantear la trascendencia del teatro local, en tanto universo singular que no solo crece en número de salas que ahora florecen en plazas comerciales, en espacios adaptados desde casonas coloniales o republicanos.
El montaje valida en nuevos niveles el teatro local por la vigencia de un lazo fundamental compartido entre artistas y espectadores, construyendo una emoción que conforma un maratón de emociones.
La fiesta del chivo, (Manuel Chapuseaux, director sobre novela de Mario Vargas Llosa) ha sido, como montaje, un fenómeno artístico y de público dando lugar a funciones que no han tenido una sola butaca vacía, debido a una confluencia de factores: el interés en el tema porque Trujillo sigue siendo el tema histórico y social que más arraigo en el público.
La dictadura siempre opera como un plato de miel frente a las moscas y no es claro si se trata de un acto de masoquismo colectivo o la búsqueda de razones en la sinrazón.
Otro factor del atractivo por los talentos involucrados y particularmente por la selección de Augusto Feria, el actor dominicano que mejor caracteriza al director y cuya ausencia en películas que se han rodado sobre el tirano, ha sido notable.
Augusto Feria, intenso, con una fidelidad física, vocal y temperamental únicas respecto de Trujillo, supera la interpretación de Juan Echernove , en el Teatro Infanta Isabel, que vimos en Madrid (también a casa llena) en enero de 2020, poco antes de declararse la pandemia .
Feria ha recibido y aprovecha convenientemente, su viejo y legítimo deseo de hacer un Trujillo real, creíble, aborreciblemente verdadero, necesario hecho ante tantos errores de casting desperdiciados.
Pero sería grave dislate suponer que sólo Augusto Feria constituye el atractivo escénico del personaje, pero esa visión es parcial debido al notable rendimiento del elenco
Fausto Rojas (Johnny Abbes), Elvira Taveras (Urania adulta), Cindy Galán (Urania de adolescente); Henssy Pichardo (el Senador Cabral); Francis Cruz (Manuel Lorenzo); Miguel Bucarelly (Balaguer) resultan ser el actor adecuado para el papel que enfrentan.
La evaluación actoral es un mosaico digno de recordar: Rojas se mueve con disciplina y comodidad y hasta satisfacción en el perfil sádico de su J. Abbes, Francis Cruz, logrando la caricatura precisa, lo que es un serio quehacer y Henssy está justo en sus medidas como el «Cerebrito».
La representación femenina en la actuación, cuenta con una maestra (Elvira Taveras) y una de las jóvenes figuras de mejor desempeño, ambas haciendo de Urania.
Un aspecto resaltante es la ambientación de época y en especial vestuario y peluquería, el espacio teatral, rompedor de esquemas resumiendo en planos y colores, los signos y símbolos de la dictadura.
El montaje hace justicia a La fiesta del Chivo,publicada hace 23 años por Mario Vargas Llosa, autor que puede ser para usted políticamente lo que le parezca pero que queda fuera de toda duda, su raigambre trabajada y coherente en el despliegue de su narrativa y la precisa selectividad temática de sus obras.
La novela es una diva a los ojos de productores de muchos países, sobre todo de habla hispana por la estatura de su autor original y lo atractivo del tema dictatorial.
Las boletas de la temporada se han agotado.
La semana próxima habrá dos funciones extra. Aprovecharlas será el deber a que llama el compromiso con el teatro de excelencia.
Ficha técnica
Título: La fiesta del chivo
Autor: Mario Vargas Llosa
Dirección y dramaturgia: Manuel Chapuseaux
Asistencia dirección y regiduría: Canek Denis
Escenografía: Miguel Ramírez- Teatro de los oficios
Vestuario: Milagros Tiburcio/Severino Capellán y Gina Terk
Maquillaje/peluquería: Warde Brea
Coreografía: María Emilia García Portella
Fotos: Alejandro Núnez Frómeta
Elenco: Augusto Feria (Trujillo), Henssy Pichardo (Senador Cabral); Francis Cruz (Manuel Lorenzo); Miguel Bucarelly (Balaguer), Elvira Taveras (Urania, adulta) y Cindy Galán (Urania, joven); Fausto Rojas (Johnny Abbes).
Ya son tantas las veces que nos convencimos, hasta ahora, de que lo presentado en tablas es ficticio y las emociones expresadas, creadas, no reales. Pero vuelve a hacernos sentir y creer…. !Caramba…. es una magia que se reditúa y nos recoloca de nuevo en su juego de emotividades!
Cuando uno se sale de la sala Ravelo con la emoción prendada en la garganta, luego de que algunas espectadoras lloraran por el discurso de imágenes y parlamentos, tras la exposición de complejos sentimientos de solidaridad, dolor, impotencia, amor superviviente y como siempre gratificando la memoria con una más de las entregas que desde las tablas del escenario, nos seducen por su impacto y nos doblegan toda actitud de indiferencia ante el arte en una de sus formas más directas y puras: el teatro.
Acepto lo que sea, pero contigo (creo que la coma que es procedente por reglas gramaticales, por alguna razón el autor no la puso) lleva al espectador que nada sabe de su trama, a pesar que se trata de una más de las muchas comedias “busca moro”, de esas que un grupo de actores y figuras de la televisión rastrean por su impacto en taquilla (generalmente en Europa, Argentina o Estados Unidos) para provocar, con vía de la necesidad de la risa, unos pesos, bien ganados para nada más allá.
Ese título deja el mensaje de estar ante una de muchas comedias insulsas, programadas para vender boletas, exponer caderas y recrear con palabrotas.
Tenia mis dudas en torno a asistir o no a una pieza con ese título, pero decidí investigar: ¿Quién escribía? ¿Quién era el director? ¿Quiénes eran los talentos actuantes?
Al enterarme de que Vicente Santos era el director, al conocer que la pluma de la dramaturgia era Richardson Diaz y que los actuantes era Pepe Sierra y Judith Rodríguez….me dije: “De esa combinación de trayectoria, nada cuestionable puede salir”.
A Vicente Santos le aprecio desde sus inicios, desde antes de irse a especializarse fuera del país, por su arrojo, su notoria presencia en escenario, por su selectividad para determinar los proyectos en que se involucra y por tu inteligencia selectiva.
En esta pieza, logra imprimir un color interpretativo único y coordinarlo con el resto de sus recursos artísticos y técnicos, en una muestra de buen gusto y que lo reposiciona como director, además de sus entregas como actor.
Richardson Díaz es un artista sorprendente. Un creador de concepto e intérprete actoral para cine y teatro que construye una carrera promisoria por lo que es tiempo ya de reconocerte la consistencia de su carrera. No es solo bueno en lo que hace. Producto de su formación, arraigada en su pasión por contar historias, Diaz es una expresión dramática novedosa, sorprendente y digna de ser tomada en serio.
Acepto lo que sea, pero contigo, como concepto e es un exordio inteligente y sensible a la soledad en la pareja, al drama de la salud ante sus últimas crisis, a la validez del amor vivido en concepción independiente de los formalismos sociales, al himno de lo cotidiano con sus ítems aprendidos, sus inocentes trampas de ubicación, y ya a final, a la validez del amor pasada o vivida toda tragedia. Como se expresa, un tema de serias vertientes y de interés para todo aquel ser que ama, que está solo, que vive en compañía.
Con la calidad de su concepto, Pepe Sierra, otro joven talento de la actuación y uno de los mejores del cine, desde que hizo un papel secundario en 2015, en Pueto Pa Mi, (Iván Herrera), con tan gracia que llamó la atención de la crítica y el público. Ahora entra a un proyecto de teatro en una doble condición: productor y protagonista, saliendo con los lauros del éxito porque ha logrado esa impecabilidad tan inalcanzable en una doble función tan riesgosa y exigente.
Asumió, con mucha seriedad, su papel de responsable de echar adelante el proyecto de arte como quehacer empresarial, y ha logrado coronar con éxito.
Sierra, actoralmente, es un talento de múltiples recursos interiores y exteriores, que bien explota, Ahora como Ernesto, asume la personalidad de un enfermo terminal de una catastrófica, y se luce el movimiento corporal, la vacilación en el manejo de la voz, las expresiones faciales, la intensidad y la ternura de su interpretación.
Judith Rodríguez (Bella) vuelve a hacerlo: emanando emociones intensas y cruzadas, expresando más de una personalidad de su rol, jugando con su voz y su cuerpo, eleva al público al extremo de sus capacidades, que generan emotividades intensas. Extraordinaria. No hemos salido del rictus de La mujer puerca, ese soliloquio en que evidencio que lo suyo nada tiene que ver con escándalos nacidos de la chismografía corporativa mediática o los titulares de vida efémera, cuando ya la tenemos como una Bella que ha de permanecer viva en nuestra memoria emotiva. Judith es el arte teatral vivo.
Llama la atención, la escenografía (responsabilidad de un Jose Enrique Calvoof (de quien no sabíamos nada antes), por su capacidad de ambientación desde lo simple, basado en colores base, minimalismo y un respaldar decorado de pared sencillamente inolvidable. Su manejo de los espacios, de los planos espaciales, la ductilidad de los muebles, hacen que uno se pregunte: ¿ Quién es este tipo?
La conclusión es: escénicamente, estamos en transición permanente, de una generación talentosa a otra, en un ciclo inexorable, imposible de detener, positivo y necesario.
Si tiene oportunidad de disfrutar de esta joya escénica, no se la pierda.
Sinopsis: UUna pareja joven con muchas ilusiones, pero que ignoran que a veces, el destino te presenta escenarios inimaginables: enfermedad, cotidianidades y temperamentos, harán de las suyas
Ficha Técnica
Acepto lo que sea, pero contigo
Drama con tintes de comedia
2023
República Dominicana
Dramaturgia: Richardson Diaz
Dirección: Vicente Santos
Producción: Pepe Sierra
Protagonices: Pepe Sierra (Ernesto) y Judith rodríguez (Bella)
Lo sabemos: en teatro, para el crítico, lo más difícil de lograr la critica premonitoria.
Augusto Feria, uno de los más formidables actores de carácter de la República Dominicana, habrá de tener la oportunidad de evidenciar lo lerdo de muchos directores que no pensaron en él a la hora de seleccionar quien haría apropiadamente a Trujillo en sus películas.
Feria tomará en escena cuerpo como Trujillo como nunca antes se ha logrado, en un rol fijado para los días 21 al 23 y del 27 al 30 de abril en Sala Ravelo, con la producción de Dunia de Wint, con el montaje de La Fiesta del Chivo (adaptación dramatúrgica del escritor español Natalio Grueso sobre novela de Mario Vargas Llosa).
Cartel de la funcion La Fiesta del Chivo.
Haciendo excepción de la trilogía de documentales de René Fortunato ( “Trujillo: El poder del Jefe”, entre 1991 y 1996) porque no necesitaban de interpretación actoral), los roles de Trujillo en el cine se ubican en una escala entre lo insuficiente, lo inadecuado y lo francamente decepcionante La lista inicia incluso con el que hizo Edward James Olmos, en “En el tiempo de las mariposas” (Mariano Barroso, 2001); Gerardo Herrero en “El misterio Galíndez”, y basada en la novela “Galíndez”, de Manuel Vázquez Montalbán, con el español Enrique Almirante como Trujillo; Tomás Milián, excelente actor cubano, hizo de Trujillo en La Fiesta del Chivo; 2010 y Juan Fernández en “Trópico de sangre”, -una película de Juan Deláncer que estimamos fue infravalorada- -que no estuvo mal, pero tampoco estuvo adecuado por las diferencias morfológicas y otros factores interpretativos.
En esas producciones, el casting falló.
Augusto Feria era el hombre y no solo por la identidad corporal y facial, porque el factor fundamental es la capacidad de adaptabilidad, psicológica vocal y la capacidad de aprehensión de la psicología de personaje. Ahora, le ha tocado a Dunia de Wint, compensar el fallo de tantos directores famosos.
Conocemos el Trujillo de Augusto Feria y, lo confesamos: nada que ver con ninguno de los intentos llevados a pantalla hasta ahora.
Cierto que no hemos visto esta versión, pero sabemos desde hace años, de la capacidad de Feria para este personaje en particular. Este texto es una especie de critica premonitoria.
La experiencia que aportará en la Ravelo en abril, será memorable, sin desmedro alguno del resto de los miembros del elenco que le acompañara, porque son “todas estrellas”.
Con la dirección de Manuel Chapuseaux, lo que se espera es un concierto de actuaciones especialmente para el estudio de actores y aspirantes a actuar: Elvira Taveras, Henssy Pichardo, Miguel Bucarelly, Fausto Rojas, Francis Cruz y Cindy Galán..
Lo que se prevé es que estaremos ante una representación imprescindible de ver.
La obra «La Fiesta del Chivo», (Mario Vargas Llosa), con todo y el rechazo local a muchas de las interpretaciones históricas que hace el Premio Nobel de Literatura, – recordando que no es un texto de historia sino una novela – de lo que se trata al final es de un texto histórico sobre una parte esencial de nuestra historia con tintes de ficción.
Sobre la novela
En «La Fiesta del Chivo» se narran los últimos días del dictador Rafael L. Trujillo en el país.
SINOPSIS: El autor construyó el personaje de Urania Cabral, una exitosa abogada que abandonó el país de forma misteriosa siendo una niña. Tres décadas después, regresa para visitar a su padre moribundo, el señor Agustín «Cerebrito» Cabral, un antiguo alto cargo del régimen que cayó en desgracia. Durante ese viaje se desvela el secreto que la protagonista ha guardado celosamente desde su huida.
Dunia, en su papel de promotora de su proyecto, dice «La Fiesta del Chivo» es una lección de vida, que nos recuerda que el valor y la dignidad son los únicos antídotos contra la barbarie.
Para nosotros, este montaje es un acto de justicia para con un Augusto Feria extraordinario en su capacidad y a pesar de la cual subvalorado por los responsables tener en sus manos el guión o el libreto a montar de La fiesta del chivo.
En la soledad de la tierra de nadie es un montaje sobresaliente que merece atención, en tanto expresa la creatividad escénica de Miguel Ramírez, basada en un clásico moderno del francés Bernard-Marie Koltes, la versatilidad de dos actores jóvenes brillantes en sus roles y factores técnicos de música original, vestuario, escenario e iluminación, que deberían hacer pensar dos veces a aquellos llamados a premiar el mejor teatro y que, al parecer, no han asistido a las presentaciones.
Ahora está en Casa de Teatro, hasta mañana domingo 3 de abril. Nada seria tan importante para un cronista de arte que se respete, como ir a verla.
En contadas oportunidades, el milagro escénico se hace posible, y se abre ante el espectador una dimensión que impregna las emotividades del espectador al sorprender con el rompimiento de lo actoralmente conocido.
En la soledad de la tierra de nadie es un marcador significativo de teatro que tiene sus ejes en el cuerpo, la voz y el texto, para escalar de forma inédita la sensibilidad del espectador, que tantas veces ha vuelto una y otra vez a sentarse en una platea, en espera de que corra el telón o se enciendan las candilejas del proscenio., sin tener idea precisa.
El gran valor esta su notable calidad de sus parlamentos, enmarcados en la relación de un vendedor y un cliente en un ambiente indefinido en el tiempo, en la cuidada selección de los dos intérpretes manejando el movimiento corporal con un cuidado ritmo y simbolismo y con un singular dominio de la técnica vocal. Sus parlamentos no son un diálogo entre actuantes en el sentido tradicional.
La versión libre del concepto original, En la soledad de los campos de algodón; regreso al desierto del escritor y dramaturgo francés Bernard-Marie Koltès que, adaptado por Miguel Ramírez, refiere a un trabajo de creatividad, abre acceso a una pieza que se perfila como uno de los mejores proyectos escénicos de la modernidad en país. No.
La pieza, parlamentariamente hablando, es un entramado de proclamas al público perfumadas de poesía simbólica, en las que desfilan el ideario de la distancia, el recorrido, el salvajismo, la dualidad hombre-animal, la humildad, la soberbia, el camino.
Una fluida elegancia parlamentaria que envuelve al público en con un lazo casi mágico, que se refuerza por la caracterización tanto del vendedor, un guardia fronterizo fortachón, barbudo y calvo, y su cliente, un emigrante que procura un mejor destino, mezcla de músculo, una fuerza facial extraordinaria al punto de parecer una máscara de terror realista, bordeada por un sorprendentemente abundante, crespo y rosado.
El montaje se ve reforzado por el acierto de sus elementos técnicos: una escenografía aparentemente simple, pero deslumbrante por los efectos visuales que comporta el manejo de sus partes (paja y puertas).
La responsabilidad de la actuación radica en dos jóvenes figuras del teatro independiente: Anderson Mojica y Eleccio Caraballo. Ambos aman y enseñan teatro.
Otros elementos que aportan al éxito artístico de este trabajo es la música original de Vadir González, cuidada y pensada con alma y ojos puestos sobre el argumento, aportándole una dimensión, su diseño de luces de Ernesto López, iluminador que de seguro habrá sentido este trabajo como uno de los más creativos de su carrera.
Ese diseño lumínico es responsable de hablarnos y hacernos sentir por medio de las luces, aportando un factor de éxito al resto de los formulados para provocar el fin del teatro cuando se cumple su objetivo: llevar e impresionar al público que llegó sin saber que le esperaba desde entablado.
En la soledad de la tierra de nadie es un montaje que inició su andar en noviembre de 2021 estrenándose en San Juan de la Maguana, homenajeando al nunca olvidado Ángelo Valenzuela, dramaturgo de peso artístico fundamental y pintor de estilo que ahora es cuando se está valorando de cara a la eternidad. Luego, el montaje estuvo en Teatro Guloya, ante la indiferencia vergonzante de cronistas de arte popular que ni siquiera la nominaron a los premios más concelebrados (Soberanos 2021). Los premios de arte popular clásico tienen el deber de ser mucho más selectivos.
Ahora, por suerte, logró espacio en Casa de Teatro, en la que se está presentando el fin de semana del 1 al 3 de abril. Si no la ha visto, no tiene idea de lo que se pierde.
Ficha técnica
Título: En la soledad de la tierra de nadie
Dramaturgia: Adaptación libre de la obra original,
“En la soledad de los campos de algodón”, de Bernard-Marie Koltes
Conferencia/Taller del sábado 5 de Marzo en el Colegio Dominicano de Periodistas, parte del programa de capacitación profesional, de la gestión de su presidente, licenciado Aurelio Henríquez.
Un nuevo taller de capacitación ?tendrá sentido? en este tiempo de prisas digitales y redes sociales? Tiene trascendencia reflexionar para que el producto escrito que ofrecemos al publico sea mejor y alejado de vicios idiomáticos, clichés que leemos y escuchamos cada día . El periodismo es el primo hermano cotidiano de la literatura.
No es casual que grandes escritores del mundo, iniciaron siendo periodistas, desde García Márquez hasta Ernest_Hemingway. No saldrán de este espacio siendo escritores de novelas. Solo aspiramos a presentar un modelo que los motive a pensar en su ejercicio. .
Redacción Periodística Creativa. Regerencia de Contenidos Informativos. Metodología de redacción creativa:
?Qué hacer cuando recibimos los insumos de un contenido noticioso a ser trabajado?
1-DETENERSE. Evitar la prisa del reporterismo. DETENERSE Y PENSAR.
2 Recibir y examinar los insumos: datos, fotos, documentos, cifras.
3- Procesarlos de la mejor forma, añadiendo. En enfoque o abordaje personal.
Referencia de Contenidos Informativos (RCI) Es la técnica periodística procura, lograr una versión tan única, creativa, enfocada y novedosa, que ofrezca al público un producto informativo que establece una diferencia de calidad.
Cuanto escribimos eleva o disminuye la calidad de vida del mundo. Cada palabra escrita, cada foto tomada y publicada, cada video, ilumina el camino del desarrollo humano lo dificulta al extremo. Cada idea, cada información transmitida, es una entrega de responsabilidad personal.
Redacción
Redacción proviene del término latino “Redactĭo”: escribir, o describir por escrito situación, suceso o explicación, previamente pensada. La redacción supone un importante conocimiento en establecer formas y sentidos que le den coherencia y cohesión textual.
Redactar es escribir de manera informativamente documentada, éticamente en forma íntegra y literariamente de forma hermosa.
Géneros periodísticos comparados
La noticia es herramienta básica de trabajo, el buque insignia del periodismo. Es el género más socorrido. La noticia es el reporte de un hecho. No es el hecho. Es el informe.
Reportaje y la crónica: son carros de lujo que se emplean de vez en cuando,
Artículo de opinión puede ser el paseo en bicicleta. La perspectiva que mira el camino.
La redacción de noticias es un relato regularmente en tercera persona, descriptivo, transcendente y de asimilable sencillez.
La noticia es buque insignia del periodismo diario, sea impreso, digital, radial o televisivo, y en cualquiera de las especialidades en que se enmarque.
Los clichés
La Real Academia Española define cliché «Lugar común, idea o expresión demasiado repetida o formularia». Son los parásitos indeseables e inadvertidos de la redacción automática:
“Con la asistencia del señor presidente…” (originado en una orden presidencial de 1949 a los medios escritos de la dictadura trujillista…. que todavía se sigue usando hoy)
“Por otra parte… para indicar que es otra persona la que habla o que la misma persona tocara otro tema.
“Por su parte” ¿Cuál parte? Su parte qué…
»Cabe mencionar o cabe resaltar que… ¿Por qué no resaltar directamente loque hay que resaltar o mencionar?
En otro orden de ideas…. Y porque no plantear ese otro orden de idas sin suponer que el público es estúpido y no se dará cuenta de que se habla “en otro orden de ideas”.
De igual modo…. Dar la información y que el lector o lectora, deduzca con su inteligencia si el dato o la afirmación se desarrolla… en el sentido del cliché.
“Asimismo… planteado como elemento introductorio de reafirmación de una línea de pensamiento… Debemos ser capaces de mostar que es «asimismo» sin tener que antecederlo con el uso del termino .
Con lágrimas en los ojos…. ¿Existen otros lugares desde los cuales salgan esas lágrimas?
“Finalmente… Párrafo final, cuando el público está leyendo que es el mismo párrafo final.
Ante los micrófonos:
El hecho ocurrió tipo ocho y media de la noche /… Ocurrió a las ocho y media de la noche)
Es un tema de impuntualidad…(Es la impuntualidad…)I
Ir por más…. genérico, facilista, muletilla española
Es que, de alguna forma,,,,, el sistema funciona como./El sistema funciona….
Generar sinergias/Lograr uniones/alianzas
La sociedad civil…./¿Alguien conoce la “sociedad militar”?
Poner en valor/Valorar, dar valor
Crear espacios de reflexión/Reflexionar
EXPRESIONES DE INFORMACIONES DE PRENSA QUE
LLEGARON A PUBLICARSE EN PRENSA ESCRITA ENTRE 1970 Y 1985:
El muerto, desesperando, se lanzó a las aguas para evitar las llamas • Poco antes de morir, el occiso todavía estaba vivo
El occiso falleció
El muerto trató de salvarse
Todos los muertos habían adelantado sus vacaciones de Navidad
A los acusados se les ocupó en su poder
El Estado venderá el 50% de las acciones que son del Estad
Todo esto ocurre…. Por no detenerse un momento a pensar antes de redactar o hablar
NOTA DE PRENSA INSTITUCIONAL QUE PUDO HABER SIDO MEJOR ELABORADA
UNPHU y Adompretur firman acuerdo para fortalecer capacitación en el área turística
A través de este acuerdo, la UNPHU impartirá unprograma de cursos, diplomados y talleres avalados por la Escuela de Hotelería y Turismo, los cuales serán creados especialmente para la institución periodística.
Servicio de Prensa
La Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU) y la Asociación Dominicana de Prensa Turística (Adompretur) firmaron un acuerdo de colaboración que tiene como objetivo la formación de recursos humanos, con énfasis en la especialización de periodismo turístico.
El acuerdo, con vigencia de dos años y alcance nacional, fue firmado por el rector de la UNPHU, arquitecto Miguel Fiallo Calderón; y la presidente de Adompretur, Yenny Polanco Lovera.
El rector Miguel Fiallo Calderón expresó que a través de este acuerdo, la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU) auspiciará un programa de cursos, diplomados y talleres avalados por la Escuela de Hotelería y Turismo dirigidos creados especialmente para la institución periodística.
Por igual, la UNPHU se compromete a impartir charlas en Adompretur en el tema que la institución considere necesario para fortalecer los conocimientos de su membresía, y dispondrá el uso de sus salones para la realización de conferencias.
Yenny Polanco Lovera, presidente de Adompretur, expresó su satisfacción por la firma de este acuerdo “que responde a nuestro plan de trabajo prometido de capacitar a nuestros socios de Santo Domingo y las diferentes filiales”.
“Adompretur se compromete a facilitar dos especialistas al año para que impartan charlas a sus estudiantes en las diferentes vertientes del conocimiento de la carrera de Administración Hotelera; también contribuirá con la difusión de las actividades de la Escuela de Hotelería y Turística de la UNPHU”, afirmó Polanco Lovera.
Pie de foto.
El rector Miguel Fiallo Calderón y Yenny Polanco Lovera.
Elín Capellán, el rector Miguel Fiallo Calderón, Yenny Polanco Lovera, Milka Hernández, Salvador Batista, Carmen Luz Beato, Cristian Mota y Gilberto Soto.
El rector Miguel Fiallo Calderón y Yenny Polanco Lovera firmando el acuerdo.\
EJEMPLO DE MAL MANEJO DE ESTA NOTA. PRENSALIBRENAGUA,COM
No es corporativo. Es de los periodistas que lo integran. No depende de anuncios. La gente lo financia. Sueldos dignos y no abultados. Es un caso de cogestión periodística.
Plataforma profesional integrado y dirigido por periodistas con una actitud de apertura a las expresiones sociales, que ha establecido el precedente de que era posible. Su precedencia fue Clave Digital. El cuerpo de periodistas que lo integran es dirigido por Gustavo Olivo Pena y Fausto Rosario Adames. Ha creado una escuela de estilo periodístico en lo profesional y en lo ético.
No basta la corrección de lo redactado
Lo que redactamos puede ser manejado con corrección, con apego a las reglas, logrando que algunos giros redaccionales brillen, pero sin llegar a convertirse en una pieza a ser consagrada en la memoria de sus consumidores. Que no tenga errores ortográficos o sintácticos, no es suficiente. La nota que trasciende es la que deja una satisfacción al ver sentida como lectura fluida y trascendente, aun se trate de un hecho noticioso.
Condiciones para hacer RCI
Formación mediante la lectura de productos informativos y sobre géneros y que, para el caso de los periodistas de turismo, que toquen temas vinculados a la industria, sobre literatura de ficción de calidad, originaria de grandes escritores.
Estudiar la redacción. Leer a los maestros universales de la redacción periodística y en particular a los latinoamericanos y caribeños.
Leer literatura Iberoamericana.
Aprovechar las posibilidades de formación post académica. • Actitud y visión.
La calidad de los contenidos refleja la calidad humana de quienes los elaboran. La redacción de nuestras notas es una expresión de quienes somos como comunicadores.
Los y las periodistas, dependemos para nuestra realización profesional, de la redacción cotidiana de noticias y que, por ser una obligación de cada día, la tentación de hacerlo mecánicamente está siempre presente.
La RCI involucra una mayor formación profesional, la aceptación de una conciencia ética y un afinamiento de la capacidad de concebir el concepto nuevo de lo noticiable.
Redactar como ejercicio narrativo/creativo.
No basta con redactar historias. Redactar es recrear historias. Es referir historias que deben ser conocidas. Redactar es traducir a lengua diaria, hechos, datos, documentos, declaraciones.
Regla de oro para redacción:
Narrar como si le contaras un cuento a tu madre. (Bonaparte Gautreaux Piñeiro/Noti Tiempo)
SANTO DOMINGO. Dos características definen el montaje de la comedia dramática Las cosas extraordinarias: la poderosa fuerza y ternura de su mensaje por la vida y el rompimiento de los rituales establecidos para ir a disfrutar de una pieza teatral.
Las Cosas Extraordinarias (Duncan Macmillan) es un acercamiento íntimo e intimista, agradable y dramático, con un texto clásico moderno, escrito con la sencillez y ternura que ofrece la perspectiva infantil y juvenil ante la depresión, la soledad existencial y el suicidio.
El Bar Juan Lockward del Teatro Nacional, transformado en teatro arena, la protagonista y el público, que es participante directo en el accionar interpretativo, arrojan un espectáculo artístico/escénico que, apuesta a la esperanza, la vida sin temores y en compañía adecuada.
Técnicamente, el montaje es bien administrado, sobre todo en su universo sonoro, preciso y suplementario de las acciones físicas de Rodríguez.
La actuación
Xiomara Rodríguez se luce de nuevo. Pero ahora, las características de la pieza de base, la lleva a otros niveles en los cuales tiene que construir una relación con el público desde antes que la obra inicia.
La pieza es una experiencia lúdica que trasciende lo teatral, fomentando una actitud de vida y esperanza ante los terribles fantasmas de la soledad y la depresión, más presentes en nuestras vidas de lo que uno pueda imaginar,
Xiomara Rodríguez, la protagonista, estará en la entrada y el espacio de actuación, mucho antes de iniciar la función, saludando, entregando material que permitirá que el público participe en la representación.
Es asertiva, pendiente de cada detalle del comportamiento del público, para aprovecharlo con la observación desternillante mediante el gracioso rapport (capacidad de crear una relación) que establece sobre la marcha.
La actuación que es mucho más que el empeño que hacer reír o impactar con el drama del tema del suicidio.
Xiomara Rodríguez por su capacidad histriónica y el valor de sus proyectos, es la más alta expresión de la unidad que en el teatro han establecido el país y Puerto Rico, rol ante el cual se debe reconocer el papel del productor Raúl Méndez.
Las cosas extraordinarias
La lista de cosas ordinarias que presenta la protagonista como forma de defenderse de dramáticas circunstancias en su vida familiar, opera como mecanismo de defensa ante la adversidad, es interesante y conforma una metodología que integra al público activamente y en diversos grados, aportando un enfoque teatral cargado de emotiva genialidad.
La lista es larga, entre ellas Duncan cita:
1- Los helados.
2- Las pelis de Kung-Fu.
3- Quemar cosas.
4- Reír tanto que te salga leche por la nariz.
5- Las grúas de las obras.
6- Las montañas rusas
7- Una buena conversación
8- Que el postre sea plato principal
9-Los discos de pasta
10-Dormir a lo largo en día feriado
Otras cosas extraordinarias no incluidas por el creador del texto:
Simular ser el protagonista de la película favorita
Ver televisión sin el llamado terrible de los padres porque “ya terminó tu tiempo”
Dieta con alimentos deliciosos siempre
Que tus padres digan siempre que si
Arroz con maíz con mulo corto de pollo guisado
Poder escuchar programas de radio con sentido: Kalimán, Tamakum y Tres patines
El primer besito de noviecitos
El aroma del café anunciando que el día inicia
Un dentista que te recibe con una capa de Supermán
Un autografío personalizado de Jack Veneno
El director
Ismanuel Rodríguez, natural de Bayamón, es un artista del teatro que tomó el camino de la preparación académica de nivel, haciendo Cuenta con un Bachillerato Académico Superior en Dirección de Escena por la Universidad de Kent at Canterbury (UK) y maestría en Artes Escénicas en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Hizo su tesis doctoral sobre la puesta en escena puertorriqueña además de impartir clases en la Universidad de Puerto Rico en Aguadilla.
El autor
Duncan Macmillan (1980) es un dramaturgo, guionista y director de teatro británico que comenzó a escribir para el teatro en 2005. Su principal obra como dramaturgo fue su adaptación teatral de la novela de George Orwell de 1984 que, codirigida por Robert Icke y el propio Macmillan y le valió a Macmillan su primera nominación para el Premio Laurence Olivier a la Mejor Obra Nueva.
Las cosas extraordinarias se inscribe en la corriente de teatro para la vida y se transformada en un clásico moderno y ha impactado los escenarios de más de 15 países de vida cultural intensa, desde su estreno en el Fringe Festival de Ludlow en 2013 con la actuación Jonny Donahoe nominado en los Premios Drama Desk y el premio Lucille Lortel.
Ir a verla
Esta producción deberá estar, sin dudas, en las boletas de nominación de quienes premian el quehacer teatral en el país, tanto por la actuación como por la validez social de su tema.
Altamente recomendable. Las cosas extraordinarias seguirá sus presentaciones en el Bar Juan Lockward del Teatro Nacional hasta mediados de marzo. deficitarios de la soledad, la depresión y otros fantasmas. Recomendada especialmente para maestros y psicólogos, en particular.
Ficha Técnica
Título: Las cosas extraordinarias
Director y concepto espacio escénico: Ismanuel Rodríguez
Autor:Duncan Macmillan
Productor General: Raúl Méndez
Productor ejecutivo: Frank Ceara
Regidor de escena: Eddy Ávila
Utilería: Victoria Comas y Perla Batista
Maquillaje: Lusitania Suero
Actuación: Xiomara Rodríguez y el público asistente
Sinopsis: La protagonista tiene seis años. Mamá está en el hospital. Papá dice que ha hecho algo estúpido. Le cuesta ser feliz. Así que empiezas a hacer una lista con las cosas extraordinarias de este mundo. Cada una de las cosas que hacen que la vida valga la pena.
SANTO DOMINGO. El Centro Cultural Banreservas anunció el patrocinio de la I Primera Temporada de Teatro Banreservas 2022, con programa de cuatro obras, y doce funciones en un mes desde el 18 de marzo al 10 de abril en la Sala Ravelo, con entrada gratis para los estudiantes de artes escénicas y dedicada al maestro Iván García.
La Temporada, que será producida y coordinada por Guillermo Cordero, procura convertirse en una plataforma anual de estímulo a la creación teatral del país, mediante el patrocinio y mecenazgo cultural del Banco de Reservas. La programación y logística del evento, que dispondrá de cuatro montajes teatrales de reconocidos directores y agrupaciones de gran trayectoria en el país.
El Banco de Reservas, al asumir este patrocinio, amplía su respaldo al arte y la cultura, expresado en el fortalecimiento de la agenda del Centro Cultural, con las acciones culturales en la pasada Feria Fitur de España y con el patrocinio de importantes eventos deportivos como los campeonatos de béisbol profesional y baloncesto.
El director general de Relaciones Públicas de Banreservas, Wilson Rodríguez, quien valoró el relevante papel que ha jugado el teatro en la historia política y cultural de la República Dominicana. Rodríguez consideró esta iniciativa como una plataforma de gran valor para sus hacedores y protagonistas, quienes por décadas han hecho una labor encomiable para el arte dominicano sosteniendo “a puro pulmón” y con gran esfuerzo, este tipo de propuestas.
María Castillo, en representación de los teatristas participantes, consideró como histórica esta propuesta, que a su juicio es reconocimiento a los que han hecho del teatro dominicano su gran pasión.
Wilson Rodríguez, director de Comunicaciones Banreservas, anunció que a la temporada tendrá libre entrada a los estudiantes de:
Escuela Nacional de Arte Dramático de la Dirección General de Bellas Artes,
Escuela de Teatro de la UASD,
Grupo de Teatro de Intec, • Grupo de Teatro de la Universidad APEC,
Academia de Formación Artística Amaury Sánchez (AFA), y
Grupo de Teatro PUCMM & Carrera de Educación Artística.
La primera obra es “Banco de parque” los días 18, 19 y 20 de marzo, producción del Teatro Mandrágora y la dirección de María Castillo y la actuación de esa maestra y Manuel Chapuseaux, en una reposición que nadie debería perderse por ser una clase magistral de actuación de dos maestros de la escena.
La segunda obra es “La Caracola de Amín”, del Teatro Utopía, con la dirección de Miguel Espinoza y Francisco (Pancho) Rodríguez, los días 25, 26 y 27, con Raquel Rodríguez, Astrid Gómez, Nairelis Ureña, Diana Micardi, Aguis Lora, Renso Mora, Roberto Brown, GeovannyGuareño.
La tercera pieza es “Sin zapatos no hay paraíso» y que va los días 1, 2, y 3 de abril, producida y dirigida por Pepe Sierra y la actuación de Vicente Santos y Richarson Díaz.
La cuarta repreentacion es “Esperando a Godot” se presenta los días 8, 9 y 10 de abril, producción de Patricio León y dirección de Manuel Chapuseaux, con las actuaciones de Patricio León, Pepe Sierra, Omar Ramírez, Noel Ventura y Josué Hirujo.
Interesante la ruta que ha tomado la oferta escénica dominicana de retorno.
Hemos tenido en tablas:
Tras A puertas cerradas, de Jean Paul Sartre por parte de la Compañía Teatral del Teatro Nacional, con la dirección teatral de Carlos Espinal y la musical del maestro Cante Cucurullo.
Metamorfosis, con libreto de Mary Zimmerman y basada en las famosas historias de Ovidio y a cargo de la compañía, dirigida por Carlos Martínez para la compañía joven PuntoZeta.
César…tenemos que hablar, del español Alberto Miralles, a cargo de Basilio Nova con la dirección de Elvira Taveras, para Teatro Cucara Macara, con motivo de los 45 años de Nova en el escenario.
A esta relación de teatro de esencias nobles,, se agrega ahora Deshacer la casa (Sebastián Junyent) para conforma una cartelera que se agradece y que vaticina que el quehacer teatral llega sobre las arcadas de la excelencia.
La oferta actoral la ofrecen dos mujeres (Giamilka Fabián (Ana) y Gianni Paulino (Laura), quien además es productora del montaje por Atrévete S.R.L. responsabilidad en la dirección del veterano Manuel Chapuseaux, que equivale a la experiencia de 45 años sobre las tablas.
Es una obra es profundamente actoral, concebida para que sus dos intérpretes luzcan por encima de los demás recursos escénicos.
Resalta la destreza de ambas para encarnar procesos intensos de una textualidad escrita con cuidado y conocimiento en dominio de la existencia de dos hermanas de temperamentos tan socialmente disímiles.
La dirección de arte resulta exquisita por el cuidado al detalle de la época que retrata: los años 60s, en los cuales se reproduce con fidelidad vestuario, peinados, accesorios, en uno de los primeros éxitos del montaje.
Hay que deshacer la casa es una pieza basada en las actuaciones, en la capacidad de interpretación, en el drama familiar bien administrado y en el caso del montaje que nos ocupa, las dos se lucen, entregando una gama emotiva que cala el sentimiento.
Gianni Paulino logra la que nos parece la mejor de sus caracterizaciones al reproducir el lenguaje corporal, la expresividad y los valores tradicionales que moldean a su personaje, aderezado de actitudes conservadoras.
A ambas actrices las hemos visto por separado en otros montajes, pero ahora, juntas, logran ese rictus de afinidad y química y nos dejan una experiencia escénica cargada de color emotivo y buenos giros.
Fabián llega a escena y la llena con su actuación, buen manejo de su voz que nos envuelve. Tiene manejo y poder sobre ese instrumento, para dejar que transcurra el texto de drama de Sebastián Junyent, salpicado de un humor efectivo a pesar de que no es la punta de lanza del montaje.
Una escenografía ofrece la sala hogareña con signos de recogida para mudanza, con sus paquetes, cajas nos prepara la entrada de las actrices.
Gianni Paulino, Manuel Chapuseaux, Giamilka Román en Hay que Deshacer la Casa. Atrévete. srl
Por buena causa
Las presentaciones de la obra, financiarán el operativo Volver a Sonreír, en favor de los adultos mayores para dotarlos de prótesis dentales. La obra seguirá todos los días de esta semana a las 8 y 30 de la noche. Las entradas las vende Teatro Nacional, la Fundación Atrévete y Uepa Tickets.
Hacer vigente el Teatro de la Esperanza, ese que nos ofrece la vuelta al rapor indefinible del actor frente al espectador, no es tarea sencilla.
Ese que representa una vuelta al hecho teatral impecable y firme que hacer arder lo escénicamente superficial que demanda simultáneamente de un hondón de condiciones conformadas por criterio, sentido, capacidades estéticas, disposición de trascender el facilismo escénico y, sobre todo, actitud de marcar el alma del espectador, con cada parlamento bien escrito, con cada gesto preciso, con cada manera de llenar la mirada y el ánimo, de un perfume que por escaso es en sí mismo valioso, es cuanto acaba de lograr la compañía de teatro del Teatro Nacional con este hecho dramático, escrito por Sartre en 1943 y que ha dado al teatro moderno el mismo escalón a la galería de sus trascendencias.
A Puerta Cerrada (Jean Paul Sartre,) es la principal obra de teatro existencial del agudo filósofo francés, y que estableció en el imaginario popular su concepto de que “El infierno son los otros” es la propuesta con que se lanza oficialmente la compañía de teatro del Teatro Nacional, supone mucho más que el debut de un cuerpo actoral que nos impresiona por la intensidad y capacidad de adaptación a las propuesta de libreto mayor.
Esta versión dominicana se une a las galas de las versiones presentadas desde 1944 a 2019 en espacios tan prestigiosos como el Teatro Eliseo, (Roma en 1945); Teatro de la Comedia, (Barcelona, 1948); Teatro Poliorma, de Barcelona, 1967); le Théâtre des Mathurins, (Paris 1956); e, Theatron Espacio Escénico, (Monterrey, 2016) y el Teatro San Jerónimo, (México, 2019) para solo citar algunos de los escenarios que se han honrado en montarla. Puertas Cerradas es un punto infaltable en todo buen repertorio teatral de prestigio internacional. Ahora nos tocó a nosotros disfrutarlo, en medio de las condiciones de un teatro existencial de la esperanza y del llamado de la vuelta a la escena.
La selección de la pieza tiene el oportuno sentido de un director teatral que apuntó con exactitud cuál pieza elegir para que se estableciera para este 2021, como la producción que debe marcar la escena nacional dominicana, tanto por su trascendencia internacional como por los elementos artísticos y técnicos.
A Puertas cerradas es un montaje que superara la capacidad de sus actores, músicos y otros artistas que participan. Es teatro que desborda de sí mismo.
A Puertas Cerradas, es trascendente aun cuando implique elementos que pudieron ser mejores, como el uso (dos veces) de la expresión coloquial “? En serio?” que intenta ser una modernización de los parlamentos pero que ofrece un innecesario sabor de cliché post modernista, tan incensario como el sello a lugar común que implica. Sartre nunca escribiría “?En serio?” por lo que sin dudas, alguien se dejó colonizar el pensamiento con una frase extraña al discurso esencial de una pieza.
Las actuaciones
En algunos parlamentos trastabillan algunos vocablos que debieron salir con pronunciación muy limpia, pero afortunadamente no ni frecuente ni se constituye en factor de molestia, compensado por la excelente vocalización dramática que exhiben los cuatro intérpretes en general.
Patricia Ascuasiati vuelve a revelar su capacidad actoral (que nos impresionó gratamente por la fuerza con que introduce en La Gunguna,-2015- filme fundamental dominicano), tomando con maestría el universo gestual y vocal de El Camarero con movimientos y una esquemática vocal precisa, marcial y lúgubre.
José Lora (Checho) tiene oportunidad de sacar desde sus pasillos interiores, el actor de carácter que nos ha escamoteado por años tanto el teatro musical como la producción televisiva de entretenimiento. Está rico y denso en su Garsín.
Ana Rivas (Estella) reitera la fortaleza con que acomete sus desafíos actorales y se nota como disfruta la facturación filosófica de sus parlamentos, actuando justo como personaje de contrapeso y de interrelación con los demás de su elenco.
Sabrina Gómez Garden, muy diversa en sus expresiones de arte, encuentra en el teatro de este nivel, la meta precisa a la que debe llegar. Provocadora, insistente, seductora, la Inés que ofrece es personaje de contracultura que tiene a su cargo la otra perspectiva de la sexualidad establecida como “normal”. Nuestro consejo es que deje todo lo demás. Lo suyo es actuar visceralmente.
Escenografía y otros recursos
Con una bien lograda escenografía hermética de un habitación sin ventanas, con una sola puerta, definida por líneas rectas, con los efectos especiales para proyectar en las paredes, pinturas clásicas sobre el infierno con musicalización en vivo (tuba, trompeta y piano), con un vestuario, peluquería y maquillaje de gusto preciso.
La obra se había estrenado en París, en mayo de 1944, justo tres meses antes de la liberación de la ciudad durante la Segunda Guerra Mundial, victoria que se alcanzó el 25 en agosto de 1945, cuando el teatro volvía a demostrar que era capaz de ser en las peores circunstancias y a juzgar desde sus escenas a cuanto ocurría más allá de las puertas del teatro.
Fechas, horario y boletas
Las presentaciones son de jueves a domingo, durante julio, en la Sala Ravelo del TN .Jueves y viernes a las 4:00 p.m. /sábados y domingos a las 11 de la mañana y 4:00 p.m. Boletas a la venta en la boletería del Teatro Nacional. Entrada general mil pesos, con descuentos (30%), por mayoría de edad (65) y descuentos por tener una o dos dosis de las vacunas, hecho que hay que documentar.
Al final del montaje, un emocionadísimo director (Carlos Espinal) describe lo que represento el trabajo de montar la pieza.
El valor de la pieza
A puerta cerrada es un texto dramático de tendencia existencialista, del filósofo francés Jean Paul Sartré. Es una de las obras que ha estado en las tablas de los principales teatros de Europa y América y ha tenido cuatro adaptaciones al cine: Huis clos (1954), (Jacqueline Audry); A puerta cerrada (1962), (Pedro Escudero); No Exit (1962), (Tad Danielewski) y No Exit (2006), (Etienne Kallos
Ficha Técnica
Dirección General: Carlos Espinal
Dirección Musical: Dante Cucurullo
Banda sonora: Daniel Hernández Gracia (Trombón) Juan Junior García (Tuba) Dante Cucurullo (Piano)
Iluminación: Roberto De León
Encargado de Producción: Amaury Esquea
Asistente de Director: Ramón Emilio Candelario
Diseño de iluminación: Roberto De León
Sonidista: Michael G. Jiménez Galán
Maquillaje: José Navarro
Traducción para República Dominicana: Ana Rivas
Escenografía: Track Stage Projects Teatro Nacional Eduardo Brito Carlos Ortega
Tramoyas: Eusebio Santos Reyes Jonás Abreu
Escultura: Patricia Ascuasiati
Vestuario y Estilismo: Teatro Nacional Eduardo Brito
Modisto: Rolando Antonio Rosario Pontiel (Antony)
Elenco: Sabrina Gómez (Inés) Ana Rivas (Estella) José Lora (Checho) ( Garcin) Patricia Ascuasiati: (El Camarero).
Dejar de ver A Puertas Cerradas, funciones que se desarrollan con un estricto protocolo de distanciamiento, sería dejar de disfrutar el que probablemente sea el mejor ofertorio teatral del 2021.
Con la sorpresiva partida de Julio Samuel – Jimmy Sierra – El Teórico-, el país pierde una de las personalidades más talentosas, emprendedoras y que incursionó creativamente en la mayor cantidad de expresiones del arte y la cultura, tanto que su obra se perfila como inabarcable en detalles.
Sus restos mortales serán velados desde primeras horas en en Capillas La Paz, de Funeraria Blandino de la Avenida Abraham Lincoln, informaron Omar de la Cruz y Julio Aníbal Suarez, dos de sus grandes amigos. Allí su familia, encabezada por su esposa, Luz Albania Gómez Ramírez y su hijo Samuel Sierra Gómez, recibirán el pesar de amigos del intelectual fallecido.
Jimmy Sierra ha partido a los 75 años, haciendo dedicado de más de seis décadas a la gestión cultural, el cultivo de las letras, del cine, de la investigación y divulgación histórica y a sentar notables precedentes: redactó en 1975, el primer proyecto de Ley Nacional de Cine, aporto tres documentales de la historia contemporánea dominicana, escribió y presentó la primera obra teatral musical, abriendo el genero que posteriormente se ha desarrollado, entre otras precedencias. En el velatorio de su obra, uno de los aspectos más destacados es la calidad de sus contenidos de ficción, al ser un cuentista, fino, detallado e inspirador por la belleza formal y la intencionalidad trascendente de sus trabajos.
Leonel, el gra amigo
Leonel Fernández, quien convivio durante años con Sierra en Villa Juana, sector capitalino del que ambos son oriundos, destaco que era su mejor amigo, el ser que en la cultura le estimulo a la lectura, la investigación y el disfrute del arte, en especial del cine. Fernández recibió clases y motivación social e intelectual de parte de Sierra, en las aulas de la Academia La Trinitaria. Leonel lo considera su maestro y amigo de primera mano.
Cuando se estudia la extensión, profundidad y calidad de la obra de Jimmy Sierra, la pregunta surge sola: ¿Cómo le fue posible a una sola persona desarrollar una labor tan amplia, diversa? Y es una pena que se reconozca la labor integral positiva de alguien, cuando justo se ha ido.
El de Jimmy Sierra es un caso excepcional. Su inclinación por la vida cultural y socio-política se inicia a los 14 años, 1958, cuando fundó un grupo juvenil opuesto a la dictadura de Rafael L. Trujillo y se extiende hasta 2017, cuando publica el Diccionario de la Literatura Dominicana.
Sus amigos Julio Aníbal Suárez y Omar de la Cruz, destacaron tanto la creatividad, el talento y las múltiples facetas, como su calidad humana, procedente de los más nobles sentimientos de la izquierda idealista y pura. Una larga trayectoria
Los medios escritos, por obvias limitaciones de espacio, le han dedicado entre dos y ocho párrafos, a su partida y su obra, pero la trayectoria de Sierra resulta mucho más extensa de lo que se cree. Fue un precursor en varias dimensiones.
A continuación, un resumen, por áreas de actividad, de las experiencias que deja este hombre extraordinario: Escritor: Con Fernando Sánchez Martínez y Antonio Lockward, publica Bordeando el río, con prólogo de Pedro Mir (1969). Obtiene el primer premio del concurso del cuento brevísimo, de la revista mexicana El cuento, con la narración “El hombre que se convirtió en bien de consumo (1975). Publica El mester de la ironía, narraciones con el prólogo de Narciso González (Narcisazo) (1977), La ciudad de los fantasmas de chocolate, narraciones basadas en la Ciudad Trujillo de los años 50(1986), texto que reeditara en 1996 y en el 2009. Fue escritor del capítulo dominicano de la enciclopedia Los cines de América Latina, en colaboración con Guy Henebele y Alfonso Gumucio Dragón (1980) y los Cuentos de Papá Leche (2003 y 2007). Productor radial: Produce el programa La Nueva Voz, vocero del Movimiento Cultural Universitario por Radio comercial, con las voces de Onofre de la Rosa y Coralis Ramírez y José Rafael Sosa (1970); Contacto en FA, con la colaboración de Domingo de los Santos y Rafael Reyes Jerez (1974); Contacto en Re, programa que hace adaptaciones de obras de Guy de Maupassant, Oscar Wilde, Juan Rulfo, Gabriel García Márquez, Julio Cortázar y Juan Bosch. Desde el MCU, creó los primeros premios anuales al arte popular progresista (1974) evento precursor de las grandes premiaciones posteriores (El Dorado, Casandra y Soberano). Era un listado de ganadores en Música, Radio, Literatura y otras, que se entregaba a la prensa y que era muy esperado por los artistas y escritores. El hombre que atrapaba fantasmas, mini serie radial de seis horas de duración, sobre los crímenes del trujillismo. Este trabajo estuvo vetado por siete años, saliendo al aire mutilado en 1987.
Productor de TV: Con la colaboración de Narcizo González (Narcisazo) y la actuación de Don Rafael Gil Castro, produce Memorias del padre José Miguel, para el Canal Tele Antillas (1988). Realiza Catalino el dichoso, primera telenovela dominicana, con el rol estelar de Ángel Mejía, de la cual produjo una segunda parte: En la boca de los tiburones (1991). La historia se escribió así, cápsulas de TV con efemérides dominicanas y que fueron difundidas por RTVD y Color Visión entre 1996 y 1997. Ganó el Premio El Dorado, como mejor producción cultural y lo rechazó, al igual que un reconocimiento en teatro de parte de ACROARTE, en la primera parte de los Premios Casandra, declinándolo en favor del director teatral Rafael gil Castro, al entender que lo merecía más y no era tomado en cuenta por la crónica de farándula. Docente: Profesor de la Academia La Trinitaria, de Villa Juana. En 1976 ingresa como profesor en la UASD, en la que impartió docencia 21 años en los Departamentos de Ciencias Políticas y Artes. Dictó centenares de conferencias y talleres sobre temas culturales en todo el país. Periodista cultural: En 1960, al ingresar al liceo Eugenio María de Hostos funda el periódico El crítico del Primero E. Fue autor de las columnas La historia se escribió así. Publica las series de crónicas: Arenga, Cartas a Fremio, La guerra de la propaganda, la serie Yo estaba Allí, publicada en el periódico “El Sol”, de 365 capítulos, que más tarde llevará a la televisión. Igualmente, bajo los seudónimos de Sebastián de Lorena, Esmeraldo Paz y Lamberto Mesa, escribe artículos para El Nacional y El Sol. Sus artículos fueron publicados recientemente por el digital www.acento.com.do Gestor Cultural: Fundó la organización Club Estudiantil de Jóvenes Amantes de la Cultura (CEJAC) (1962). Dirige el Movimiento Cultural Universitario (MCU) (1966), en el que realiza el Primer Festival de la Cultura Popular y la I Exposición de Artes Plásticas en la Calle. En 1973 fundo el Comité Pro Instituto Nacional de Estudios Cinematográficos (CINEC) (1972) y posteriormente el Circuito Popular de Cine, que comenzó a llevar el séptimo arte a los pueblos más apartados del país. Elabora el primer proyecto de Ley Nacional de Cine (1975), cuando nadie pensaba en el cine como industria. Funda el Comité Pro Adecentamiento de los Medios de Comunicación Masiva (CAMECON), que combate las diferentes aberraciones, principalmente, en la radio y la televisión (1976). Con Jimmy Sierra, la industria del cine tiene una deuda impagable, por su visión precursora. Teatro y dramaturgia: Funda el grupo Proyecciones, presentando sus obras Mambrundia y Gasparindia y Yyí Aya Bombé (1975). De particular trascendencia fue Duarte Musical (1976) que escribe y produce la pieza que introduce el teatro musical en el país y en la que participaron Julio Sabala (guitarra y voz) y Guy Frómeta (percusión).
Inicia, con la colaboración de Reynaldo Disla y Aquilés Julián, el teatro callejero, en que participaron más de veinte grupos (1979), quienes compilaron los proyectos y creaciones de Sierra para la enciclopedia virtual mundial Wikipedia. Cineasta: Precursor del cine dominicano, con los documentales Primero de Mayo, Viacrucis, 7 Días con el pueblo, presentados en premiere en el Cine Olimpia (1974), a la cual asistimos. La Joya del inmigrante, realizado en España y Francia (2000) se traslada de París a con actores españoles y dominicanos. Lilís, la primera película histórica dominicana (2005) y El caballero de la medianoche, triller policíaco (2007), ambos filmes tuvieron opiniones muy críticas de parte de la prensa especializada. Documentales: Su principal proyecto es el Curso de Historia Audiovisual de la República Dominicana, Viaje al Centro de la Historia (2004) de diez horas de duración, en formato de DVD, en la cual colaboraron más de 30 de los historiadores (2004). Ese proyecto no ha sido igualado posteriormente. Y lo grande es que no se valoró su importancia en el tiempo debido. Otros documentales: Historia de los medios de comunicación, Las Letras y la Literatura de la Diáspora; Historia del Teatro Dominicano, Historia de las Artes Visuales. La historia se escribió así. Cuando llegaron los americanos (1982). Adapta el cuento Ahora que vuelvo, Ton, de Rene del Risco (1983), para ser el primer productor de radio que resalta la trascendencia de ese cuento del autor petromacorisano. Recorrió 50 pueblos del país, en los que hizo igual cantidad de documentales de un minuto de duración (2002). Un actor en busca de un personaje, sobre Víctor Pujols, quien falleciera dos años antes (2012). Los árabes en la Hispaniola, sobre los aportes de estos inmigrantes, que fue realizado en Jordania, Israel, El Líbano, Palestina, Haití y Santo Domingo (2013). Fotonovela: Ulises Hereaux, Lilìs: sangre, papeletas y cartas de amor (1993) y Una tragedia moderna, sobre las consecuencias del sida (1994). Comics: “Paquito de la Revolución (1984).
No siempre ocurre. No es común que el curso de los hechos en torno al teatro, escapan del esquema conocido, saltan sobre las propuestas de su mercadeo comercial, siendo más que lo que ofertan y que obvian el facilismo de tener en su elenco a figuras con prestigio transferido y se encamina a lograr el milagro de presentar lo que nunca antes se ha visto, se enrumba en violar las normas tradicionales del orden sucesivo de los parlamentos que se producen uno sobre el siguiente contrario a lo establecido en las cátedras de interpretación teatral.
La pieza concluye mañana sus presentaciones en la Sala Ravelo. No es teatralmente saludable, perdérsela.
Suele pasar que, a veces, el teatro abandona sus rutas acostumbradas y hace penetrar su estilete afilado, necesario y doloroso en nuestras cicatrices y nos hace ver la realidad propia, enunciada por dos personajes creados en la imaginación pero que reflejan la trágica cotidianidad de millones de parejas, aun cuando no siempre se encuentra quien levante el drama a una puesta en común. Es un teatro que, con la excusa del espectáculo, nos hace encontrarnos con el lado no vendible de nosotros mismos. El Tao del Sexo(Ignacio Apolo y Laura Gutman, Premio Casa de las Américas, 2012) nos sorprende por su novedad, por su fuerza de lo escenográficamente inédita, por su impronta estética, que rompe esquemas de figuración y que revisa normas elementales tenidas en la academia como inviolables. Como montaje teatral. El tao del sexo e uno de los cinco mejores en el país, presentados hasta el momento.
Francis Cruz (Eugenio) y Kenia Liranzo (Malena), una pareja teatral que se une por vez primera en escena, evidencian fidelidad al texto de Apolo y Gutman, autores del empeño dramático que se luce en la sala Ravelo, a pesar de tener solo un fin de semana de funciones, que concluye mañana domingo 8 de marzo, no casualmente Día Internacional de la Mujer, porque en su esencia, la trama recorre el mundo invisible y subjetivo de una mujer que se sabe ignorada por los mandatos de un patriarcado que no la enfoca como sujeto de atención por lo que sobrevienen la soledad y la búsqueda de compensaciones circunstanciales.
Cruz y Liranzo, que se pisan mutuamente en sus diálogos presentados circularmente cada vez con ritmos e intenciones distintas, siendo los mismos, para convencernos como público del ciclo de laberintos sin salida, ni luces. Ambos violan los principios que aprendimos en la Escuela de Teatro y que mandan a nunca “pisar” los diálogos de los otros personajes, pero la forma en que lo hacen, las tonalidades que logran en cada vuelta son distintas, asertivas y ofrecidas como parte de espectáculo signado por su valor y su inteligente.
La dirección
La clave de este éxito radica en la dirección de Manuel Chapuseaux novedosa, enérgica y matizada por una actitud de creación que le recuerde los proyectos del inicio, los de antaño, cuando no se era una ficha reconocida de la industria y su nombre tenía una ventaja: añadía atractivo comercial a cualquier presentación escénica, sin restar valor a sus montajes comerciales, que al final, son teatro dulcificado, pero teatro.
La calidad de Chapusaux como director, a partir de experiencias como El tao del sexo, reafirma los principios que dieron origen a una actitud y que afirmaron una carrera marcada por el deseo de transmitir acontecimientos tomados de la realidad, para hacer valido el propósito del teatro: comunicar historias en el tono mejor del arte de la escena.
La obra
El Tao del Sexo es la segunda obra teatral del dramaturgo Ignacio Apoloy fue escrita junto a la psicoterapeuta familiar argentina Laura Gutman. Apoloes un dramaturgo, escritor y docente argentino, titular de Dramaturgia en la Escuela Magistral de Arte Dramático, profesor en el Diplomado en Dramaturgia de la Universidad de Buenos Aires.
La pieza fue el Premio Internacional de Teatro de Casa de las Américas en 2012 y en 2014 obtuvo del Premio Instituto Nacional de Teatro, de Argentina. Laura Gutman es psicóloga, terapeuta familiar autora de una docena de libros de altas ventas en Estaos unidos y América Latina.
El teatro es terrible. El trabajo escénico vuelve a hacer de las suyas y a demostrar su capacidad de hacer justicia propiciando el necesario encuentro artístico con la realidad.
Cambumbo más que un monólogo teatral basado en un personaje real y legendario, y además de su calidad como espectáculo escénico, es el primer acto de reivindicación social negado a un personaje por muchas epidérmicas e hipócritas razones, el reconocimiento que merece un ciudadano, y artista, cuyo nombre fue Miguel Antonio Echavarría Vanderhorst (Tony).
VIDEO DE MARGARITA BRITO, CRONISTA DE ARTE. (you tube)
Es un montaje que reubica en las actuales generaciones el subestimado rol de un precursor del arte popular alternativo, en un tiempo en que había que tener mucho temple para romper las barreras sociales, raciales y homofóbicas que se le interponían y que se atrevió a vencer simultáneamente prejuicios e hipocresía, a tiempo que establece un código de ética y unos estándares selectivos de la concurrencia que podía penetrar a su espacio, el restaurante El Lirio ubicado calle Américo Lugo del Ensanche La Fe donde celebraba el Lunes Social de Tony Echavarría, según refieren Carlos T. Martínez y Joseph Cáceres Mateo.
El espectador está frente a un montaje marcado por una seria investigación de antropología social, cargado de originalidad y dotado de un noble sentido de justicia a una vida memorable.
El monólogo se lleva a escena con inteligencia, estética, criterio y credibilidad y apelando a un talento artístico que, como Franklin Soto, tiene un merito nacional que debe igualmente ser reconocido. Mucha gente a nivel popular ha sabido de el por un anuncio de gaseosa en los cines.
Franklin Soto, artista de múltiples talentos, logra su mejor actuación teatral, en una producción que puede ser disfrutada más de una vez y que continua en cartel en el Bar Juan Lockward del Teatro Nacional, el próximo fin de semana.
Soto, responsable de la creación de una marca cultural nacional – el Grupo Bonyé , fenómeno musical y lúdico que provoca, en las ruinas de San Francisco y otros espacios, llenos de público que busca el auténtico sabor y el ritmo del son- , logra salir airoso en la misión de encarnar la vida de un singularísimo personaje de la vida bohemia que supo transformar su modesto punto de encuentro nocturno y bohemio.
El actor parte de un estudio de la gestualidad, las entonaciones, los matices de la voz y los modismos coloquiales, llenando el escenario del espíritu de Cambumbo, con la misma gracia e irreverencia de quienes eran sus habitues reconocidos. Se debe destacar la labor de asistencia actoral de Xiomara Rodríguez, que se siente viva en escena.
Cambumbo: Su vida
Miguel Antonio Echavarría Vanderhorst, o Tony Echavarria, alias «Cambumbo», relata Cáceres Mateo en su página www.merengala.blogspot.com , nació en Santo Domingo, poco antes del inicio de la dictadura trujillista, el 29 de septiembre de 1926.
Falleció el 1 de enero de 1993 y fue un referente del espectáculo nocturno de Santo Domingo. Se inició en el arte como cantante de la orquesta de Antonio Morel, en los años 40. Formó con Olga Moscoso la famosa pareja de baile Olga y Tony, «La pareja del cachet», favorita del Palacio Radiotelevisor La Voz Dominicana y de los centros nocturnos más famosos de los años 50.
Humorista, locutor y dueño de la sensibilidad propia de los artistas, y uno de los héroes que comandó un grupo LGBTQ en la revolución del 24 de abril del 1965. El comando B-3 que lideró Tony Echavarría (Cambumbo), integrado por homo y hereterosexuales, se distinguió por el arrojo y la valentía de sus miembros frente al invasor norteamericano.
En los años 70 fue víctima de una agresión armada que se dice le hizo un hijo de un jefe de la policía, producto del cual sufrió un balazo que le dejó paralizado el brazo derecho, lo que sin embargo no le impidió hacer sus shows. Ficha técnica
Cambumbo ¿Qué lo que pasa aquí? … Nah!!!
Adaptación y dirección: Ramón Santana
Actuación y dramaturgia: Franklin Soto
Coach actoral: Xiomara Rodríguez
Producción general: Raúl Méndez y Lulu Ceballos
Fotos publicidad: Karoline Becker
Imagen publicitaria: Toneb Castro
RRPP: Pazt Guerrero (CLAP)
El estreno de Amada de la noche, dirigida por Ramón Santana, supone concretar novedosas prácticas del teatro de plazas comerciales, – sobre todo en materia de la gestión del patrocinio- y en los nuevos desafíos artísticos y técnicos alternativos
El teatro de las plazas abre espacio a las destrezas histriónicas y la versatilidad del discurso escénico, en un trayecto que puede apuntar tanto éxitos como desfases.
Amada de la noche (adaptación de la comedia y triller 2 Segundos antes del crimen, del periodista y dramaturgo venezolano Gustavo Ott, escrita en 1986 y estrenada en Caracas en 1991), constituye una apuesta para poblar de publico el teatro identificado como The Alley (¿Qué fascinación encontraran en titular en ingles lugares de uso hispano?).
Amada de la noche no es una obra típicamente cómica para provocar una carcajada tras la siguiente, presentando gags a ratos. Un aspecto positivo es el respaldo en patrocinios, que debería ser norma para lograr que el resto del teatro de valor artístico tuviera el mismo trato. (una de las mejores obras en cartel. El Inconveniente, de Juan Carlos Rubio, en Las Máscaras, tiene una hojita como programa de mano y a Banco de Reservas como único patrocinador).
La representación tiene como sus fuertes en el texto mismo, el ambiente de suspenso que crea y en las actuaciones de Olga Bucarelli (Consuelo y Santa), Oscar Carrasquillo (Eduardo) y María Angelica Ureña (Amada).
Bucarelli muestra porque tiene justificación su título de maestra del teatro, dejando clara la huella de una actuación que trasciende sobre el resto. Carrasquillo evidencia que su talento no es fruto de una casualidad fílmica. Ureña, como personaje del sacrificio central, nos ha sorprendido. Es consistente, expresiva, a pesar de algunas exageraciones producto del entusiasmo actoral haciendo a Amada.
En el resto del elenco se percibe sobre actuación innecesaria y falta de colores en su gama interpretativa, un tono excesivamente alto, alterado además por una sobre modulación de los sistemas de amplificación.
Es claro una disociación entre el espacio y la reproducción de sonidos y música, de la cual hay mucha de fondo que simplemente sobra y que opera como muletilla, rol que debieron cumplir las actuaciones para crear el efecto de expectación por recursos más naturales. Santana hizo concesiones de un precio muy alto para su prestigio como director joven y prometedor.
Nos desagrado el uso de recursos extremadamente comerciales (como el semi desnudo de Elizabeth Sinai en el sofá que busca vender taquilla y se queda corto). La joven actriz es buena por lo que no necesitaba el recital impropio de su desnudez.
Para una interacción divertida, sostenida y cargada de interés, la obra vale el esfuerzo de ir a The Alley, en Donwtonw Center.
Se trata de un buen proyecto que además muestra , adicionalmente, como lograr el respaldo empresarial que siempre debe tener el teatro, cuando menos hasta que entre en vigencia la Ley de Mecenazgo Cultural.
Ficha Técnica
Titulo: Amada de la noche
Adaptación de 2 segundos antes del crimen, de Gustavo Ott
Dirección: Ramón Santana
Producción general: Lowensky Natera
Producción artística y diseño escenográfico: Marcos Malespin Estévez
Música: Joel Aneudis Jawell
Elenco: Daniel Sarcos (Paco), Olga Bucarelli (Consuelo y Santa), Lowensky Natera (Mauricio) Oscar Carrasquillo (Eduardo) y María Angélica Ureña (Amada) y Elizabeth Sinai (Pili).
¿Cuál ha de ser la misión más importante del artista de la escena: ¿producir una gran obra, tener el mejor criterio para seleccionar los contenidos a montar o garantizar la formación de las nuevas generaciones que darán continuidad a milagro de una inolvidable relación entre público y artistas en el entablado?
Tras las lágrimas y la emoción que embargan al espectador con la última escena del musical Fama, queda claro que los tres objetivos superiores del arte escénico, no son mutuamente excluyentes y que pueden ser posibles
Jam Academy entrega con garbo al escenario del musical una nueva generación de talentos. Emocionan el mensaje, la sincronía y la expresividad plástica de estos muchachos. Estimulan la perfección de sus habilidades al canto, afinados, sensibles, fuertes o intimistas giros del tono al interpretar los pasajes del drama de superación de los propios limites cuando de formarse como artistas de la escena se trata.
Representando en la relanzada, tras casi once años de abandono irresponsable, sala Manuel Rueda de la Escuela Nacional de Arte Escénico que ha quedado perfecta, acogedora, cómoda (y a la que solo le hace falta una fumigación que la deje libre de mosquitos).
Fama, con música original de Steve Margoshes, libreto de Jose Fernández y letras de Jacques Levy, se ubica en New York entre 1980 y 1984, presentando el ambiente de jóvenes que se preparan para para triunfar mediante su entrenamiento en la High School of Performing Arts (Escuela Superior de Artes Interpretativas).
La personificación de sus juveniles personajes por parte d estos chicos y chicas, toma por sorpresa al espectador que no sabe con que se va a encontrar: una impecable ejecución de los giros de la danza pop, una armonía coral durante las canciones colectivamente interpretadas y unos solos de vocalistas de varones y hembras, que cargaron de emoción y sensibilidad todo el ambiente.
Jam Academy y su directora, la soprano y actriz norteamericana Elizabeth Lenhart, ha cumplido un papel tan necesario como insustituible: dotar al país del relevo artístico que requieren las mas altas exigencias de un género escénico demandante.
Lo que han logrado estos jóvenes con Fama, y la semana anterior los niños y preadolescentes con Hair Spray, tiene una trascendencia para nuestro arte de las tablas, que trasciende el momento.
Drama, amor, canto, teatro y comedia unen sus recursos para ensenar que todo es posible si se une la voluntad con la preparación. Todo se puede alcanzar. Esa es la gran enseñanza de Fama.
Esta noche me embarazo es versión criolla de un éxito teatral desde su lanzamiento como libro y como montaje en 1996 en Costa Rica, titulado originalmente Baby Boom en el paraíso por su su autora, la actriz, dramaturga y narradora costarricense Ana Istaru, logra entretener y hacer pensar sobre uno de los procesos más diferenciadores de la condición de mujer: el embarazo.
Como texto orientado a exponer el drama y dilema existencial de una mujer que desea quedar embarazada, la obra teatral se apoya en una escenografía simplificada y efectiva que apoyan las acciones interpretativas.
La pieza ha logrado exitosos montajes en trece países latinoamericanos, España y Francia, en los cuales, a pesar de haber transcurrido los 24 anos de su estreno, cuando el discurso feminista se ha reconvertido, mantiene su vigencia.
El montaje de Esta noche me embarazo, sale adelante entregando un excelente recorrido de humor y mensaje al público, dejando sentir que la mano de una veterana como Niurka Mota, se encuentra tras todo el hecho que nos trae a Sala Ravelo.
Josema Rodríguez – Diego- y Karl Hatton – Suegra-) entran para personificar roles que en otros mensajes están a cargo de la actriz principal en tono de monologo, la pieza ha logrado dar la principalía que merece Evelina Rodríguez -Ariana-.
Rodríguez, protagonista del drama La Extraña (Cesar Rodríguez, 2013) y con una trayectoria de comedias teatrales que juguetean comercialmente con el tema de género y la subordinación de las mujeres, toma en serio su papel, se mete en la piel de Ariana (personaje fabulado por la autora) y representa con detalles el trayecto ora traumático, ora cuesta arriba para la mujer que decide reproducir la especie.
La actriz, dramaturga y narradora costarricense Ana Istaru, FOTO DERECHOS RESERVADOS
Aprovecha la caracterización para desplegar sus capacidades interpretativas delineando la inmensa soledad en compañía que enfrenta en el trayecto de su deseo más inminente: quedar en cinta. Lo hace en el terreno que hace frontera entre sarcasmo, humor negro e ironía, manteniendo la precisión la fisiología del embarazo como proceso de posibilidades.
Jose Manuel Rodríguez cumple con su papel, impacta al público con su gracia, pero queda por debajo de las densas oleadas dramáticas que ha sabido entregar sobre todo cuando ha hecho sus monólogos, alejado de los esquemas predecibles de la comedia comercial. Pasa el examen, pero de Josema Rodríguez, requerimos notas sobresalientes.
Karla Hatton reitera, con gracia, sus parlamentos y recrea las directrices de la suegra malvada, de la cual brotan luces de humor y sarcasmos.
Esta noche me embarazo ofrece un notable encuentro con el teatro del humor y el pensamiento. Se esta presentando en la Sala Ravelo, del Teatro Nacional. Si puede verla, no se la pierda.
