Películas sobre náufragos hay muchas y son un referente del cine. Tienen su complejidad. Esas producciones exigen demandan visión, criterio claro, valor y persistencia.
En 1920, cuando Paul Valery publicó El cementerio marino y entregó a la humanidad su inspirada figura: “La mar, la mar siempre recomenzando!”, apenas se estaba acercando al insondable tema de las aguas relativamente infinitas del océano, su inmensidad, su continuo movimiento, su fuerza, su valor como origen y fuente de riqueza, el desafío al peligro y la soledad que involucra, ha fascinado, encandilado y inspirado a artistas y creadores de la poesía, la narrativa, la plástica y el cine, por solo citar cuatro fundamentales aspectos de la creatividad humana.
El naufragio, con su infinita relación de historias de supervivencia ha sido una constante aportación de temas al cine, desde que, en 1944, Alfred Hitchcock dirigió Naufrago, ¿iniciaba? la categoría de supervivencia marina.
Los dramas de supervivencia tienen una notable capacidad de captar la atención del espectador de cine, que se ve involucrado en sus condiciones de soledad, incertidumbre y esperanza.
Baste recordar las actuaciones de Robert Redford en Cuando todo está perdido y Tom Hanks convirtiendo a una vieja pelota de fútbol, en su amigo Wilson logrando una emocionalidad positivamente paródica en la historia de la interpretación de cine.
Luego seguirán, a partir de una selección panorámica sin demasiado detalle: Robinson Crusoe (1954, Luis Buñuel); La Aventura del Poseidón (1972, Ronald Neame); Titanic (1997, James Cameron. La tormenta perfecta (2000, Wolfgan Petersen), Náufrago (2000, Robert Zemeckis), La vida de Pi, (2012 Ang Lee), Cuando todo está perdido (2013) J. C. Chandor y In the heart in the sea (2015, Ron Howard).
Es un notable el desafío de rodar películas en el mar, (o en lo que el espectador cree que es el mar) y hacerlo con poco personal, arriesgando el riesgo de aburrir si quienes están ante cámara no son excelentes intérpretes.
Ahora llega La encomienda
Su planteamiento es directo: Un marinero y su rehén sobreviven al naufragio de un barco de tráfico humano. Abandonados en medio del océano, estos hombres deberán sobrevivir a la intemperie y las causas que los unieron. Y a partir de ese concepto, se produce la magia.
La encomienda es un thriller, coproducción domínico argentina, dirigida por el argentino Pablo Giorgelli, a partir de un concepto original de Ettore D’Alessandro, Pablo Giorgelli y Adrian Biniez, singular aporte en el camino de la alta definición de la marca nacional del cine.
Realizada en el tanque de agua de estudios Lantica, La encomienda La encomienda ser solo un excelente producto del cine nacional (para esta oportunidad coproducción con Argentina), pero no (como diría Pedro Mir), porque involucra enseñanzas, orgullos y mensajes que excedan el anuncio de su estreno y propuesta en la cartelera.
No cometa el error de decir: ‘Pero eso no parece hecho aquí” porque si lo es y sí estamos en capacidad como nación de cine, de lograr expresiones en pantalla de este nivel.
Se trata, en primer término, de uno de los mejores ejemplos de la dinámica “ganemos todos” al ser una coproducción que conjuga el afinado criterio de guión y dirección de la tradición firme del cine argentino, con la capacidad logística y técnica de las instalaciones cinematográficas para hacer cine de nivel internacional.
Con La encomienda, Lantica y sus productores se tomaron en serio el desafío de rodar en plena pandemia (2020), y entregar una película que no puede medirse solo por su resolución en pantalla.
Es un proyecto valiente, desarrollado con criterio y que ha de dejar lecciones y experiencias prácticas para el talento técnico dominicano en este singularísimo modo de hacer cine en condiciones marinas, factor que representa uno de sus principales patrimonios.
Su dirección impecable, su fotografía, la edición, la dirección de arte, su banda sonora, muestran conciencia de un quehacer artístico y técnico que define un proyecto que se diferencia de aquellos en los que la calidad se entrega a medianía de cuadra.
Se trata de la mejor actuación protagónica de D’alessandro, un italiano que cuenta con una tradición de cine hecho en el país, pero que no había alcanzado el nivel interpretativo, la intensidad y la afinación que alcanza en La Encomienda
Su coprotagonista, es un actor debutante, Henry Shaq Montero García, del cual se tiene muy poca información, pero que demuestra su talento en pantalla.
La encomienda es una experiencia de cine que recomendamos con entusiasmo.
FICHA TÉCNICA
Título: La Encomienda; Dirección: Pablo Giorgelli; Categoría: Ficción; Rodaje: 2020; Países: RD-Argentina; Duración: 102 minutos; Género: Drama; Realizada en: Pinewood RD Water Tanks: Lantica Media / Ecah Film / Tarea Fina; Producida por: Rafael Elías Muñoz, Ettore D’Alessandro, Juan Pablo Miller; Producción ejecutiva: Albert Martínez Martín, Carolina Encarnación, Juan Pablo Miller; Guión: Pablo Giorgelli, Adrian Biniez, Ettore D’Alessandro; Historia original: Ettore D’Alessandro, Thomás Vilorio; Fotografía: Diego Poleri; Edición: María Astrauskas; Diseño de Producción: Lorelei Sainz; Diseño de Maquillaje: Atabeyra Cordero; Diseño de Vestuario: Ferdinando Erbetti; Reparto: Ettore D’Alessandro, Henry Shaq Montero, Marcelo Subiotto.
El anuncio del Día Nacional del Cine para este sábado 8 de octubre de 2022, propuesto en el país por Caribbean Cinemas y aceptada por Palacio del Cine, cadenas que han proclamado ofertas de boletas a un 50 %, (no incluye salas digitales especializadas). ¿Es celebración nacional o solo una estrategia de mercadeo?
La asistencia al cine, se ha restituido. La gente ha vuelto al cine y al parecer, la iniciativa es un reconocimiento o gratificación para incrementar la fidelidad, porque es un público que ha vuelto a pesar de la la disponibilidad cada vez más creciente de las plataformas de “streaming” y el efecto paralizador de la pandemia Covid 19.
Zumaya Cordero, directora de operaciones de CC, indica que el Día Nacional del Cine Dominicano se ha impulsado desde la esfera privada, como un incentivo y una gratificación a los cinéfilos y las familias que han demostrado que la proyección en pantalla gigante es una opción favorita de entretenimiento y vía aprendizaje y disfrute cultural y artístico.
Es como un Viernes Negro, pero en pequeña escala y con mayor control de las rebajas. Este día tiene su raíz en la declaración en ese sentido de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas = sugiriendo el Día Mundial del Cine, para que los cinéfilos de todo el mundo celebren sus películas favoritas y fomentar un vínculo cercano con los miembros de la Academia y los cineastas, a través de las redes sociales.
La primera celebración de esta efeméride se llevó a cabo antes de la 92ª entrega de los Oscar, en el año 2020 y se celebró por primera vez el 15 de febrero de 2020, con el objetivo de homenajear el poder que tienen las películas para inspirar y conectar a las personas en todo el mundo.
Este Día Nacional del Cine no es una declaración oficial institucional y en cambio es una acción proactiva de mercadeo que busca recompensar la gente que ha devuelto al cine su perfil de entretenimiento favorito de familias y personas, seducidas por la sensación que únicamente el cine produce, de vivir otras vidas, de ejercer el derecho a ver otros mundos y situaciones de ficción, del gusto por la aventura, la ilusión, la inclinación por las verdades detalladas que ofrecen artísticamente los documentales. Las estadísticas económicas que arroja
El cliente dominicano acepta en buena medida, el cine. En 2018, La República Dominicana se convirtió en el líder en Latinoamérica, en cuota del mercado del cine propio con un 21%, superando a países como Brasil, Argentina, Chile y Perú.
El cine EUA copa las pantallas de Iberoamérica. Fuente : Panorama Audiovisual Iberoamericano. 2020.
De la misma manera, es el líder en Iberoamérica con un 26.4%, dice el Reporte Audiovisual de ese año de la Entidad de Gestión Colectiva de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA).
Si una dimensión artística e industrial ha experimentado profundos cambios, representando una actividad que ha sido espacio, en su etapa de arranque real (desde 1995 con Un Pasaje de Ida (Agliberto Meléndez) para producciones malas, regulares y buenas, la creación de la Dirección General de Cine, el 13 de junio de 2011, sustituyendo a la Dirección Nacional de Cine (DINAC); el gran cisma: la Ley Nacional de Cine 108-10 y sus expresiones industriales, de autor, de arte, de variados géneros, de la diversificación en esos géneros, de las películas que generaron estereotipos y de las que van demostrando como se configura el potencial de la marca cinematográfica dominicana.
Fuente: Cuenta satélite de Cultura. Banco Central y Ministerio de Cultura (2016)
La Cuenta Satélite de Cultura del Banco Central y el Ministerio de Cultura (2016) y ahora reactivada para obtener información actual, revela la preferencia del público dominicano por la asistencia al cine, y su opción por las películas nacionales.
Los precedentes
Primera película técnicamente realizada : El cine dominicano propiamente nace con el estreno de Un pasaje de ida (Agliberto Meléndez), -, no “Pasaje de ida” como se repite tantas veces, con la que se establece el precedente de la primera película técnicamente cualificada como tal, producida en base a los criterios profesionales de la industria y que fue estrenada el jueves 18 de febrero de 1988, quien para hacerla hipotecó su carro (Peugeot) y su casa (un apartamento del sector de Naco, en Santo Domingo. Fue el disparo de salida del cine.
Primera película comercial:New York: ¡Por Fin Llegó Balbuena! (1995, Ángel Muñiz ), que fue protagonizada por el comediante Luisito Martí. Su director creó un modelo de comercialización y mercadeo que sigue influyendo aún hoy. El estreno se produjo en Palacio del Cine, a partir de una plataforma de mercadeo caracterizada por la creatividad. Dos años más tarde, Muniz dirige Nueba Yol 3: bajo la nueva ley (1997) y ese mismo año Pericles Mejía produjo Cuatro hombres y un ataúd (1997) una comedia que pudo haber tenido una mayor incidencia, pero la falta de promoción y mercadeo, entre otros factores, limitaron su espacio. Para entonces, no había Ley Nacional de Cine.
Documental adelantado a su época: “Camino al Pico Duarte” (1982 Claudio Chea), supuso un encuentro y alerta contra la deforestación, mezclando la fotografía del paisaje, el discurso científico y el testimonio campesino, adelantando que, en materia de cine, el país tenía talentos con sentido responsable del quehacer fílmico.
Primer Taquillazo inesperado.Andrea (2005, Roger Bencosme), realizada como una película de suspenso y misterio, resultó tomada por el público como comedia de terror y con una excelente comercialización por parte de Palacio del Çine. Su director murió hace unos meses.
Primera comedia que inicia el interés industrial por el género: Sanky Panky (2007, José Enrique Pintor), protagonizada por Fausto Mata, con un excelente criterio de realización. Tuvo muy buena aceptación y despertó el interés de otros cineastas y productores por acudir a la comedia como género comercial.
Fortunato: emprendedor que populariza el documental. René Fortunato, con su primer proyecto de documental histórico La trinchera de honor (1988) estrenado en los cines Triple, Cine Doble, Cine Bolívar y Palacio del Cine, se adelantó tecnológico a su tiempo: adoptó el video tape como base tanto para el rodaje como para la proyección en sala, que hasta ese momento, era solo reservada para el formato celuloide de 35 ms. venciendo la resistencia de los cines y además estableciendo en el gusto de la gente, el deleite del documental, cuando la tendencia era la de preferir el cine de evasión de origen norteamericano. Hizo La trinchera de honor sacando tiempo libre de su trabajo como productor de Santo Domingo Invita, el espacio televisivo creado por Negro Santos, quien le ofreció facilidades para el desarrollo de su rol de documentalista. El crea un modelo que continuará luego su saga “Trujillo: el poder del jefe”, con tres ediciones desde 1991-1996; “Balaguer: la herencia del tirano”, en 1998; “Balaguer: la violencia del poder”, 2003; “Abril: la trinchera del honor” (nueva versión) y “Bosch: presidente en la frontera imperial”.
Primer estudio de cine profesional: Lantica, (fundado como Pinewood, franquicia de los estudios ingleses) en Juan Dolio en 2013 en una época de mucho menos perspectiva de auge cinematográfico, con los estándares internacionales para este tipo de instalaciones, a partir de una inversión privada y que hoy día se ha convertido es el más importante y que acoge producciones internacionales y muchas de las nacionales, comerciales, de arte e independientes. Mucha gente pensó que como era una inversión de una familia super poderosa y notablemente empresarial, el estudio estaría destinado a ofrecer servicios a proyectos comerciales internacionales y hasta se le atribuía un rol político de derecha o francamente conservador, pero la práctica ha demostrado, al poner al frente del equipo a profesionales como Rafael Elías Muñoz Jr. quien ha servido para impulsar, entre otros lineamientos de producción, lo mejor del cine dominicano, incluso a aquel socialmente cuestionador.
Primer estudio de cine independiente: Quitasueño (Ángel Muñiz. y Miguel Ángel Muñiz.) Este estudio abrió sus 40 mil metros de terreno e instalaciones especializadas, para acoger numerosos proyectos de cine ofreciendo facilidades sobre todo a los cineastas jóvenes dominicanos. Posteriormente, la familia Muñiz. Inauguró Estudios Pulpo, de post producción, con tecnología de punta y que se ha convertido en un referente para la producción. Ángel Muniz es el cineasta de mayor capacidad de solidaridad para con sus colegas, ofreciéndoles respaldo de su estudio, abriendo posibilidades de reivindicación a algunos que tenían un prontuario de malas películas. Es un artista.
Primera película dominicana profesional hecha para difusión gratis por Youtube: Y a Dios que nos perdone (Ángel Muniz), creando un precedente histórico.
El estudio de cine independiente más reciente: La Casita de Producciones, fundado por Alan Nadal Piantini, con una propuesta de producciones dotadas novedad,
Primera película dominicana multi-historias: Motel con la producción de Alan Nadal Piantini, quien desde La Casita de Producciones. Motel es un proyecto que debe tener una oportunidad para ser visto y reconocido.
Documental histórico dominicano de mejor terminación y mayor inversión en producción: Santo Domingo, Primada de América (José Enrique Pintor)
Instituciones vinculadas a la industria: Dirección General de Cine (DGCINE) que ha desarrollado un papel fundamental desde sus inicios como “muchacho nuevo del barrio” cuando Don Ellis Pérez le tocó instalar nacional e internacionalmente el propósito fílmico dominicano tanto para productores nacionales como para producciones internacionales que nos tienen como destino de rodajes. Es una figura histórica del espectáculo, del turismo y de la industria.
Fue sucedido por Ivette Marichal que amplió la esfera de acción, multiplicó la llegada de productoras internacionales y mantuvo en respaldo a la industria local, logrando notables éxitos entre los cuales destacan los Congresos nacionales de cine.
La tercera directora DGCINE Marianna Vargas Gurilieva, trazando una línea coherente de promover y regular las facilidades que establece la Ley Nacional de Cine, promulgada por el gobierno de Leonel Fernández. La labor de DGCINE. Vargas Gurilieva es una profesional de alta cualificación académica con trayectoria especializada corporativa.
Asociación de Profesionales del Cine (ADOCINE), que representa a quienes hacen cine y monta el Premio La Silla;
Asociación Dominicana de Actores de Cine (ADAC)
Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (ADOPRESCI), entidad profesional que desarrolla su premio de la crítica de cine (con tres ediciones) y que ha considerado a Cocote (2020, Nelson Carlo de los Santos) como la mejor película dominicana de todos los tiempos.
Festivales y muestras de cine:
Festival Global de Cine Santo Domingo, dirigido por Omar de la Cruz, de la Fundación Global Economía y Desarrollo,
Festival Internacional de Cine Fine Arts y Festival de Cine Hecho en Casa, ambos montados por Caribbean Cinemas).
Muestra de Cine Todo Cine. Todo Dominicana creado por la Embajada Dominicana ante el Reino de España, en el marco del Mes de la Dominicanidad, a propuesta del entonces consejero cultural Víctor Ramírez, actor, coreógrafo, bailarín y gestor cultural, que inició en pequeño y que se ha fortalecido en numero de películas y calidad.
Festival de Cine Dominicano en NY, fundado en 2012 por Armando Guareño, bajo el lema Contando Nuestras Propias Historias, el DFFNYC. Guareño, es un gestor del cine dominicano que ha persistido en fortalecer el evento.
Hay festivales parciales o especializados como el de Cine LGTBI y el Festival Libélula de Cortos.
Hay eventos académicos bien establecidos, como la Semana más corta, de la Escuela de Comunicación de la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra y el Festival de Cine Medioambiental Dominicano.
También esta la Muestra de Cine del Colegio Loyola, enmarcado en su Semana Cultural.
Festivales desaparecidos:
Festival Internacional de Cine de Santo Domingo, fundado en 1999, por Silvano Lora y Arturo Rodríguez, creado desde la Escuela de Cine de la UASD.], que trajo al país importantes títulos. A poco de iniciarse, las dos cabezas del evento se separaron por razones ideológicas y temperamentales.
Muestra Internacional de cine de Santo Domingo. Inició en 1999, Arturo Rodríguez a la cabeza y Carlos Francisco Elías, Luis Jiménez, Félix M. Lora, Lidia Bastos, Sócrates Mckinney y Humberto Almonte. La muestra fue viendo salir a sus principales soportes en un proceso que le dejó bastante huérfano de apoyos. Es propiedad de una Fundación por lo que es imposible que otras personas lo relancen. Ojalá vuelva.
RedDoc, especializado en documentales.
Festival Mujeres en Cortos. Se presentaba en Cinemateca Dominicana. Ojalá lo relancen.
Festival de Mujeres Cineastas, montado por Unidad de Género de INTEC.
República Dominicana se unió desde la noche de este miércoles 5 de octubre, a las naciones del mundo que conmemoran los 60 anos del inicio de la saga 007, la que creo un genero fílmico, estableció una serie de referencias originales en pantalla.
La saga de James Bond, con sus 25 películas, ha provocado el aplauso, la admiración y hasta le envidia de hombres y mujeres ante la elegancia amigable y arrogante, (que inicio machista y que ha evolucionado a una relación distinta y justa con las mujeres) del famosísimo agente secreto inglés, originado en la literatura novelada creada por Ian Fleming.
La retrospectiva en Palacio del Cine, comenzó por donde debía: Dr. No fue la película que inició todo: desde un diseño fílmico con características únicas y que dio origen, con su premiere la noche del 5 de octubre de 1962, a las películas de los agentes secretos, a la magia de los Bond que tiene ya 25 producciones, la saga más larga del cine, iniciando a la conmemoración dominicana de los 60 años del nacimiento de un símbolo fílmico que sigue, al día de hoy, emocionando, millones de personas y que abarca casi ya cuatro generaciones.
Más de cien personas acudieron anoche, convocadas por Palacio del cine y la distribuidora HAL-2046 a una celebración que hace del país, el único destino del Caribe que se ha unido a la conmemoración de las seis décadas del agente 007. El ciclo retrospectivo se ha montado con el apoyo de los estudios MGM y el respaldo de Park Circus y la productora EON.
Guillermo Ascencio, gerente general de Palacio del Cine, sostuvo que el desarrollo de este ciclo, honra el origen de James Bond, una franquicia que establece una categoría en el cine, la de los espías, e invitó a las proyecciones que serán una diaria en varios horarios.
Luis Jansen de HAL-2046 Films expresó que esta casa distribuidora está enfocada en trabajar con proyectos emocionantes y alternativos para proveer variedad de contenido a los dominicanos.
César Santana, de @informejamesbond, página dominicana de Instagram y blog especializado ambientó al público sobre las características de esta película de origen del famoso agente secreto británico “al servicio de su majestad” previo a que el público pasara a la sala 4 a disfrutar de la proyección. La página de Santana de Instagram especializada en James Bond: https://www.instagram.com/informejamesbond/?hl=es, es la que más seguimiento ha dado en el país en sus once anos de existencia. También tiene un blog: https://informejamesbond.blogspot.com/
¿Por qué el 5 de octubre?
La primera novela protagonizada por el espía británico, Casino Royale, se publicó en 1952 y gozó de un considerable éxito comercial. Le siguieron once novelas y dos colecciones de relatos breves entre los años 1953 y 1966, cuyas tramas giran en torno a la figura de James Bond, oficial del Servicio de Inteligencia Secreto y comandante de la Royal Naval Reserve, al que también se le conoce por su código, 007.
El éxito de las novelas y los relatos fue tal que diez años después de Casino Royale dio el paso a la gran pantalla. Oficialmente, el primer Bond fue Sean Connery.
El debate eterno es en torno a cuál de los actores ha sido el mejor Bond.
En 1961 EON Productions, la productora oficial de la franquicia de James Bond, comenzó a trabajar en ``Dr. No», una adaptación de la novela del mismo nombre. El resultado fue un éxito y es la película que inició una serie de 25 películas de un gran impacto cultural a nivel mundial que hoy está celebrando su 60 aniversario. (Fuente: https://www.ambito.com/espectaculos/james-bond/dia-mundial-que-se-celebra-el-5-octubre-n5551056).
Importancia de Dr. No:
El 5 de octubre de 1962 tuvo lugar la premiere en Londres del primer film de la saga, «Agente 007 contra el Dr. No», ante una concurrencia de 712 personas selectivamente invitadas, pertenecientes a la industria del cine, los círculos de alta sociedad y miembros del gobierno inglés.
Dr. No fue producida con un bajo presupuesto y fue un éxito financiero. Mientras que la reacción crítica al tiempo de su lanzamiento fue mixta, con el tiempo la película recibió una reputación como una de las mejores de la serie, siendo la primera de una larga serie de producciones protagonizadas.
Dr. No inicia un género, el de los “agentes secretos» que floreció en los años sesenta.
La secuencia de títulos altamente estilizada estableció una norma estilística infaltable en las siguientes producciones, creada por el diseñador de producción Ken Adam.
A diferencia de las películas posteriores, se desarrolla en una sola locación nacional: Jamaica. No tiene una serie de puntos geográficos de grandes ciudades a ser recorridos.
Las tomas interiores fueron realizadas en los Estudios Pinewood, de Londres.
Uno de los aportes de Dr. Bond es que muestra la tecnología de los espías del momento, ahora un tema casi arqueológico a la luz de los avances del espionaje moderno.
Bond reivindica el sentido del humor inglés: sarcasmo e ironía.
Como cinta originaria, Dr. No establece las características originarias de la saga: desde los elaborados créditos hasta la imprescindible mirada a través del canon de un arma que apunta al agente 007, quien dispara y se ve correr la sangre en pantalla.
Como cine, presenta fallos e incongruencias, que el público y la crítica perdonaron con bondadosa actitud.
Una de las escenas más icónicas estableció un referente: Úrsula Andress, (Honey Ryder) saliendo con su bikini blanco de las aguas del mar, en una época recatada y normada por la moralidad de la época.
La voz de Andress fue doblada por Nikki van der Zyl y su voz de canto doblada por Diana Couplan, actuaciones en off que no fueron acreditadas.
Santo Domingo. –República Dominicana estará entre los países que conmemorán el 60 aniversario de las películas James Bond, con la presentación en Palacio del Cine, desde este miércoles 5 de octubre de once producciones de la saga.
La presentación ha sido montada por la empresa de distribución de obras cinematográficas HAL-2046 Films. Cada día se ofrece una producción distinta del agente secreto al servicio de su Majestad.
La serie James Bond tiene, explican los organizadores de HAL-2046 Films, tiene un encanto especial. Es la mas conocida, simbólica y extensa producción de espías a partir de la literatura, (las novelas de Ian Fleming) y que ha experimentado cambios y adaptaciones en el transcurso del tiempo, desde el imaginario del macho cabrío que salvaba damiselas gritando por ayuda, para configurar heroínas y antagonistas femeninas de tremenda letalidad, para citar solo uno de los aspectos que han cambiado.
Las películas de James Bond forman la serie británica de adaptaciones al medio audiovisual de películas de espías basado en el personaje de ficción del MI6, el agente James Bond, «007», que originalmente apareció en una serie de libros de Ian Fleming. Es la serie continua de películas más larga en la historia del cine, después de haber iniciado la producción desde 1962 hasta el presente (con un paréntesis de seis años entre 1989 y 1995).
Derechos reservados
Eon Productions, es la productora oficial de la franquicia Bond, que ha producido 25 películas hasta la fecha, la mayoría de ellas en los estudios Pinewood. Con un bruto combinado de más de $ 6 mil millones hasta la fecha, las películas producidas por Eon constituyen la cuarta serie más taquillera de películas en la historia, por detrás de las películas del Universo cinematográfico de Marvel, Star Wars y el Universo cinematográfico del mundo mágico (las películas de Bond son las más taquilleras de la historia si se representan los efectos de la inflación).12 Seis actores han retratado a 007 en la serie de Eon, el último de ellos Daniel Craig. (Wikipedia)
La cartelera y los horarios son:
Dr. No / Mierc 5: 9:40 PM
From Russia With Love / Jueves 6 / 5:00 – 7:20 – 9:35
Goldfinger / Viernes 7 / 5:20 – 7:35 – 9:45
On Her Majesty’s Secret Service / Sábado 8 / 7:00 – 9:45
The Man With The Golden Gun / Domingo 9 / 7:00 – 9:40
Octopussy / Lunes 10 / 7:00 – 9:40
The Living Daylights / Martes 11 / 7:00 -9:45
Goldeneye / Mierc 12 / 7:10 – 9:45
Casino Royale / Jueves 13 / 7:00 – 9:45
Skyfall / Viernes 14 / 7:00 – 9:45
No Time To Die / Sab 15 / 7:20
La retrospectiva de James Bond une al país a los actos a nivel internacional que se realizan para conmemorar el 60 Aniversario de este personaje en el cine. Las boletas pueden ser adquiridas a través de la página web de Palacio del Cine: palaciodelcine.com.do o directamente en la boletería del cine.
Sobre HAL-2046 Films
HAL-2046 Films es una empresa con sedes en República Dominicana y Canadá, establecida para brindar a los productores una alternativa atractiva para agregar valor a sus proyectos cinematográficos, a través de la gestión de distribución y ventas; de manera que los productores enfoquen sus esfuerzos en lo que mejor saben hacer: Crear.
HAL-2046 indica que procura establecer relaciones de negocios que beneficien a los proyectos presentes y futuros del catálogo de la empresa, y siendo la única representación de la Industria Dominicana, HAL-2046 formó parte del prestigioso Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) 2022, permitiendo a sus clientes una presencia exclusiva en dicho festival.
La jornada mundial
La jornada en el mundo, llamada 60 anos con James Bond, será conmemorada en muchos países , incluyendo una subasta en Londres y otras ciudades de 60 lotes icónicos que celebran las 25 películas de la franquicia.
La subasta física tendrá lugar en Londres el 28 de septiembre, mientras que la subasta en línea se llevará a cabo desde el 15 de septiembre hasta el Día de James Bond, el 5 de octubre.
Entre los artículos más codiciados estarán un Aston Martin DB5 perteneciente a Sin tiempo para morir y cuyo valor estimado es de 2 millones de libras.
Habrá hasta 25 lotes de Sin tiempo para morir y otros seis que representarán a cada uno de los actores que han interpretado a 007: Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig.
Santo Domingo, La Entidad de Gestión de los Derechos de los Productores Audiovisuales Dominicana (EGEDA DOMINICANA), representante de los Premios Platino para la República Dominicana, anunció que la X edición se celebrará el 22 de abril de 2023, en Madrid, España.
Indica Egeda Dominicana que, tras nueve años de reconocida trayectoria, la décima edición del galardón promueve y reconoce las mejores producciones de 23 países iberoamericanos.
La imagen del Premio Platino ha sido renovada y adaptada a los nuevos formatos digitales y festejará por todo lo alto la consolidación por una década, de grandes logros cinematográficos de la región.
Indica que Los Premios PLATINO han sido, además, una plataforma de cohesión y cooperación que promueve las coproducciones internacionales, y que aúnan a los grandes talentos de las industrias para ensalzar a las producciones y creadores más destacados a través de veintidós galardones y un Premio PLATINO de Honor.
En los corrillos de cine dominicano reina gran entusiasmo debido al crecimiento de la calidad de la marca nacional de la industria.El país el pasado 2021, en las nominaciones finales, no logró ninguna selección oficial. Se obtuvieron 11 menciones en lista larga y cuatro en la lista corta.
EGEDA DOMINICANA informará las precandidaturas de los filmes participantes en las diferentes nominaciones de la premiación.
El año pasado 11 películas dominicanas resultaron preseleccionadas y cuatro pasaron a la llamada lista corta, resaltando cada vez más el posicionamiento del cine local en festivales, mercados y grandes escenarios internacionales.
Conoce más sobre Premios Platino y el acontecer del mundo audiovisual y cinematográfico dominicano visitando https://www.egeda.do/ y @egedadom.
Sobre EGEDA DOMINICANA.
La Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales Dominicana (EGEDA DOMINICANA) es una sociedad de gestión colectiva incorporada de conformidad a lo establecido en la Ley No. 65-00 sobre Derecho de Autor, que representa a los productores audiovisuales y cinematográficos dominicanos y extranjeros en la República Dominicana. Para más información acudir a la página web https://www.egeda.do/
Sobre Premios Platino
Los Premios Platino del cine iberoamericano son unos galardones creados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA ESPAÑA) en colaboración con la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (FIPCA), Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE), Latin Artist.
El evento es apoyado por los institutos de cine, para reconocer a los profesionales de la industria cinematográfica iberoamericana.
Su primera edición se celebró en abril 2014 en Panamá, la segunda en el Starlite Festival en Marbella, la tercera fue montada en Punta del Este (Uruguay) , la cuarta edición en la capital de España, Madrid, la quinta y la sexta en Playa del Carmen (Hotel Xcaret, Zona turística de Cancún, México), la séptima entrega fue virtual en 2020 por la pandemia Covid, y la octava y novena se montaron ambas en Madrid.
PARIS. Francia, “Pepe, la imaginación en el tercer cine”. proyecto cinematográfico del director dominicano Nelson Carlo de los Santos Arias, ganó el Premio del Fondo de ayuda al cine del mundo, tras la evaluación de los guiones que le fueron presentados provenientes de múltiples naciones.
El Centro Nacional Francés de la cinematografía que por primera vez en la historia del Fonds Aide au Cinéma du Monde (que da subvenciones y ayudas a directores de cine extranjeros), ha reconocido a un proyecto dominicano y caribeño.
Aide aux cinémas du monde es el fondo, gestionado por el CNC y el Instituto Francés, dedicado a las coproducciones internacionales.
Este fondo fue creado por el Ministerio de Cultura y Comunicación y el Ministerio de Asuntos Exteriores y Europeos, gestionado por el Centro Nacional del Cine e Imágenes Animadas (CNC) y el Instituto Francés.
Se trata de un fondo selectivo que otorga subsidio antes o después de la finalización. En 2021 contaba con un presupuesto total de 6,4 millones de euros. Se concede a proyectos de largometrajes extranjeros que buscan el apoyo de coproductores franceses. En 2021, cuenta con un presupuesto total de 6,4 millones de euros. Cada año se organizan 4 sesiones, apoyando así unos 50 proyectos.
Escena de Pepe. de Nelson Carlo de los Santos Arias. FOTO DE LA PRODUCCION .
Quienes lo hemos tratado, sabemos que es un pensador denso cinematográfico que cuestiona, por ejemplo, los criterios de selección de festivales como el de Cannes, que optan por seleccionar películas latinoamericanas en las que se borda visualmente la que llama “pornografía de la pobreza” evitando proyectos que formulen un pensamiento propio, a nivel o incluso superior, al de cineastas consumados en Europa o Estados Unidos.
El director dominicano es un creativo talento de la dirección, que ha desarrollado una concepción propia de sus temas, actores y enfoques, procurando establecer nuevas maneras de abordar la realización cinematográfica.
Previamente, Pepe había ganado el importantísimo World Cinema Fund con los Fondos de los países (ACP) (África, Caribe y Pacifico), informó su productora Monte y Culebra SRL.
Pepe es una coproducción dominicana-colombiana-mamibia-alemana que ha obtenido fondos de escritura de Hubert Bals, Holanda e Ibermedia.
La película se centra en el hipopótamo asesinado en el 2009 en Puerto Berrio, Colombia, primero en desterrarse de la manada salvaje que se formaría luego de que en el año 1981, Pablo Escobar trajera ilegalmente a tres de ellos, para su zoológico personal. Hoy estos animales son aproximadamente sesenta y cinco y constituyen la única manada salvaje fuera de África.
Pablo Lozano, vocero de la productora del filme, Monte y Culebra SRL, explica que tiene además el apoyo del Instituto Tecnológico de Santo Domingo (INTEC) y de las empresas dominicanas de servicios cinematográficos Lone Coconut, Kcettes Pro, Pulpo Post y BKT-Financial Advisory.
Pepe fue uno de los proyectos seleccionados por el Fondo World Cinema Fund, del Festival Internacional de Berlín (Berlinale), en conjunto con la Fundación Federal para la Cultura y en cooperación con el Instituto Goethe, el Ministerio de Relaciones Exteriores y los productores alemanes.
Cocote obtuvo los premios:
Selección Oficial en el Festival Internacional de Cine de Panamá, premio que llevó la cinta al Festival de Cannes;
Leopardo de Oro del Festival de Locarno, considerado uno de los eventos de primer nivel en el mundo.
Premio a la Mejor Película en la Competencia Latinoamericana del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata -este fue compartido con la brasileña Baronesa, de Juliana Antunes-,
Premio FEISAL de la Federación de Escuelas de Imagen y Sonido de América Latina) a Mejor Largometraje Latinoamericano dirigido por realizador menor de 35 años -Mejor Director-,
Premio a Mejor Director en el Festival Internacional Pachamama Cinema Fronteira, de Brasil, y
Premio Especial de Jurado en el Festival Internacional de Cine de Lisboa & Sintra, presidido por el cineasta canadiense David Cronenberg,
El reparto lo conforman Vicente Santos, Judith Rodríguez, Yuberbi de la Rosa, Pepe Sierra, Isabel Spencer y José Miguel Fernández, entre los profesionales de la actuación y una relación de actores naturales, entrenados durante meses. Cocote fue producida por Fernando Santos Díaz y Lukas V. Rinner, con la coproducción de Argentina, Alemania y Qatar.
La filmografía de De los Santos Arias incluye:
Santa Teresa y otras historias
Pareces una carreta de esas que no paran ni los bueyes.
El Ciclo de Cine Centroamericano que proyecta el Centro Cultural Banreservas termina mañana jueves 30 a partir de las siete de la noche con la película costarricense El baile de la Gacela, del director Iván Porras.
La coproducción fue apoyada por el Programa Ibermedia – y el Fondo para el Fomento Audiovisual y Cinematográfico “El Fauno” del Centro de Cine – 2015, ganadora del Premio Nacional de Artes Audiovisuales Amando Céspedes 2018, a la Mejor Dirección.
El baile de la gacela es una producción audiovisual del director Iván Porras Meléndez que narra la historia de Eugenio, un hombre cuyo sueño es ganar, en un concurso de bailes tropicales, el trofeo que nunca alcanzó cuando jugaba fútbol. Eugenio, a sus 72 años, se enfrentará a sus propios prejuicios y a los de su familia al cambiar el «balón por el salón».
El pasado jueves fue proyectado el documental de Nicaragua 1,2,3…a bailar!, del director José Wheelock (2016), que impactó al público dominicano por su mensaje cultural y en favor de la niñez con discapacidades.
La embajadora Iris Acuna, sostuvo que el documental de Wheelock, une tres historias personales para lo cual se vale de la música y el danzar folclórico.
La diplomática nicaragüense destacó que el documental expone tres historias, a partir de la comedia Bailete, del género musical/teatral, el Güegüense. interpretada por pobladores de Diriamba del Departamento de Carazo.
Rienzie Pared Pérez, asesor del Centro Cultural Banreservas refirió que el cine de Nicaragua tiene una tradición en documentales que incluye Los amantes de San Fernando (2001), de Peter Torbiörnsson, El inmortal (2005) y Palabras mágicas (2012), ambos de Mercedes Moncada, así como Heredera del viento (2017) de Gloria Carrión, todos basados en hecho relativos a la revolución sandinista.
La proyección de 1,2,¡3 a bailar! impactó positivamente en el público que llenó el auditorio del Centro Cultural Banreservas.
Iris Acuña agradeció el respaldo de las demás embajadas centroamericanas involucradas en el ciclo por iniciativa delCentro Banreservas, y sostuvo que el de Nicaragua es un pueblo sencillo, amante de la cultura y el baile».
El documental presenta el baile de los negros y entre ellos está Pedro René, el maestro de danza que recorre mercados vendiendo telas para ganarse el sustento; una improvisada escuela de danza, unos niños, marcados por la discapacidad, dan pequeños pasos de bailes que se convierten en grandes saltos para sus vidas y a Inés y Domingo, vestidos con esmero para bailar en la Casa del Obrero.
El sociólogo y asesor cultural, Dagoberto Tejeda, quien expresó que este documental es un cuadro fiel del movimiento cultural nicaragüense y destacó la importancia de esta manifestación artística y cultural en la pasión por baile expresada en la delicadeza y generosidad de sus personajes sin excepción de géneros.
¿Cuántas veces el cine cumple con excelencia su rol de ser la plataforma de ilusiones, sueños, realidades y bellezas, presentadas como nunca antes se han visto?
Cuando se anunció el reestreno de la épica fantasía fílmica Avatar, (2009), mucha gente se preguntó, ¿Qué sentido tendría reponer una producción ya vista hace 13 años?
Avatares la película más taquillera de la historia con una recaudación de $2,847 millones de dólares en todo el mundo y por eso tiene sentido para la industria, explotar las secuelas y poner en movimiento, con la película terminada, su poderoso músculo mercadológico y ponernos a girar en torno a sus imágenes para llenarnos sumisos a la taquilla del cine.
Claro que se trata de una afinada estrategia de promoción comercial para lograr que las masas acudan en diciembre a ver Avatar, El Camino del Agua, pero en materia de cine, no solo cuenta el aspecto mercantil. Hay involucradas capacidades de soñar, el estandarte de las ilusiones, la necesidad humana de la fantasía.
Cierto que, en el fondo, el sustrato obvio: el claro mercadeo de una mercancía industrial. Cierto que llegarán contenidos de prensa cargados de adjetivos, de récord mundiales de taquilla, y que todo, de modo preciso, está destinado a producir ventas de boletas en diciembre, pero…. no es tan simple.
El cine es industria, pero no solo industria. Es arte y es reservas de una memoria emotiva cinéfila para la cual el recuerdo y la ilusión valen más que los insaciables apetitos comerciales de los grandes estudios de Hollywood.
Porque reestrenar por reponer, sin añadir nada a cambio, en principio no tiene sentido.
Pero no es el caso de esta vuelta de Avatar, que es una aquellas películas que devuelven al cine su perfil de máquina perfecta de los sueños, porque haber creado el universo presentado:
criaturas extraordinarias con cuerpos que desafían la lógica de la anatomía,
bosques con una exuberancia que transgrede toda imaginación,
flores sorprendentemente arquitectónicas,
tecnología en una amplia gama de expresión digital,
vehículos en super formato,
armas inimaginables,
apelativo a la creación de imágenes digitales y
creación de nuevos modos de filmación. que aportan un instrumental nuevo a las películas por llegar y sincronizar todo para entregar una ilusión tan perfecta, en el trasfondo de la cual, lo planteado se refiere a la validez del amor y la armonía del ser con su mundo.
Volver a percibir ese mundo, aun sin ninguna oferta adicional, vale todo empeño, todo esfuerzo, toda intención de recordar la misión culmine del cine: transportarnos a mundos de fantasía de una forma tan convincente y bien realizada que la percepción y la sensibilidad de la gente, queda marcada.
Cierto que presenta, para las proyecciones 2D, una remasterización en 4K HDR de su material original que le ha validado sus colores y luminosidad al tono de la tecnología digital actual y en 3-D es un espectáculo como para no avanzar lo maravilloso. Se ve mucho mejor que como se disfrutó en 2009 y muy superiormente a la fotografía mostrada en Disney Plus. Al final de los créditos, se podrán ver varios minutos de metraje de su secuela, Avatar: el Sentido del Agua, una especie de tráiler disimulado para fortalecer la estrategia de promoción, medida con exactitud en cada una de sus acciones de impacto público.
James Cameron, en la panorámica norteamericana del cine de la aventura épica de ficción, es uno de los integrantes de círculo de directores dotados de iniciativas y visión, cabezudamente capaz de empeñarse en hacer realidad lo imposible.
No son muchos los directores en esta categoría. Solo tres, a nuestro juicio: Steven Spielberg y George Lucas y el propio Cameron. (De no ser mexicanos, estarían Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu.) Se trata de directores que han permitido a la humanidad ver vívidamente, lo imposible, angustiarnos con todos los detalles fieles del desastre del Titanic (1997).
Avatar (2009) Foto de promoción.
Un James Cameron que años antes nos ofreció la aventura que encandiló las pupilas por la sorpresa de sus efectos especiales, innovadores para entonces definió el estilo por desarrollar para el cine de acción/ficción: Terminator (1984).
La producción estuvo nominada a nueve Premios Óscar, incluyendo mejor película y director, y se llevó los galardones por mejor fotografía, Diseño de producción y efectos Visuales.
Por el reestreno en cines,Avatarfue retirada el pasado 17 de agosto del catálogo de Disney Plus en América Latina, pero volverá a esa plataforma de streaming antes del estreno de Avatar: El camino del agua que será en el país el jueves 15 de diciembre.
El entrante mes de octubre de 2022 establece récord al proyectar películas dominicanas en el cine siete de ellas estrenadas y una octava (La Trampa), que se mantiene en cartelera desde el pasado 11 de agosto, indica la parrilla (booking) de estrenos de Caribbean Cinemas.
El 6 de octubre se estrenan, La república de la pelota. (Documental de José María Cabral) y el drama La Encomienda (del argentino Pablo Giorgelli, producido por Estudios Lantica con talento dominicano); el jueves 13 se estrena el documental Diáspora (Héctor Valdez); el 13, The APP (o El APP) (Tabaré Blanchard); el 20 coinciden las producciones La balada de los cuervos (de Tony Bacigalupe Pérez) y la comedia Se busca Papá (de Roberto Ángel Salcedo)y el drama de terror 27 Jupía (José Vargas). Se mantiene en cartelera La comedia La Trampa, comedia de enredos y acción, rodada en Jarabacoa con la dirección de Frank Perozo, y que está teniendo mucha acogida.
Escena de La Balada de los cuervos, dirigida por Tony Bacigalupe Pérez, drama de acción y elementos etnográficos rurales, amores, prostitución y sacerdocio.
Les siguen a esa marca los cinco estrenos de noviembre de 2021: Candela (Andrés Farias), Liborio (Nino Martínez Sosa), El Blanco (Alejandro Andújar), La Bruja (Ronny Sosa), Carta Blanca (Pedro Urrutia), y luego hay varios meses en los cuales el mayor número de producciones dominicanas es de cuatro, una por semana.
Escena fuera de cámara de La República de la Pelota, con Placido Polanco y el director José María Cabral, filmando aun con la pandemia.
Los datos conocidos de las películas que llegan inician con el documental La república de la pelota. (José María Cabral, con guión de Miguel Yarull y producción general de Nelson González) y que no se limita a contar el origen del deporte rey de los dominicanos, sino que examina el fenómeno sociológico y la carrera beisbolística para cientos de prospectos.
El APP. El antagonista es José Guillermo Cortines (con una calva que rompe su imagen juvenil)
El tráiler deja ver que este trabajo supera en su tratamiento a los previamente conocidos. Coincidiendo con el inicio de la temporada de Béisbol Invernal, por su tema, es posible que enganche con la gente.
Sigue en proyección el drama La Encomienda (del argentino Pablo Giorgelli, producido por Estudios Lántica con talento dominicano), un drama de supervivencia y soledad que, atendiendo los merecimientos del director, premiado con La Cámara de Oro en el Festival de Cannes por su drama Las Acacias, es de esperar que sea un producto de calidad, pero hasta no verlo en pantalla, nada es seguro.
Las casas productoras son Lántica Media, Ecah y Tarea Fina y los productores: Rafael Elías Muñoz, Carolina Encarnación, Ettore Trombin y Juan Pablo Miller.
El jueves 13, Bou Group estrena el documental Diáspora (Héctor Valdez) que de alguna forma es la continuación de La República del Color, solo que ahora en el marco de la migración, destacando el trabajo y la labor de dominicanos y dominicanas que emigraron. Servirá de mucho para sentir orgullo, si su realización está a la altura del trabajo anterior.
Isaac Savinón como protagonista del thriller sobre crímenes cibernéticos El APP, que se estrena en Octubre.
El jueves 13, hay un estreno singular: The APP (o El APP) (Tabaré Blanchard), producido por Isaac Saviñón, quien lo protagoniza, un thriller de acción que gira en torno al cibercrimen. La película pone en marcha una historia que nos muestra cuán frágil es la seguridad de nuestra información privada en un mundo gobernado por las redes sociales.
Puede que atraiga a la masa joven de mucha vida tecnológica (es decir, todos los jóvenes millenials y post-milenials) por una trama que mezcla acción, actuaciones de hackers y vigilancia ilegal ciudadana.
El antagonista es José Guillermo Cortines (con una calva que rompe su imagen juvenil) y tienen roles destacados Lydia Li y Alina Rancier. En medio de todo, la buena nueva es que vuelve Tabaré Blanchard, quien tiene tanto que aportar a la marca de nuestro cine.
La balada de los cuervos, mientras su director, Tony Bacigalupe Pérez, dirige una escena.
El jueves 20 inicia la proyección comercial de La balada de los cuervos (Tony Bacigalupe Pérez), un ejercicio muy digno de cine independiente, con un drama rural etnográfico y que mezcla acción y elementos morales y religiosos. Fue financiada, en parte, por el Programa Ibermedia, que tiene unas referencias de calidad muy altas para apoyar proyectos.
También ese 20 jueves, estrena la comedia Se busca Papá (Roberto Ángel Salcedo), expresión de un género que antes dominaba la taquilla y que ha procurado un lugar digno en la preferencia de la gente que desea pasar un rato de alegría y evasión en su salida al cine. No podemos opinar porque no se trata de una crítica.
El jueves 27 se tiene el drama de terror 27 Jupía (José Vargas), producida por Leticia Tonos con la actuación selectísima de Julieta Rodríguez, David Maler y Luis José Germán.
La trampa sigue
La comedia La Trampa, (Frank Perozo) sigue en la cartelera con muy buenas críticas y buena afluencia de la gente. Rodada básicamente en Jarabacoa, es una producción marcada por el humorismo de acción y en la cual el director sacó el mejor provecho posible a las actuaciones principales y secundarias y logró un espectro internacional, evitando el localismo que tanto ha limitado la proyección del cine criollo.
La comedia guatemalteca «Hostal Don Tulio», del cineasta Rodolfo Espinosa, quien la protagoniza, fue proyectada con gran acierto humorístico en el Centro Cultural Banreservas, en la segunda entrega del Ciclo de Cine Centroamericano. Hizo reir a mandíbula batiente a las personas que llenaron el aforo del espacio cultural.
Esta fue la segunda entrega del Ciclo de Cine Centroamericano que se desarrolla cada jueves de este septiembre. La tercera es el jueves 15 con drama 90 minutos, de Aeden Oconors Agurcia, a partir de las 7 de la noche, con entrada libre. Loa interesados pueden obtener más información llamando al teléfono: 809 960 2094 o enviando un mensaje al correo ccbanreservas@banreservas.com.do.
El embajador de Guatemala en el país, Javier Zepeda, manifestó que el cine es un puente de acercamiento entre los pueblos, que en el caso de República Dominicana y su nación debe incrementarse, al igual que por medio de otras manifestaciones de la cultura de ambas naciones.
“El cine es una manifestación que expresa los sentires de los pueblos y que ofrece tanto la panorámica física de sus locaciones, como los mundos subjetivos, menos fáciles de percibir. De ahí su importancia para dar a conocer la esencia de sus países”, dijo el embajador, que acudió a la proyección acompañado de su esposa, Claudia Batres y de personal de apoyo de la delegación diplomática.
Rodolfo Espinal, director de Hostal Don Tulio, en una escena de la comedia.
Sobre Hostal Don Tulio
El filme trata acerca de la vida de Tulio (Rodolfo Espinosa), un joven quetzalteco con problemas financieros y que tiene mala reputación entre las personas que lo rodean. Su hermano Quique (Domingo Lemus) lo sorprende con una visita, junto con su novia española Alen (Marta del Olmo), una semana antes del fiambre familiar.
Rodolfo Espinal, director de Hostal Don Tulio primero estudió Biología, Historia del Arte, latín y griego en la Universidad de San Carlos de Guatemala, pero encontró su verdadera pasión en el mundo del cine. Fue el director de películas que se consideran emblemáticas en su país: Aquí me quedo, Pol y Otros Cuatro Litros.
La proyección de Hostal Don Tulio fue introducida por el asesor en materia de cine y miembro del Patronato del Centro Cultural Banreservas, Rienzie Pared Pérez, quien sostuvo que la cinematografía centroamericana, a pesar de ser de relativo reciente desarrollo, presenta obras de singular calidad.
Pared Pérez manifestó que las obras que conoce de ese cine, revelan la forma de ser de los guatemaltecos, sus luchas, sus esperanzas y un sarcástico sentido del humor ante todas las dificultades.
El embajador de Guatemala, Javier Zepeda
Consideró que un intercambio sistemático entre cineastas de ambos países puede redundar en beneficio de sus industrias audiovisuales y fomentar incluso coproducciones, aprovechando la cantidad de estudios de producción de cine en República Dominicana y el auge que ha determinado la Ley Nacional de Cine, número 108-12.
40 personas acudieron a la proyección de Hostal Don Tulio, en la que estuvo además el embajador de El Salvador, Oscar Toledo, país que inauguró el ciclo de cine centroamericano, el pasado primero de septiembre.
El ceremonial de gala de los VIII Premios La Silla, que reconoció el pasado domingo 28 de agosto, lo mejor del cine dominicano a partir de la votación de los miembros de la Asociación Dominicana de Profesionales del Cine (ADOCINE), fue un éxito. Sus ganadoreshan sido divulgados y comentados.
Pero fue también, más que una esperada continuidad del honor del cine hecho por sus profesionales al cine dominicano.
La significación del Premio La Silla, no se puede calibrar solo en la circularidad previsible sobre la justicia o no de las películas galardonadas o por el vacío indefinible de las figuras que no asistieron o para ser vitrina de quienes si llegaron. Esta vez La Silla, fue más que una distinción anual de la industria.
El primer triunfo es haber restablecido la tradición de su prestigio y la continuidad del proceso de La Silla como premio de excelencia de la industria.
Avril Troncoso llora al recibir el premio a Mejor Actriz, 2020, por su sorprendente actuación en Papi (Noelia Quintero sobre novela homónima de Rita Indiana Hernández)
El premio tiene su trascendencia no solo por la elegancia de los vestuarios clásicos e innovadores. casuales o ceremonialmente aceptables, supera la emoción del momento azul más destacado, cuando se cerró la garganta de Avril Alcántara y lloró al recibir el Premio como Mejor Actriz Principal por Papi (Noelia Quintero). No era para menos. Competía con lo mejor del talento femenino interpretativo y lograba el milagro a pesar de su edad.
La entrega fue más que la pasión sonreída y confiada de una Leticia Tonos que nos ha dado títulos fundamentales, y más que la expresividad inevitable de Pablo Lozano, luego de tantos años de andar con el proyecto Candela (Rey Andújar).
Rafael Elías Muñoz, productor genera de Lántica Estudios quien fue el personaje que más subió al escenario para recoger trofeos.
El evento fue más que la satisfacción de Rafael Elías Muñoz, productor genera de Lántica Estudios quien fue el personaje que más subió al escenario para recoger trofeos, tanto por la ausencia de los titulares, como por la cantidad de cine de calidad de este proyecto productor de películas en 2020 y 2021.
Perfectamente podríamos quedarnos en el comentario sobre la vestimenta casual y el pelo teñido de uno de los directores jóvenes más trascendentes en la actualidad: José María Cabral, representante de uno de los fenómenos creativos del cine local.
José María Cabral merece un estudio aparte por las características singulares de su filmografía. Algunas otras ausencias de gente nominada, nos sorprendieron, por lo que se generó, de cara a la transmision de Digital 15, la incómoda imagen de demasiadas sillas vacías en el auditorio Juan Bosch de la Biblioteca Nacional, factor responsabilidad vaya usted a saber de quién.
La persistencia
El premio La Silla tuvo un primer anuncio para montarse en domingo 17 de julio en la sala Máximo Avilés Blonda, del Palacio de Bellas Artes, pero se frustró ese propósito por diversas razones: ausencia de respuesta a peticiones de patrocinios, exceso de trabajo profesional de los directivos y otras. No pudo ser.
La gran ganadora
La pregunta que se hace, tras el ceremonial, la transmisión en vivo, es ¿Quién ganó realmente en Premios La Silla?
En el Premio La Silla ganó la literatura dominicana, y en especial su creatividad narrativa. Triunfó el concepto. Se enriqueció en pensamiento cinematográfico que procura la trascendencia de la industria, sin dejar de ser industria.
El comunicado oficial emitido anoche por la Asociación Dominicana de Profesionales del Cine indica que las mejores películas de 2020 y 2021 fueron, respectivamente Mis 500 Locos y Candela, pero en realidad, la gran ganadora, la que ha generado la elevación de la calidad conceptual del cine dominicano, además del excelente trabajo de actores técnicos y directores, es la literatura dominicana.
Las tres películas que más estatuillas ganaron (Mis 500 locos, Candela y Papi) se basan en sus guiones, en tres novelas dominicanas de: Antonio Zaglul (testimonial) Rey Andújar y Rita Indiana Hernández, sin menospreciar la cantidad de reconocimientos que cosechó Hotel Coppelia, con guión escrito por Cabral.
La literatura nacional es rica en personajes, colores, argumentos, historia, situaciones, giros dramáticos que han sido plasmados por creadores literarios que observan, a veces asombrados, por producciones que se llevan a pantalla.
El resultado de estos premios, supera el listado de ganadoras y señala como triunfante a la literatura dominicana, como fuente inspiradora de proyectos. la creatividad imaginativa caribeña. puesta en servicio de la inteligencia y la capacidad del buen comunicar
El resultado de los Premios La Silla, deben servir para volver la mirada crítica a las ideas frecuentemente utilizadas de modo facilista para rodar cualquier cosa.
Cuando se parte de un buen concepto, de la creatividad puesta en servicio de la inteligencia y la capacidad del buen comunicar, el fruto es la calidad. Es una experiencia que todos deberíamos ver.
Grandes instantes
Dos momentos en especial, quedan en la memoria por el respeto a la obra desarrollada en favor del cine.
El primero fue el reconocimiento a Ivette Marichal, segunda directora de la Dirección General de Cine, lo que constituyó el mejor acto de justicia a una personalidad que desarrolló una labor esencial, como continuadora del trabajo de Don Ellis Pérez, iniciador de todo, cuando cinematográficamente el país estaba en 0. De haber tenido vela en el ceremonial, habría sugerido a Don Ellis Pérez, primer director de DGCINE a quien le tocó la labor de ser el «muchacho nuevo del barrio».
El reconocimiento a Marichal revela la capacidad de agradecimiento de ADOCINE a una persona que ya no está en poder, que ya no decide medidas, estrategias o políticas, pero que – cuando estuvo- cumplió un papel de seguimiento a las facilidades de la Ley Nacional de Cine, la 108-10.
El segundo fue el homenaje póstumo a Claudio Chea, con la entrega del trofeo a su hijo Pablo Chea, quien como su padre es hombre de pocas palabras, pero era obvio su sentimiento de agradecimiento, por poner en escenario la memoria del que se considera el mejor director de fotografía del cine dominicano, en su momento.
Lo digno de ser revisado
Se debió tener una curación de los parlamentos humorísticos, presentados por el excelente coloquiador Carlos Sánchez, precursor fundamental del “stand up” cuando nadie estaba en eso.
De una parte, es delicadísimo, por medio de chistes, hacer comparaciones entre directores de cine, comparándolos, lo que puede herir susceptibilidades y detalles entre trayectorias distintas. Las comparaciones no son positivas, sobre todo desde una vitrina de tan alta exposición.
No cayó bien la referencia de que Frank Perozo se parece a Roberto Angel porque “hacen una película cada mes”. No es así. Perozo no es superior, ni inferior a Roberto Ángel. Son distintos.
Perozo es un actor de más de 40 producciones en su filmografía y que ha incursionado como director para hacer una película al año, enriqueciendo el género comedia. Roberto ángel tiene en su haber, haber generado un circuito de producción de cine (aparte la valoración de la crítica) que produjo la experiencia para el trabajo de muchos de aquellos que hoy critican sus comedias. Y además, desde el inicio de su productora, paga muy bien.
Habría que ver si la referencia a la corrupción y la política, era procedente, sobre todo porque involucra a gobiernos que han sido fundamentales para que se lograra y se desarrollará el alcance de la Ley Nacional de Cine.
La extraordinaria Lummy Lizardo que hace tiempo merecía un protagónico del nivel de Hotel Coppelia.
Sobre comedias y documentales
La comedia, otrora la indudable reina en cantidad de títulos para la cinematografía – y principal fuente de trabajo y aprendizaje – apenas tuvo tres nominaciones en categorías técnicas, pero debido a que quienes producen más comedias, no las inscriben para participar. Pero…¿por qué no las inscriben?
Da la impresión de que no es simplemente displicencia de los productores de comedia y que deben crearse mecanismos amigables para que ese acercamiento, comedias-La Silla, se fortalezca y definir quien da el primer paso amable para que ello sea posible.
Las comedias, sobre todo las que se han estado haciendo por parte de productoras que las realizan con enormes valores de producción, es la gran generadora de recursos del cine, situación a la cual han contribuido los directores que han hecho comedias comerciales.
Desde la perspectiva de los organizadores del premio, no se puede tomar en cuenta una película que no se inscribe, lo que implica que su productor no da el permiso de uso, por los temas de derecho de autor.
Lo mismo aplica para los documentales que fueron exhibidos comercialmente y que no fueron tampoco sometidas a consideración.
La vida de los reyes (Frank Perozo) y No es lo que parece (David Maler) – ambas de Caribbean Films.
La primera era propiamente un biopic (película biográfica) con tonos de comedia. Entonces quedaba como única competidora como comedia el trabajo de Maler, pero ¿con quién iba a competir?
Hay que procurar, en la evaluación de este premio, una alternativa que favorezca una presencia en nominaciones y premios, a este género, que es fundacional del cine
ADOCINE tenía la deuda de montar el Premio se cara a lo estrenado en 2020 y 2021 en realidad, y a pesar de que reiniciaron los rodajes en plena pandemia, a pesar de todas las condiciones adversas: Sin una plataforma de patrocinios asegurada y con la dispersión que provocó la pandemia, la directiva de ADOCINE decidió montarlos. Ese fue un acto de valor profesional y de fe en lo que se hace.
La directiva integrada de ADOCINE, dio el paso al frente y todo se fue resolviendo sobre la marcha. El equipo directivo que decidió esta premiación ahora es integrado por Iván Reynoso, presidente, Alan Nadal Piantini, vicepresidente, Danilo Reynoso, tesorero, Carol Herrera, secretaria, Johanné Gomes Terrero, José Billini, Desireé Díaz Silva, Ronni Castillo y Amaury Pérez.
Lo que el equipo de Iván Reynoso logró, esta por encima de cualquier crítica o cuestionamiento y merece el mejor de los reconocimientos: restablecer esa dimensión compensatoria del logro que es el premio al cine.,
Luego de anunciarse por segunda vez que la edición del premio si se montaría en agosto, llegó el apoyo de Ministerio de Turismo y DGCINE y Cinemateca Dominicana y por parte de la industria misma, se hicieron presentes Aprodomcine, Estudios Quitasueño, Lántica Studios, BKT Financial Advisory, Motorhome dominicana, Viva (telefonía móvil), La Nave Post, Transekur, Larimar Films, Rufiosa, La Casita, Ron Siboney y Caribbean Films y por parte del estado.
La historia de La Silla
El origen del Premio La Silla se ubica el 17 de noviembre 2013 a partir de una idea generada en 2012 por la presidencia de ADOCINE, cuando la presidía Alfonso Rodríguez, el mismo “bocón” que no cae bien a todo el mundo, pero que debe ser respetado porque trabaja como nadie y en materia de cine dominicano, tiene una hoja que presentar, desde Tráfico de niños, que hizo para televisión, hasta sus trabajos más recientes. Alfonso es un trabajador incansable, cáigale como le caiga a usted.
Alfonso Rodríguez decidió plantearse una alianza con el Festival de Cine Global Dominicano, ahora titulado Festival de Cine Global Santo Domingo, para montarlo al final del evento, aprovechando el mejor de los escenarios: el Teatro Nacional, para reconocer las películas estrenadas comercialmente entre el 1º de noviembre de 2012 y el 31 de octubre de 2013
En 2014 y 2015, la presidencia de Humberto Castellanos – El Ché- ratificó esa alianza y se volvió a montar junto con el Festival que preside Omar de la Cruz.
En 2019, con la directiva que preside Hans García, se logró que La Silla fuera parte de la Quincena del Cine que incluyó el II Congreso Nacional del Cine y el Festival Global.
Las producciones que han ganado la categoría Mejor película, -por el año de entrega- son:
La familia Reyna, Drama rural. (Francisco -Tito- Rodríguez);
Veneno, primera caída. El relámpago de Jack. Drama (Tabaré Blanchard)
Lo que siento por ti. Drama. (Raúl Camilo) (
2020 Miriam Miente. Drama. (Natalia Cabral y Oriol Estrada)
2020 Mis 500 locos. Drama de época. (Leticia Tonos)
2021Candela, Drama. (Andrés Farías).
Fuente: Wikipedia
Otros premios pendientes
Está pendiente la entrega de Premios Soberano, de la Asociación de Cronistas de Arte (ACROARTE), que contempla una categoría de cine dominicano, pero ese proceso está en camino con condiciones que esperamos sean superadas. Ese premio debe ser visto como patrimonio de la comunidad nacional y de los artistas, y no solo de los cronistas y de una empresa patrocinadora, perspectiva que debe estar por encima de tensiones corporativas y de fallos que se han registrado en sus veredictos. Lo que hace falta es comunicación y concesiones entre las partes.
Otro galardón del cine, pero enmarcado en condiciones distintas, es el Paseo del Cine Downtown, que ha estructurado Caribbean Cinemas y que fue lanzado en 2016 cuando se establecieron para la inmortalidad, las estrellas de Manny Pérez, Luisito Martí, Raymond Pozo y Miguel Céspedes.
Para el final de este 2022 es muy probable que se desarrolle el ceremonial del “Paseo del Cine Downtown”, ubicado en la explanada frontal del centro comercial Downtown Center ubicado en la Rómulo Betancourt, de Santo Domingo. Sería ideal que se uniera con el Festival Internacional de Cine Fine Arts, en noviembre.
Este viernes 26 de agosto, a la medianoche, se cierran las votaciones, por vía digital, de los miembros de la Asociación Dominicana de Profesionales del Cine para seleccionar los ganadores del VIII Premio La Silla de los años 2020 y 2020.
Este domingo 28, desde las siete de la noche se monta, en el auditorio Juan Bosch de la Biblioteca Nacional Pedro Henríquez se entrega el premio ADOCINE.
El presidente de ADOCINE, Iván Reynoso, ha informado que se ha trabajado en la producción de un espectáculo digno al que se ha invitado a cerca de 150 talentos correspondientes a dos años a ser premiados (2020 y 2021), más los miembros de ADOCINE, los periodistas acreditados y los patrocinadores.
Los dramas nominados de los dos años a premiar, son: Papi (Noelia Quintero), Mis 500 locos (Leticia Tonos), Cabarete (Iván Bordas) y Malpaso (Héctor Manuel Valdez) – de 2020- y Hotel Coppelia (José María Cabral), La Rasante (Hans García), Candela (Andrés Farías), Liborio (Nino Martínez Sosa, Más que el agua (Amauris Pérez) y El Blanco y (Alejando Andújar), de 2021.
El VIII Premio La Silla cuenta con el patrocinio del Ministerio de Turismo, Dirección General de Cine, Cinemateca Nacional, Aprodomcine, Estudios Quitasueño, Lántica Studios, BKT Financial Advisory, Motorhome Dominicana, Viva (telefonía móvil), La Nave Post, Transekur, Larimar Films, Rufiosa, La Casita, Ron Siboney y Caribbean Films.
No hay entre las nominadas, ni comedias, ni cortometrajes, y documentales, géneros que han sido muy importantes en 2020 y 2021, pero la no presencia de nominaciones de este tipo no expresa una voluntad de ADOCINE, de no premiar en ese nivel.
Para el lapso comprendido a nominar, se rodaron y proyectaron las comedias: Me gusta la tuya y Super Familia (Roberto Ángel) y La vida de los Reyes (Frank Perozo), biópic con tintes de comedia, fue la única propuesta oficialmente sometida a consideración del Premio ADOCINE.
Cuando en un renglón se presenta una sola cinta, no es posible nominar sin evitar el síndrome de «la ganadora previsible».
En documentales está El Naturalista Isleño (Eladio Fernández y Freddy Ginebra Jr. 2021) que no tuvo exhibición comercial (uno de los criterios de selección), su difusión se hizo en 2022, lo que la hace inadmisible para esta entrega. Debe ser sometida a consideración de ADOCINE para el IX Premio La Silla.
El documental de Fernández y Ginebra expone notables hallazgos científicos, la belleza natural de ambos países y el abordaje del guión, narrado en primera persona por el destacado investigador y fotógrafo ambiental.
Otro trabajo documental importante es Una isla, dos repúblicas, es de 2022, luego de su premiere de Palacio del Cine Acrópolis, de notables valores artísticos, geográficos y humanos, a pesar de su tendencia preciosista, enmarca el texto de Frank Moya Pons y adaptación de Rey Andújar (novelista autor de Candela, llevada al cine por Andrés Farías).
Tampoco hay cortometrajes en VIII Premios La Silla, justo ahora que se ha celebrado una nueva edición del Festival de Cortos Libélula, lo cual incluso debe servir a ADOCINE para establecer que puede nominar sin que los productores la presente, pero teniendo si, la autorización de los productores debido a la regulación de los derechos de autor.
Sobre ADOCINE
La institución que agrupa a los profesionales del cine, es miembro del Consejo Intersectorial para la promoción de la actividad cinematográfica, con voz y voto para representar a los profesionales de la industria.
ADOCINE es una organización sin fines de lucro que funciona de manera democrática y transparente. Realizamos asambleas bianuales para elegir nueva directiva donde los miembros tienen voz y voto y libre participación.
ADOCINE promueve la formación de sus miembros por medio de talleres, cursos, charlas magistrales, certificaciones y múltiples herramientas educativas a las cuales pueden acceder sus miembros.
ADOCINE está dirigida por miembros activos, lo que significa que tú como miembro tienes la oportunidad de optar por un cargo electivo cuando se llame a elecciones.
Aun cuando su fecha oficial de estreno fue en este mes de agosto (2022), Buena Suerte para ti, Leo Grande, fue pensada en sus orígenes (2020) para ser rodada como cine hermético, de una o dos locaciones con un elenco mínimo, a causa de las condiciones sanitarias de la pandemia.
Quien la conciba como una película de la sexualidad dispar y orientada destinada a fomentar solo la autoestima femenina para derribar estereotipos, puede que se equivoque de medio a medio.
Buena suerte para ti, Leo Grande es, por una parte, una oda fílmica al encuentro del amor y a la validez de la conversación creativa e inteligente, y por otra, un desafío total que le imponía evitar el tono teatral ante la limitación locaciones y el espacio interpretativo a dos personajes (exceptuando los minutos de metraje finales, por cierto, cruciales) que se mantienen en pantalla en más de un 90 por ciento de la película.
Es en realidad, una convocatoria artística, casi filosófica, al encuentro real de la gente, sobre impuesta a los dictados sociales, una pieza que revierte roles establecidos y que clama por la sinceridad.
Tiene la virtud de no sentirse lenta a pesar de las condiciones en que se percibe: un espacio cerrado en el cual el recurso es la palabra, en una casi total ausencia de acciones físicas, con excepciones marcadísimas en su momento.
La cinta redescubre la perspectiva tanto del afecto como de la comunicación de que se vale para cursar entre dos personas. Es una cita intimista reforzado por la inteligencia y a sensibilidad del dialogo, intuitivo, tierno y descubridor.
Su premisa, manipulando el sensacionalismo en torno al casi siempre inalcanzable orgasmo femenino en la tercera edad ( y a veces mucho antes) es en realidad un poema visual que se enriquece en torno a sus parlamentos finos, agudos y ajustadamente escritos para los personajes Leo Grande y Nancy Stokes.
Un factor fundamental para que haya logrado la reconversión de su planteamiento hacia la necesidad del dialogo y el encuentro, es que la directora y la guionista son mujeres. Es improbable que de hacer sido hombres, el resultado fuera el obtenido.
No es una película, para consumo de disfrute inmediato. Es un llamado a no expresarnos, a no temer las sinuosidades en ruta, en los sobresaltos del camino, y que impregna de un mensaje de autenticidad, de valor por encima de los tiempos, la falta de experiencia o su exceso.
Daryl McCormack, es la sorpresa actoral del drama romántico, por el desafío que implicaba, el más importante para su carrera hasta ahora: estar frente a cámara con una maestra de la interpretación como Emma Thompson, corresponder a su destreza, no parecer sobreactuado, ser fluido, natural y ubicarse cercano e incidente en el ambiente singular que se crea en aquel cuarto de hotel.
McCormack, nacido en 1992, de madre irlandesa y padre afroamericano, de ahí sus rasgos étnicos, es conocido por sus papeles en la telenovela Fair City de RTÉ One y en la serie Peaky Blinders de la BBC. Debutó en 2018 como Brendan en The Lieutenant of Inishmore.
Buena suerte Leo Grande juega con un humor asentado en verdades, en la gracia de las interpretaciones, en las peripecias que logra la guionista y que valida una directora que parece saber de lo que es capaz el cine para plantear viejas verdades en planteamientos artísticos nuevo, renovadores y hasta revolucionarios, sin apelar a panfletos descoloridos por su abuso.
Nancy Stokes es una mujer jubilada y viuda que decide cambiar su vida para darle un poco de color. Ya supera los 60 años y está dispuesta a disfrutar de su sexualidad de manera plena. Para ello recurre a los servicios de un trabajador sexual llamado Leo Grande. Junto a él intentará experimentar una noche de placer y autodescubrimiento.
La Trampa (Frank Perozo, 2022) es un producto cinematográfico cohesionado profesionalmente, claramente orientado al divertimento, a las ventas de verano y a ser un aporte que fortalezca el género de la comedia en la definición de sus nuevos perfiles.
Es una comedia de situaciones enredadas, unos toques de romanticismo escamoteado y de acción, que representa un notable avance para el género fílmico a que pertenece, aunque lejos de la impecable excelencia que deseamos de cara al cine del cine ideal.
Hacía falta una comedia así, que reivindica el género pero de forma natural, no por las particularidades de un plan de mercadeo cuidado al extremo. Lo que vemos podrá no ser perfecto, pero es un cine digno y que respeta a la gente.
Lo que la gente ha encontrado es un producto fílmico que genera risas, que hace que la gente sienta que pagó para divertirse.
Loable el trabajo del guión, a cargo de Kendy Yanoreth y Junior Rosado, la fotografía de Francis Adames no tiene nada que envidiar, sobre todo por el manejo de luminosidad y la limpia edición de José Delio Ares, con la salvedad de observar a los guionistas que revisen algunos de sus chistes sobre las mujeres. Una perspectiva que en ocasiones destila tufos de machismo, al propalar los estereotipos femeninos.
Raymond Pozo y Pepe Sierra en escena de La Trampa.
La trampa no es perfecta. No estará en festivales internacionales. Puede que no guste a todos los críticos. Adolece de algunos agujeros en sus giros, pero es un producto bueno.
La comedia cultiva el trabajo de la construcción de personajes desde su guión que permite sentir ese rendimiento en Pepe Sierra cuyo rol es gerenciado desde el texto hasta su interpretación, con enorme sentido profesional, similarmente a lo que acontece con Gracielina Olivero, que, sin ser protagonistas, brillan con luminarias propias y el público lo percibe. Sus entradas (de ambos) incrementan tanto el interés del público como la gracia que ambos emanan.
Lo mismo se puede decir de Merymel y de Yasser Michelén.
Perozo juega con las tres líneas de acción y las desemboca, como señala Félix Manuel Lora, en la finca La Trampa, escenario de la boda planificada, incursiona en el chiste visual en el cual el parlamentarismo televisivo queda fuera de roles, aun cuando habríamos deseado más fluidez en las escenas de acción, más detalles en las partes de suspenso (como en el ducto de aire acondicionado) porque a la luz de escenas similares de centenares de películas de la industria en locaciones similares, se nota insuficiente el desempeño. El asunto es enriquecer la percepción con más detalles. He ahí una materia pendiente.
Es un avance y una diversificación del género, adelanta recursos y utilidades que deben seguir abonando la ruta de las buenas comedias. Hay que perfilar mas la comedia aprovechar sus talentos y recursos.
Ejemplo: muy breves aparecen aquí los papeles de Exmin Carvajal y Francis Cruz, dos actores profesionales que en drama y comedia han mostrado en teatro, las garras de bestias en celo.
De Perozo tuvimos la certeza de un director de cuerpo completo con Colao (2017), para nosotros aún no superara por ninguna de sus otras producciones, aun cuando.
El arte de comediar
La comedia tiene una magia. Es el género cinematográfico más popular, el que más gente lleva a las salas, el que marcó, luego del documental, el inicio real del cine.
La comedia es similar a un plato de miel que, con su color ambarino oscuro, se ve apetitoso y retador al gusto. Pero que enmascara sus tiene sus riesgos y situaciones particulares, sobre todo cuando un país inició su industria del cine, abusando del género, produciendo récords de asistencia y millones de pesos en beneficios, sin tomar en cuenta las especificidades de código y el lenguaje del cine, a tal grado que la gente que en principio respaldó esa tendencia facilista y comercial de las comedias del momento.
El agotamiento del modelo, desilusionó al público susceptible y desaparecieron las colas infinitamente largas, integradas por masas informes de cinéfilos expuestos previamente a meses de promoción y mercadeo de aquellos títulos cuando se estrenaron.
Entonces se iba a “disfrutar” de un producto estandarizado: una línea de producción simplista, económica y francamente limitada por otro formato de producción: la televisión y sus cuadros de comedia.
Recuerdo un director de esas comedias, que, en oportunidad de encontrarnos casualmente, me comentó: “Querido, tú siempre dices lo mismo de todas mis comedias” a lo que respondí: “? ¿Y será que tú como director, haces siempre lo mismo?
Pero nada es para siempre.
Gracielina Olivero, CAPTURA DE PANTALLA.
La comedia dominicana ha tenido un desarrollo posterior dispar pero afortunadamente diverso, con expresiones variadas, en especial cuando quienes las producen.
Se trataba de la diferencia al abordaje del género porque había que definir qué es un negocio y un arte definitivo que demanda dos elementos: buen criterio, lo que significa ubicar los mejores talentos y darles la oportunidad de desarrollar e inversión en producción: mejores salarios, asumir nuevos costos al señalar locaciones variadas (y a veces más costosas) para sus comedias, en lugar de hacer un intercambio con un hotel o un centro comercial y producir un extendido publirreportaje, aderezado por comediantes provenientes en general de la pantalla pequeña.
El desdeño por la comedia es inmerecido, en primer lugar porque constituyó, en los arranques de nuestro cine un factor básico de trabajo para los profesionales y técnicos, creando una experiencia de trabajo (expertice, como algunos prefieren decir), factor fundamental para mejorar luego el trabajo de hacer buenas películas, incluyendo buenas comedias.
Incluso, hay premios de cine que han excluido reconocer a las comedias, a pesar de que constituyen el género que abrió las puertas del cine dominicano y que ha mejorado en mucho su calidad.
Muchas son Las Trampas
El título ha sido usado más de una vez en cine (sin que el hecho implique plagio, por ser un concepto genérico y atrayente del interés y generador de la expectativa).
Hay una película La Trampa, la palestina de Hany Abu-Assad (2021) -excelente trabajo de cine socialmente comprometido y artísticamente impecable y que exhibe actualmente Fine Arts/Novocentro-.
Hay otra La trampa, del norteamericano Norman Panamá (1959), y otra homónima del director argentino Carlos Hugo Christensen (1951).
Y para completar, hay una mexicana de 2021, del mismo nombre, dice el diario español La Vanguardia.
En fin, en una trampa, en la que nos ha agradado caer. Vaya a verla, deje el gusto ingenuo y delicioso de caer en su garras de ilusión y risas.
La Trampa logra buenas notas en nuestra bitácora.
Ficha técnica
Título: La Trampa
Director: Frank Perozo
Año: 2022
Guión: Kendy Llanoret Calcaño y Junior Rosado
Nacionalidad: Dominicana
Producción: Caribbean Cinemas Films
Productores: Gregory Quinn y Zumaya Codero
Productora ejecutiva: Kendy Llanoret Calcaño.
Director de Fotografía: Francis Adames
Edición: José Delio Ares
Distribución: Caribbean Cinemas Distributions
Elenco: Raymond Pozo, Miguel Céspedes, Kenny Grullón, Yasser Michelén, Melymel, Jenny Blanco, Brea Frank, Claribel Adamez, Franklin Romero Jr, y Jesús Zambrano, también forman parte talentos activos en el teatro como lo son la maestra Gracielina Olivero, Mario Núñez, Fidias Peralta, Bárbara Plaza y Francis Cruz y Exmín Carvajal.
El maestro de la fotografía de cine dominicano Claudio Chea, fallecido por infarto la madrugada de este miércoles en Clínica Abreu, participaría en el documental patrimonio artístico de la OEA, titulado Arts of the Américas, del que sería uno de los dos directores de fotografía, junto a Peyi Guzmán. El proyecto está en fase inicial de pre-producción.
Montás se manifestó profundamente adolorido por la noticia del fallecimiento de Chea, su amigo con el que trabajó diversos proyectos de cine, sobre todo documentales.
Montás se manifestó profundamente adolorido por la noticia del fallecimiento de Chea, su amigo con el que trabajó diversos proyectos de cine, sobre todo documentales.
“Más que un excelente director de fotografía, a mi juicio el mejor del país, Claudio Chea era un amigo, una persona con dotes humanas de excepcional calidad, que privilegiaba una buena conversación, así no fuera de cine. Es una pérdida que debe el país aceptar con profundo dolor” explicó.
“Lo habíamos contratado a él y a Peyi Guzmán, para un proyecto internacional que expone el patrimonio artístico latinoamericano, a partir de la colección de la OEA, productora general del proyecto» dijo Montás.
Biografía
En su biografía, tomada de la página cinemadominicano.com, se indica que, en 1974, Chea fue asistente de cámara de Gordon Willis para la película The Godfather II, dirigida por Francis Ford Coppola en las escenas rodadas en República Dominicana.
A finales de esta década se une al equipo de Guede Films, como director de fotografía en comerciales para televisión dentro del mercado local de Guatemala, El Salvador, Miami y otras ciudades de los Estados Unidos.
Luego abre su propia compañía, Claudio Chea Films, CxA en Santo Domingo, empresa concentrada en la producción de comerciales de televisión y documentales.
COMERCIALES DE CLAUDIO CHEA: (como director de fotografía)
En su calidad de director hizo en 1985 realiza Camino al Pico Duarte y en 1987 El paseo de la virgen.
Como director de fotografía de cine fue apoyo recurrente del cineasta cubano-norteamericano León Ichaso de películas como.
Visitantes de la exposición inmersiva Tovar surrealismo vivo, que vivieron este fin de semana experiencia, entienden que la misma debería ser extendida, hasta diciembre del presente 2022, dada la calidad audiovisual y para sacar el máximo provecho del costo del montaje, cuya inversión ya está hecha.
La escritora Angela Hernández y directora nacional del Libro y la Lectura, del Ministerio de Cultura, el pintor de la generación que sigue a Iván Tovar, Freddy Javier, los padres de familia Adalberto García, y Mildred Jiménez y el joven pintor Danilo Martínez de la Cruz, consideraron que la experiencia debería permanecer abierta por más tiempo.
La muestra fue inaugurada el lunes 6 de abril para estar abierta hasta el 6 de junio, pero la Fundación Iván Tovar, responsable del montaje, anunció su extensión hasta el 31 de julio próximo.
“Esta es una experiencia de percepción artística, de enorme valor didáctico y que implica para la gente no inserta en los ambientes de los coleccionistas, el descubrimiento de una obra al nivel que debe ser de conocimiento general y orgullo de todos los dominicanos” afirma Hernández.
El maestro Freddy Javier, pintor de reconocido estilo, dijo que la exposición inmersiva representa un encuentro integral como no se había hecho antes con una obra pictórica, que se deben buscar las formas de hacer que permanezca más tiempo a disposición de la gente.
Visitantes de la exposición inmersiva Tovar surrealismo vivo, que vivieron este fin de semana experiencia, entienden que la misma debería ser extendida, hasta diciembre del presente 2022, dada la calidad audiovisual y para sacar el máximo provecho del costo del montaje, cuya inversión ya está hecha.
La escritora Angela Hernández y directora nacional del Libro y la Lectura, del Ministerio de Cultura, el pintor de la generación que sigue a Iván Tovar, Freddy Javier, los padres de familia Adalberto García, y Mildred Jiménez y el joven pintor Danilo Martínez de la Cruz, consideraron que la experiencia debería permanecer abierta por más tiempo.
La muestra fue inaugurada el lunes 6 de abril para estar abierta hasta el 6 de junio, pero la Fundación Iván Tovar, responsable del montaje, anunció su extensión hasta el 31 de julio próximo.
“Esta es una experiencia de percepción artística, de enorme valor didáctico y que implica para la gente no inserta en los ambientes de los coleccionistas, el descubrimiento de una obra al nivel que debe ser de conocimiento general y orgullo de todos los dominicanos” afirma Hernández.
El maestro Freddy Javier, pintor de reconocido estilo, dijo que la exposición inmersiva representa un encuentro integral como no se había hecho antes con una obra pictórica, que se deben buscar las formas de hacer que permanezca más tiempo a disposición de la gente.
Los padres de familia dicen que Tovar surrealismo vivo ha llegado a cientos de miles de personas, especialmente de jóvenes escolares, pero que se debe procurar la entrada a mas familias y jóvenes .
Los solicitantes reconocen el valor del proyecto de educación en el arte que implica este acontecimiento expositivo y que pone al país al nivel de las naciones desarrolladas que han logrado montar exposiciones inmersivas.
La muestra, alojada en carpa de 500 metros cuadrados en Plaza España, se apoya en un sistema de sonido y 30 proyectores digitales de última generación, cuenta con un sistema de sonido digital, elementos que producen un efecto audiovisual que envuelve e impacta a los espectadores.
Para el público, la experiencia llega a la sensibilidad de los espectadores, aun no sean experimentados en las modernas corrientes de la pintura; sobre un universo de sonidos las imágenes recorren piso y paredes, a partir de puntos, trazos y líneas que van uniendo para conformar los cuadros surrealistas del maestro.
Es un efecto de difícil transmisión. Hay que vivirlo.
Los textos poéticos, Iván Tovar, Charles Boudelaire, Jorge Luis Borges, Julio Cortázar, Federico García Lorca, Jean Michell Cartier, Pablo Neruda y Jose Pierre, leídos por María Castillo y Félix Germán.
Un servicio educativo adicional de la inmersiva son los talleres gratuitos en los cuales historiadores del arte, artistas y curadores, explican en detalles la importancia de la obra del pintor francomacorisano que logró escalar a los más altos del surrealismo.
Solo hay que reservar por medio de la página de la página https://ivantovar.com/, con el correo electrónico info@ivantovar.com y el teléfono para reservas: 809.669.2119. Al final de la experiencia se accede a la tienda de regalos con recuerdos de la marca Tovar (libros, camisetas, gorras, llaveros, postales y otros recuerdos).
Los padres de familia dicen que Tovar surrealismo vivo ha llegado a cientos de miles de personas, especialmente de jóvenes escolares, pero que se debe procurar la entrada a mas familias y jóvenes .
Los solicitantes reconocen el valor del proyecto de educación en el arte que implica este acontecimiento expositivo y que pone al país al nivel de las naciones desarrolladas que han logrado montar exposiciones inmersivas.
La muestra, alojada en carpa de 500 metros cuadrados en Plaza España, se apoya en un sistema de sonido y 30 proyectores digitales de última generación, cuenta con un sistema de sonido digital, elementos que producen un efecto audiovisual que envuelve e impacta a los espectadores.
Para el público, la experiencia llega a la sensibilidad de los espectadores, aun no sean experimentados en las modernas corrientes de la pintura; sobre un universo de sonidos las imágenes recorren piso y paredes, a partir de puntos, trazos y líneas que van uniendo para conformar los cuadros surrealistas del maestro. Es un efecto de difícil transmisión. Hay que vivirlo.
Los textos poéticos, Iván Tovar, Charles Boudelaire, Jorge Luis Borges, Julio Cortázar, Federico García Lorca, Jean Michell Cartier, Pablo Neruda y Jose Pierre, leídos por María Castillo y Félix Germán.
Un servicio educativo adicional de la inmersiva son los talleres gratuitos en los cuales historiadores del arte, artistas y curadores, explican en detalles la importancia de la obra del pintor francomacorisano que logró escalar a los más altos del surrealismo.
Solo hay que reservar por medio de la página de la página https://ivantovar.com/, con el correo electrónico info@ivantovar.com y el teléfono para reservas: 809.669.2119. Al final de la experiencia se accede a la tienda de regalos con recuerdos de la marca Tovar (libros, camisetas, gorras, llaveros, postales y otros recuerdos).
El Festival de Cine de Cannes, que tiene como marco la Riviera Francesa, es el más renombrado, producto de su origen, desarrollo y sobre todo, su mercadeo.
¿Pero es Cannes realmente representativo de la cinematografía mundial?
¿Es representativo de las cinematográficas regionales y nacionales del mundo?
Tan solo diez países, de zonas muy definidas y recurrentes, ¿aparecen ganadores en sus listados dorados?
Los críticos y periodistas de cine, nos dejamos impresionar por todo el boato aterciopelado de rojo en esa alfombra para retratar trajes y joyas de intercambio, cuerpos hechos en quirófanos de primer nivel, sonrisas aprendidas y ententes planificadas con cuidado por el mercadeo de la alta industria del cine, a fin de que se presenten como casuales.
Poca gente sabe que en los mecanismos de acceso a Cannes existen criterios que, además de los estrictos requisitos de calidad, también originan directrices no escritas, tan sólo sugeridas y que tiene que ver con la asignación de determinadas maneras de hacer cine para determinados países y la formas de concretar los proyectos.
Cannes ha concluido y desde todos los rincones, corren ríos de información – sobre todo la digital por portales, redes sociales, videos- divulgando la lista de ganadores, las tomas centelleantes de la alfombra roja y sus modelos vivos cargados de egos, vanidad, y belleza ya natural o producto de los quirófanos.
Si se analiza la lista de los ganadores, desde la óptica de las nacionalidades que representan los ganadores, y no solo desde los premiados en sí mismos, se podrá ver que el círculo de ganadores lo conforman cineastas provenientes de zonas determinadas: Europa, con notable presencia de Francia, Bélgica, Polonia y Suecia (no toda Europa porque se excluyó a España y Portugal – ambos iberoamericanos-; Asia (y no toda Asia), con una notable opción por Corea del Sur y Japón y Medio Oriente, con privilegiados lugares para Irán, Pakistán. Es decir, tenemos un veredicto euro/asiático/céntrico.
En el histórico de las Palmas de Oro, (tomando como base las publicaciones de medios) se observa que el país que más las ha ganado es Estados Unidos con 13, seguido de Francia, 7; Italia: 5 y Japón: 5. Con 4 están: Reino Unido, Suecia y Dinamarca.
Los países que han ganado dos veces la Palma de Oro son: Suecia, Dinamarca, Bélgica, España, Austria, Unión Soviética, Polonia, Yugoslavia, Turquía y los que han ganado una vez son: Tailandia, Nueva Zelanda, Irán, Grecia, China, Argelia, Corea del Sur y Brasil.
Las ganadoras valen
Pero no se puede llamar a engaño: las películas ganadoras sin duda que lo merecen, que tienen consistencia estética, técnica y son parte de una tendencia a un cine que no muera con las primeras semanas de exposición. Pero ¿son solo ellas premiables?
¿Nadie más en el mundo produce películas de calidad, si se hace cuenta aparte de los ganadores euroasiaticocéntricos?
Sin dudas Cannes es un espacio de buen cine, el que se hace para trascender, el que se realiza sin las prisas y urgencias del mercado, el que no se da seis semanas de rodaje.
Pero en muchos países y regiones se hace cine trascendente, en paralelo a lo que ocurre con los Premios Platino, en los cuales, solo llegan al final un grupo de países de cinematografías consagradas.
Acceso discriminante
Pero, el festival Cannes tiene caminos y rutas no expresas. No premia cine experimental latinoamericano, pero saluda las aventuras fílmicas de los Godard.
En la presente entrega 75 de los Oscars, Iberoamérica fue una de las grandes regiones ignoradas, con la sola excepción de una película de Costa Rica que logró presentar en la segunda sección en importancia (Una cierta Mirada) Domingo y la niebla (Ariel Escalante Meza), respecto de la cual habría que preguntarse si representa una cinematografía superior a la de México, Argentina o Chile, ausentes en las casillas del evento cinematográfico que se autodefine como el más trascendente del mundo.
Listado por nacionalidades
Nadie niega calidad a las películas y cineastas premiados. Y se debe decir más: los premios de Cannes 2022, son justos y válidos y han reconocido el buen cine.
El planteamiento es otro: hay mecanismos no expresos que dificultan que Cannes sea accesible a las cinematografías de regiones “no tradicionales” de las cuales se espera un tipo específico de cine para “caer bien” , fundamentado técnicamente con la cámara en mano y la manipulación de:
La pobreza y su transformación en su proyección cuasi pornográfica.
La violencia política o narcótica, como sinónimos del vivir en las zonas “sub-desarrolladas”
Si se agregan las nacionalidades al listado de ganadores, la perspectiva selectiva de sus ganadores de la Palma de Oro 2022, es clara la preferencia por nacionalidad de los jurados:
«Triangle of Sadness», de Rubén Östlund (Suecia)
– Gran Premio «ex aequo»: «Close», de Lukas Dhont (Bélgica) y «Stars at Noon», de Claire Denis (Francia)
– Premio a la Mejor Dirección: Park Chan-Wook (Corea) por «Decision to Leave»
– Premio al Mejor Guión: «Boy from Heaven», de Tarik Saleh (Suecia)
– Premio del Jurado ‘ex aequo’: «Le otto montagne», de Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch, (Bélgica) y «Eo», de Jerzy Skolimowski (Polonia)
– Premio a Mejor Actriz: Zar Amir Ebrahimi (Irán) por «Holy Spider»
– Premio a Mejor Actor: Song Hang Ko por «Broker» (Corea del Sur)
– Premio Especial 75 aniversario: Jean-Pierre y Luc Dardenne por «Tori and Lokita» (Francia)
UNA CIERTA MIRADA
– Premio Una Cierta Mirada: «Les pires», dirigida por Lise Akoka y Romane Gueret (Suecia)
– Premio del Jurado: «Joyland» de Saim Sadiq (Pakistán)
– Mejor director: Alexandru Belc (Rumania) por «Metronom»
– Premio de interpretación: Vicky Krieps (Luxemburgo) en «Corsage» y Adam Bessa en «Harka» (Túnez)
– Mejor guión: «Mediterranean fever», de Maha Haj (Palestina)
– Premio Corazonada: «Rodeo» de Lola Quivoron (Francia).
Fuente:
Relación histórica de los Premios del Festival de Cannes 1938/2022
El hiperrealismo documental es una vertiente del género de difícil dominio porque con peligrosa frecuencia, el resultado estético y social procurado puede verse afectado por un abordaje inadecuado.
Tal no es el caso de Morena (s), rinde honores a la aventura fílmica que se plantearon Victoria Apolinario e Iván de Lara, quienes dieron en el blanco con su intención de no contar una historia, sino integrarse imperceptiblemente a ella, sin molestar, sin crear disturbios.
Victoria Apolinario, directora de Morenas
Ivan de Lara, director de Morenas
Alguna vez el país, rendirá el homenaje que merece la Universidad del Cine, del barrio San Telmo, en Buenos Aires Argentina y fundada en 1991 por el director de cine Manuel Antín, por la calidad de su capacidad formativa para la industria en América Latina en general y para el Cine Dominicano en particular.
Esa universidad ha formado talentos dominicanos de entre los cuales citamos a dos, los responsables de Cocote (Mejor película de la Época, ADOPRESCI 2020, I Premio de la Crítica): Nelson Carlo de los Santos (director) y Fernando Santos Díaz (Productor).
Gracias a dos egresados dominicanos de sus aulas, Victoria Apolinario & Iván de Lara, hemos tenido una experiencia plena con un cine documental formulado desde una perspectiva que obvia el enfoque desde fuera del fenómeno planteado, eliminando, por ejemplo, la casi infaltable “voz en off documental” estructurando una obra en la cual no existe “acercamiento” a los personajes, sino que estos simplemente son la visión y expresión de sí mismos.
Escena de Morena (s) documental de Victoria Apolinario e Iván de Lara, exhibido en el II Festival de Cine Fine Arts Hecho en Casa.
El enfoque no es ni sencillo de concebir, ni fácil de lograr porque demanda ofrecer una credibilidad cómplice y empática, con personajes desconocidos hasta el momento de entrar a la gran sala oscura.
Apolinario e De Lara, con Morena (s) ofrecen una aguda y descriptiva carta de entrada al cine latinoamericano desde una historia mínima, la que refiere la lucha de esta mujer, haciendo sentir un cine que se involucra en la realidad captada para eliminar toda distancia objeto-sujeto y, con el manejo de una fotografía apropiada, sin espectacularidades en sus vueltas dramáticas, describen un proceso que va creciendo en emocionalmente en oleadas sucesivas, pero suaves y firmes.
Morena (s) No es el cine de los finales ni felices ni sorpresivos. Es el cine que se atreve a recrear una magnífica escena final basada únicamente en voces en una estructuración que el espectador aprovecha para imaginar cómo son y se expresan corporalmente los personajes que no se ven en escena.
Estos dos jóvenes directores se insertan en los mundos emotivo, parental y financiero de la mujer dominicana residente en un sector de clase media baja en Buenos Aires con su negocio de comida criolla dominicana de día y bar en la tanda nocturna, logrando llevar al espectador al mundo de Morena.
El documental refuerza estéticamente la cartelera del II Festival de Cine de Fine Arts Hecho en Casa, en el cual se han incluido Vals de Santo Domingo (Tatiana Fernández Geara), del que ya hemos escrito, y Lo que se hereda (Victoria Linares Villegas) que nos impactó bastante.
Morena (s) , siendo tal cual es, un regalo de buen gusto del II Festival de Cine Fine Arts Hecho en Casa, es una de las obras que debe ser vista por quienes aman el cine tomado muy en serio.
Ficha técnica
Título: Morena(s)
Dirección: Victoria Apolinario & Iván de Lara
Producción (Montaje): Nathalia Lafuente & Victoria Apolinario
Duración: 70 min.
Idioma: Español
Cartel Eduardo Shlomo Velázquez,
Elenco: Morela Mateo Medina (Morena), Leomarys Medina (Yaka), Morena Matos, Hugo Gabriel Francisco, Alberto Lezcano, Keilyn Fernández, Sabrina Fernández, Martha Sandoval Año: 2021
SANTO DOMINGO. – El milagro fue posible. “Enemigos tradicionales” danzaron en un mismo espacio, en un encuentro armonioso, amigable y festivo, todos en torno al cine desde enfoques, posturas y criterios normalmente diferenciados y con no pocos enfrentamientos no siempre corteses y agradables. Los egos se guardaron y el cine fue lo que debía ser: lazo de unidad fraterna.
Para creerlo había que estar allí: Nada menos que críticos de cine y quienes hacen el cine, productores, directores y actores, convocados en lo que debía ser una competencia descarnada por un trofeo que representa tanto: el homenaje de quienes piensan y evalúan el cine, se transformó en fiesta y encuentro de familia.
Era el III Premio de la Crítica Cinematográfica, continuación del I Premio de la Crítica (cuando triunfó Miriam miente, de Natalia Cabral y Oriol Estrada) realizado el 5 de febrero de 2020 en el Centro de Eventos Hodelpa de Ciudad Colonial con patrocinio de DGCINE y Logomarca, primer auspiciador que creyó en el galardón. Para esa época, el respaldo de Ivette Marichal, desde el organismo regulador, fue fundamental. El I Premio de la Crítica fue parte de la Quincena del Cine.
La idea de formar ADOPRESCI fue de Alfonso Quiñones, quien convoco a los críticos y cronistas de cine a una reunión que se produjo e Meridian, de la avenida Bolívar. La noche del III Premio no estuvo, pero fue citado varias veces y su recuerdo rondó toda la noche.
En el II Premio, el 2 de marzo del 2021, la triunfadora fue Malpaso (Héctor Manuel Valdez) en premiación realizada en circuito cerrado por la pandemia con respaldo de DGCINE y Logomarca. Ese ceremonial de gala fue la primera presentación pública de la nueva directora de la DGCINE, Marianna Vargas Gurilieva.
Para la tercera entrega, el Premio de la Crítica ha crecido en cantidad de nominaciones, la mayor hasta ahora al incluir, además de película, director y actor y actriz, otras categorías: guion, fotografía, sonido, musicalización y edición y al ampliar los apoyos institucionales con Banreservas, patrocinador principal y Egeda DOMINICANA, además de Logomarca por tercera vez.
El auditorio del Centro Cultural Banreservas se estrenaba como espacio para el montaje de un premio de cine, y hasta él fueron llegando los hacedores de las cuatro películas nominadas: El Blanco, La Fiera y la Fiesta, Candela y Liborio, expresiones de lo mejor del cine dominicano, (no las únicas, porque en las deliberaciones hubo que dejar fuera joyas del cine dominicano, por la limitación por los reglamentos del Premio de la Crítica, que es muy selectivo, de que debían ser solo cuatro).
La gran ganadora de la noche fue Candela (Andrés Farías, director, y Pablo Lozano, productor) con cuatro premios: mejor película, mejor sonido, mejor actriz y mejor edición.
La moderación de Nereyda Castillo, una de las mujeres mejor pensantes y expresivas del medio, y el discurso de introducción de la presidente ADOPRESCI, Dahiana Acosta, crearon un agradable ambiente experimentado en el Premio y fomentaron el sentido de reencuentro de quienes componen la industria.
Montaje de Candela en la III Premiación de la Critica ADOPRESCI.
Todas las películas nominadas recibieron al menos un premio en alguna categoría, dados por los críticos sin buscar “equilibrar” nada. Simplemente el número de votos de los críticos fueron determinando quiénes y qué ganaban los seleccionados. La intención no fue “balancear” el resultado para complacer a todo el mundo. No habría sido ético, ni propio de gente que se respeta.
Las películas ganadoras fueron:
Mejor Película
Candela dirigida por Andrés Farías, producción de Pablo Lozano.
Mejor Dirección
Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas por La Fiera y la Fiesta.
Mejor Guion
El Blanco: Alejandro Andújar.
Mejor Actor
Vicente Santos por Liborio.
Mejor Actriz
Sarah Jorge León por Candela.
Mejor Fotografía
La Fiera y la Fiesta: Israel Cárdenas.
Mejor Sonido
Candela: Marco Salaverría.
Mejor Musicalización
Liborio: Federico Chalas y Fermín Quintana
Mejor Edición
Candela: Juanjo Cid
El discurso de orden estuvo a cargo de Dahiana Acosta, quien resaltó que la premiación reunía como una familia a los productores, directores, actores y críticos, en una celebración del cine, tras la pandemia.
Rienzi Pared Pérez, asesor en cine del Centro Cultural y miembro de su patronato, resaltó el valor del cine como ambiente que ha unido generaciones. Mijail Peralta Rodríguez, gerente de cultura BR, observaba desde la primera fila, complacido, el desarrollo de la producción del ceremonial.
Nelson Jiménez y Luis Arambilet, estudiaban cada detalle de la producción, tras haber anunciado el día anterior, en el lanzamiento de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, que también tendrían el Premio de Cine de esa nueva entidad.
Un visitante especial fue Omar de la Cruz, director del Festival de Cine Global Santo Domingo, el de mayor trayectoria de los vigentes.
Homenaje a Sáez
La gala de esta III edición del Premio de la Crítica Cinematográfica rindió homenaje al crítico, historiador, catedrático universitario y sacerdote de la Compañía de Jesús, José Luis Sáez, autor del ensayo “Historia de un sueño importado”, elogiada por muchos críticos e investigadores y cuyos datos han servido para seguir profundizando en el estudio de la cinematografía local.
El homenaje, realizado mediante una entrevista en video, el padre jesuita narró algunos de los aspectos de su vida como amante del cine y como investigador histórico.
Para premiar las producciones dominicanas, Adopresci seleccionó un universo entre las producciones fílmicas exhibidas comercialmente en salas de cine entre el 1ero. de enero del 2021 hasta el 31 de diciembre de ese mismo año.
Entre las figuras que acudieron al III Premio de la Crítica, estuvieron Luis Arambilet (de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas RD), Nelson Jiménez (director de Egeda DOMINICANA), Pablo Lozano, Judith Rodríguez, Félix Germán, Lumi Lizardo, Peyi Guzmán, Pablo Chea y Karina Valdez.
Los críticos integrados en ADOPRESCI, tras las premiaciones en el Centro Cultural Banreservas. FOTO SUMINISTRADA X ADOPRESCI
ADOPRESCI es una organización de gestión colectiva, que tiene como finalidad agrupar a los profesionales que se dedican en medios de comunicación, impresos, digitales, radiales, televisivos u otros disponibles, a la crítica, en cine.
ADOPRESCI, fundada el 9 de febrero del 2019, ha realizado dos ediciones del Premio de la Crítica de Cine, el 5 de febrero de 2020, y el 2 de marzo del 2021, se efectuó dentro de un marco extraordinario obligado por la pandemia en la que se otorgó un único premio para la película “Malpaso” dirigida por Héctor Valdez.
La junta directiva actual de la Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (Adopresci) está integrada por su presidente, Dahiana Acosta, Félix Manuel Lora, vicepresidente; José Aquino, Tesorero; Luis Jansen, secretario ejecutivo y José Rafael Sosa, Vocal. Más información en www.Adopresci.org.
MADRID. Carmen Maura será reconocida por su dilatada trayectoria en el audiovisual iberoamericano con el Premio PLATINO de Honor de la IX Edición de estos galardones, el próximo 1 de mayo en Madrid.
La actriz recibirá el reconocimiento por sus más de cincuenta años dedicada a la interpretación en películas, series y obras teatrales de todo el mundo, trabajando con los directores Pedro Almodóvar, Álex de la Iglesia, Mario Camus, Carlos Saura, Fernando Trueba, José Luis Borau, Ricardo Larraín, André Techiné, Francis Ford Coppola, Pilar Miró o Fernando Colomo.
Maura es una de las más destacadas en el panorama iberoamericano, ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes, cuatro premios Goya, dos premios Félix de la Academia de Cine Europeo, la Concha de Plata del Festival de San Sebastián, el Premio César, el Premio Donostia del Festival de San Sebastián y el Premio Honorífico de la Academia de Cine Europeo.
Los artistas que han recibido antes este Premio de Honor son: Diego Luna, (2021) Raphael (2019), Adriana Barraza (2018), Edward James Olmos (2017), Ricardo Darín (2016), Antonio Banderas (2015) y Sonia Braga (2014).
Su trayectoria
Carmen Maura nació en 1945 en Madrid. Comenzó a actuar en el Teatro Español Universitario para volcarse en la interpretación a finales de los años setenta, con sus primeros papeles en cine y televisión. Hizo para Carlos Saura (Los ojos vendados),inició colaboración con Pedro Almodóvar con Bom y otras chicas del montón, convirtiéndose en la primera “chica Almodóvar” y protagonizando varias de sus siguientes películas.
Maura fue la protagonista de Mujeres al borde de un ataque de nervios, película que le valdría a Pedro Almodóvar su primera nominación al Premio Oscar y con la que la actriz consiguió el Premio Goya y el Félix de los Premios del Cine Europeo.
Carmen Maura protagonizo ¡Ay, Carmela!, de Carlos Saura, gran éxito en la época que le valdría sendos premios Goya y Felix, La reina anónima, de Gonzalo Suárez, Sombras en una batalla de Mario Camus o Cómo ser infeliz y disfrutarlo de Enrique Urbizu.
Maura ha recibido reconocimientos tan destacados como el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, la Medalla de Oro de la Academia de Cine Española, el Premio Donostia del Festival de San Sebastián, o el Premio Honorífico a toda una carrera que otorga la Academia de Cine Europeo, a los que se suma este Premio PLATINO de Honor.
