Danza

Los 7 puntos que aclara Waddy Jáquez y tres adicionales necesarios

 

El documento del Ministerio de Educación que daba cuenta de la contratación del musical Mariposas de Acero, para ser presentado a estudiantes en la Feria del Libro 2023, a un costo de 40 millones de pesos, generó una reacción social casi unánime contraria al pago de ese monto, por considerarse excesivo.

El tema se transformó en el plato de mil para las moscas ávidas de tener el tema del día, con variados propósitos. La polémica a partir del documento que estaba colgado en el portal de contrataciones del Ministerio de Educación, provocó la cancelación del contrato por parte del Ministerio de Educación. La suma a ser pagada era tan alta y eso generó pronunciamientos en todo sentido.

La imagen inicial es que quedaba es que los artistas responsables del musical, pretendían cobrar una suma exorbitante por seis presentaciones.

Lo positivo que implica la situación, es que lleva, en lugar de sumarse al coro de condenas que incluso censura a los artistas responsables de ese montaje, es que obliga a examinar el valor de la inversión en arte y a reevaluar la mirada sobre las industrias creativas (Economía Naranja).

Las declaraciones de Waddys Jáquez, director y productor del montaje, colgadas en la página de Instagram y otras redes sociales, han sido resumidas a varios párrafos por los medios de comunicación, Las presentamos íntegramente para que queden su mensaje llegue íntegramente leído a la comunidad y sea constancia de un testimonio que opera como una fundamental declaración de principios que aporta Jáquez a la conciencia nacional.

Este texto replantea el valor del arte como un trabajo a ser pagado con justicia y que resalta su papel como elemento educativo y motivador en valores. Esta intervención de Jáquez en realidad es un manifiesto esencial sobre el valor del arte y el precio del talento, alejándose del tráfico de superficialidades, el auspicio de las guerrillas personales, la ignominiosa vigencia de los egos, y del uso proselitista del hecho expuesto. Esas declaraciones no han sido publicadas completas por los medios que las han reseñado.

A estas declaraciones, agregamos tres consideraciones:

1-En esta polémica, los villanos no son los artistas. Ellos son trabajadores del arte y merecen, junto con todos los que hacen labores similares, ser tratados con justicia y recibir un pago justo por sus talentos.

2-Se debe revisar la inversión de las empresas públicas y privadas en arte para privilegiar el arte que implique valores, estética del más alto nivel y excluir el gasto en expresiones lúdicas de cuestionado contenido por los mensajes que transmite.

Escena de Mariposas de Acero. Foto: JRS

3 -Mariposas de Acero debe encontrar, ahora más que nunca antes, empresarios y funcionarios gubernamentales con conciencia y sensibilidad a la altura necesaria que respalden y patrocinen la presentación de este documento histórico artístico (no explotación de una marca como se ha querido sugerir) y en la misma medida dejar de entender que el teatro todo, es la cenicienta de las artes. Al final, la polémica ha traído a la opinión general, un punto de reflexión fundamental: ¿Tenemos conciencia del valor del arte? ¿Los artistas de la escena, de la música, de las artes visuales, merecen no solo respaldo nominal sino el pago adecuado y digno de su labor?

A continuación, las declaraciones completas de Waddys Jáquez 

“A propósito de las declaraciones del ministro de Educación con relación a la contratación del Musical Mariposas de Acero para presentarse en el marco de la Feria del Libro 2023, es importante aclarar algunos puntos:

1-El costo de las seis funciones jamás fue de 40 millones de pesos. Ese fue un error cometido por su equipo al subir el pliego a la página de contrataciones del MINERD. Ese monto correspondía a otra cantidad que el mismo ministro, tomando así la decisión de hacer tan solo 6 presentaciones. Es importante que ellos rectifiquen y admitan ese pequeño error, porque no es lo mismo 40, que 20, o que 22 o 23. Una suma que puede parecer exorbitante para quien nunca ha producido un musical o cualquier evento de esta magnitud, pero que para los expertos es totalmente normal. Parece una suma exorbitante para quienes no saben que la sala principal del Teatro Nacional puede llegar a costar 350 mil pesos para una sola noche, porque el hecho de que sea estatal, no quiere decir que sea gratis. Claro, una suma exorbitante para quienes no saben que el sistema de proyecciones, audio, luces, escenografía que componen un gran musical, cuesta millones.

2- Lo segundo que quiero aclarar es que tal y como dijo el ministro de Educación, nosotros nos retrasamos en continuar el proceso de contratación. Esto debido a que pedimos que se garantizara que las presentaciones iban a llegar a los estudiantes, porque ese era el objetivo fundamental de nuestra participación en la Feria del Libro 2023. Después que se nos confirmó que había una estrategia para llevar a los alumnos al teatro, aunque el Año Escolar comienza durante la segunda semana de la Feria del Libro, nosotros entonces procedimos a continuar con la licitación, pero el tiempo de entrega terminó.

3-Aunque a muchos les cueste entenderlo, la economía naranja es una realidad, y el teatro, al igual que otras disciplinas, forman parte de nuestras industria creativas y culturales y, como industria, debemos garantizar el pago de todas y todes los que laboran en ella, tal y como sucede con un funcionario gobierno, con un vendedor, con la gerente de banco. Esa idea pobre de que el teatro debe ser la cenicienta de las artes y que vale menos que otras disciplinas como el cine, debe terminar, porque si se invierten 50 o 100 millones en una película que nadie ve ¿Por qué cerrarles las puertas a espectáculos teatrales que constantemente están moviendo a miles de personas?

4-Al final de esta historia, solo queda realidad: el Ministerio de Educación que recibe el 4% del Producto Interno Bruto del país y que por no poder ni tener la estrategia para usarlo, devuelve al Estado, miles de millones, este año tendrá que devolver un poquito más. Y bueno, en esa devolución no solamente pierden las 120 personas, entre artistas y técnicos que conforman el equipo de Mariposas de Acero, sino que también, y sobre todo, pierde la nación. Porque Mariposas de Acero es un documento histórico que eleva nuestro orgullo patrio y el amor por esta nación, por esta media isla, un documento, claro, obviado por funcionarios que prefieren ir a cualquier evento farandulero que lea garanticen los falowers, antes que darles la mano a los amigos de la democracia, aquellos que entendemos la obligación que tenemos ante una juventud que está cada vez más influenciada por los malos valores. Una juventud que abandona las escuelas. Una juventud que va en busca de sueños fáciles de realizar matando, delinquiendo, buscando el reloj y la cadena de diamantes que valen más que mil salarios mínimos.

5-Señores, en el arte hay que invertir. Y no solo con nosotros, sino con todos en general (se refiere a los artistas), porque es un vehículo perfecto para ayudar a despertar la conciencia de esta generación.

6-Yo soy un simple mortal y lo digo desde mi asiento, pero soy también el que peleó la batalla de la migración y el que contra viento y maría y ¡Gloria a Dios! ha salido invicto. Yo soy también uno de los dominicanos que ha puesto en alto la bandera nacional, demostrando así que también a través del arte, se hace Patria.

7-Mariposas de acero va a volar, hasta los oídos y los ojos de los estudiantes de nuestras escuelas públicas y los colegios, aunque tengamos que tocar mil puertas, hasta encontrar a los verdaderos patriotas, que ponen su palabra por obra y no dejan todo en simples promesas”.

julio 8, 2023 por Arte Danza Estrenos Noticias Portada 0

Patricia, sabemos que es segura, pero hay muertes…

SANTO DOMINGO.  Hay muertes que no debieron haber sido.

Muertes que no merecen el paso de su significado inevitable.

Hay muertes que, sabiendo que son inexorables, no debieran llegar de la forma en que lo hace a veces.

Hay muertes inconcebibles.

Hay algunas muertes que por vueltas que usted le dé, no tienen ni agarre, ni sentido.

Son muertes que nos toman por sorpresa,

Muertes que duelen más que otras muertes.

Muertes que no son la conclusión del ciclo natural a que estamos abocados.

Muertes que se sobre imponen a la razón y la lógica.

Patricia Ascuasiati no merecía irse como se ha ido.

La enorme esperanza se afianza en que el talento de quienes hacen arte, no muerte nunca.

Se recuerda.

Se venera.

Se atesora.

Se revive a cada vuelta del camino. Los artistas vuelven a vivir cada vez que una sensibilidad impactada por su perfume, recuerde de lo que era capaz de dar ese potencial estético.

Ha de ser recordada por su hermosa y profunda voz.

Ha de ser recordada cada vez que alguien rememore su danzar de estrella del escenario.

Volverá   a la vida con cada enseñanza impartida que se expresará en el mejoramiento de la técnica.

Los hechos en torno a Patricia, son inamovibles y concretos. Nada se puede hacer por volverlos atrás.  Solo es posible recordarla con honor, cariño y el homenaje que una mujer de su talla y talento, merece.

Se ha ido. Pero sigue acá. Es el tipo de seres imposibles de irse definitiva y anónimamente.

Esta es una oración que se eleva por su recuerdo y su memoria.

Nos seguiremos perdiendo en la inmensidad armoniosa y fuerte del verde mar de sus ojos; nos seguiremos regodeando en aquella su voz, tan hermosa y firme.

Volverá a nuestras mentes, las muchas veces que vestida de tul y zapatillas de punta, en que hizo una y otra vez El Lago de los Cisnes, una y otra vez.

Volverá a nuestros oídos el “Pa que no te jodas” ultima frase de la escena con que introdujo a La Gunguna.

 

marzo 11, 2022 por Arte Danza Noticias Portada 0

Grandes retos esperan a Carmen Heredia, nueva ministra Cultura

Carmen Alceste Heredia Ottenwalder, viuda Guerrero, la primera mujer a cargo del Ministerio Cultura, asume el cargo en un área que conoce a fondo y en el que tiene camino trazado como artista, funcionaria, crítica de arte, se encuentra ante enormes desafíos, que inician por la conformación de su equipo de trabajo eficiente y la revisión del programa que desarrollaban, con aciertos y fallos, las salientes autoridades.

La labor que le espera a Carmen Heredia es inmensa por la complejidad del universo humano de los talentos artísticos, problemáticas cruzadas, las irreductibles e innombrables luchas del poder interno, por las huellas, positivas y negativas, que dejan las cinco administraciones de Tony Raful, José Rafael Lantigua, José Antonio Rodríguez, Pedro Bergés y Eduardo Selman. Apuestan en su favor. El temperamento no conflictivo, conciliador y firme además de sus competencias profesionales y su formación cultural,
Perdieron las mujeres
El ofrecimiento que hizo Abinader de tener paridad de género en su gabinete, a la luz de la realidad, se fue al baúl de los olvidos. Solo hay dos ministras (sin contar con la incógnita de quien ira a Educación Superior, Ciencia y Tecnología, puesto “propio” para una maestra). Los ministerios cruciales, todos han sido destinados a hombres.
La presión de los grupos de la sociedad civil y las organizaciones de mujeres, no sirvieron de nada, ni siquiera el nombramiento de mujeres en las 26 provincias como gobernadoras, medida con un fuerte tamiz heredado del primero gobierno de Joaquín Balaguer (1966) y quien sabe si tiene efecto real en la participación de las mujeres en la formulación y desarrollo de políticas con sentido de género en sus comunidades. Ojalá sea así.

Los desafíos
Heredia es una profesional de la cultura con una sensibilización y una experiencia forjada y respetada por su actuación como Directora Artística del Teatro Nacional y del Ballet Nacional Dominicano y su labor como crítica de artes escénicas, básicamente desde el diario Hoy,  y la publicación de Desde Platea, selección de sus crónicas   (2018), su segundo libro tras la salida, en 2004, de Espacios de Teatro, danza y otros espacios, dos títulos fundamentales en la conformación del pensamiento crítico en artes escénicas.
Heredia llega al despacho con agente de urgencias: la reunificación del sector cultural, el relanzamiento de la Feria Internacional del Libro, el respaldo a la labor de formación artística, el establecimiento de nuevos lineamientos para el trabajo a la luz del impacto de la emergencia sanitaria y reactivar las funciones y proyectos de animación a la lectura y el sistema nacional de bibliotecas. La feria del libro este ano fue celebrada virtualmente con paneles interesantes.

También debe corregir varias y obvias metidas de pata, como el de despojar de su nombre al auditorio Enriquillo Sánchez y por otra parte, así como impulsar y aprovechar debidamente la remodelación de la Plaza de la Cultura.
 
Le corresponde igualmente retomar e impulsar las principales estrategias del Ministerio, a la Editora Nacional, rescatar de la ignominiosa invisibilidad a que se sometió la revista cultural País Cultural, estrenada en su primera etapa en mayo de 2017, con un acto en la Biblioteca Nacional, el gran vocero promocional del arte y la literatura y que no llego a circular por razones poco conocidas.  Los números editados aún están en algún almacén del Ministerio. País Cultural era dirigida por Soledad Álvarez y contaba con un grupo de colaboradores nacionales e internacionales aportando trabajos inéditos.
 

agosto 11, 2020 por Danza Literatura Noticias Portada 0

Red de Sangre, un arte cristiano de compromiso social

Los artistas cristianos suelen ser una caja de sorpresas, tal   y como ocurre con la idea que se tenía de la canción de fe, que muchas veces se reducía a  los sonsonetes de “Ríos de agua viva” o el cursillista “De colores” sin observar que entre las feligresías de las iglesias hay artistas de enorme talento  y de trayectorias que pudieron haber sido un fenómeno de popularidad y convocatoria en las normas del arte comercial y que, sin embargo, optaron por la ruta ciertamente más difícil y anónima del arte estructurado sobre el interés de su fe.

Hicimos conciencia de que había una realidad escénica de los cristianos  en 2017, vimos el musical cristiano La Causa  de Locis Septem el cual, pese a lo incomunicativo de su título, sin dudas era  un trabajo  bien logrado y con una definida motivación cristiana, realizada con  aportes técnico-artísticos basados en criterios profesionales al cual se le agregaba el talento joven deseoso de llegar mediante el teatro, su mensaje.
Era un montaje que concentraba talentos formados en Estados Unidos y a grupos danzarios de ritmos modernos urbanos y de danza moderna, alternando con actuaciones y el uso de recursos técnicos
Ahora, con Red de Sangre, la más reciente producción de Juventud con una misión, un proyecto artístico escrito y dirigido por la coreógrafa Eva Piccini, para exponer la trágica situación que plantea la trata de personas, a cuya sombra se enriquecen políticos sin escrúpulos y delincuentes de cuello blanco.

El éxito de Red de Sangre  con sus 62 interpretes en escena (actores y bailarines) es la  fuerza  artística que expresan y su temática, al exponer un drama ante el cual nos falta conciencia precisa en torno a la esclavitud moderna que supone el enriquecimiento de mafias a partir de la trata de personas, sobre todo mujeres destinadas a la explotación sexual.
El resultado   es uno de los montajes artísticamente más depurado, en el marco de su talento joven no profesional, con altos vuelos estéticos tanto en la danza como en la canción. La actuación queda un poco por debajo, pero hay que tomar en cuenta la no formación profesional de sus talentos.
No se trata de dar visto bueno al proyecto por su  objetivo evangelizador cristiano. No. Es arte escénico con méritos propios, con sus propias densidades interpretativas. Su escenografía es funcional y precisa. Pudo en determinadas escenas, ser mejor, pero cumple su objetivo, evita la facilidad del minimalismo simplista y acierta con sus efectos especiales.

El defecto
La falla cuando el arte está regido por la misión y el mensaje es el tiempo excesivo en escena, cerca de dos horas, incluyendo el innecesario discurso motivacional luego de la presentación. Era suficiente con lo que se presento y cualquier dato que caracterice la trata de blancas se podía ofrecer en el programa de mano.
Ficha Técnica
Título: Red de Sangre
Género: Musical
Ano: 2019
Directora y libretista:  Eva Piccini
Asistencia dirección y coreografía: Luis Armando Cordero
Producción; Juventud con una misión
Elenco: Anlly Piantini, Ángel Brown, Villanova, Brandy Berroa, Jesús Villanueva, Lizzy Parra, Jairon High, Profeta Lirical, Franklin Gerónimo y YWAMSD Arts.
SINOPSIS
Abigail Gutiérrez, joven que fue víctima de trata de blanca o trata  de personas. Esta fue forzada a prostituirse luego de ganar “Absolute Urban”, un Campeonato Mundial de Hip Hop en la ciudad de Santo Domingo. A pesar de las amenazas de muerte, Abigail planea cómo escapar de sus secuestradores, impulsada por su fe en Jesús.
Sobre JUCUM
Juventud Con Una Misión Santo Domingo una ONG cristiana que trabaja enseñando valores y promoviendo mensajes de transformación a través de las artes, hemos laborado en República Dominicana por más de 30 años. Sus objetivos  1- Misiones Nacionales y Mundiales, 2- Artes  3- Niños, adolescentes y jóvenes, 4- Ayuda humanitaria y misericordia.
 

diciembre 24, 2019 por Danza Portada Teatro 0

Talento joven construye hoy el futuro de la danza A tiempo de tres

La circularidad de las rutinas de un cronista artístico-cultural, son infaltablemente las mismas: trabajar para un medio, procurar acontecimientos que reportar para el público en teatro, cine, plástica, literatura o danza, para citar solo algunas de las áreas de mayo atractivo escénico o del ejercicio de la creatividad, la investigación o la inteligencia.
El cuadro se completa con las peticiones de los editores de secciones (a su vez sometidos a los requerimientos de todo cuanto les llega para que sea cubierto) y las siempre presentes solicitudes de las agencias de relaciones publicas de los artistas o productores, que necesitan tener cobertura mediática porque para eso se les ha contratado.

Pero hay acontecimientos artísticos que se escapan de esa trayectoria tan aparentemente inconmovible, porque reconstituyen el futuro de su quehacer, ofrecen la nueva mirada y la novedosa panorámica que solo es posible dar a un arte determinado, su generación de relevo.
A tiempo de tres, producido por el Patronato Dominicano por la Danza, parecía un espectáculo de Danza tal cual otros muchos a los que convocan esas circunstancias profesionales y que llevan a diversos escenarios, entrada libre para los medios, asientos de privilegio y libertad para tomar fotos, lo cual, teóricamente, no es posible para el público y que, desde luego, nadie cumple.
A tiempo de tres, con sus cuatro montajes,  Juntos aferrándose (Together Clinging), (Carlos Pons Guerra, coreógrafo español), Danzón (Carlos Veitia, dominicano), @3 (Sthepanie Bauger, dominicana) y Memorias del Dorado (Anabelle López Ochoa, colombiana), pudo haber sido uno de muchos espectáculos danzarios que e emocionan por su impecabilidad estética, por sus armoniosos giros sincronizados, por su interpretación en las tablas que reafirma la mágica esencia de un arte silente y corporalmente expresivo.
Para ser lo que ha sido, A tiempo de tres, se han tenido que dar una acertada combinación de coreógrafos nacionales e internacionales de prestigio, el empuje de ese talento juvenil ansioso de establecer su marca y esa siempre presente la necesidad del relevo, favorecida por los talentos veteranos, los que escribieron durante anos sobre las tablas, su impronta.

Juntos aferrándose (Together Clinging) coreografiado por Carlos Pons Guerra, lleva al extremo la grácil expresividad de una pareja. Exceptuando el solo, la actuación de dos danzantes es exigente porque demanda llenar todo el escenario, captar la atención y satisfacer el exigente gusto del público y si encima tiene la fuerza y la gracia como para lograr lo impensable con la danza, la risa, el éxito es completo. Música de Amilcare Ponchielli.

Danzón, de Veitia, deja sentir el cuidado y el amor con que se concibió ese cruzar de masas danzarías, su simbolismo, su fuerza comunicando el valor del arte popular con vestimenta clásica. Música Arturo Márquez.

Bauger, juega con el tres en @3, logrando el más simbólicos y embriagantes de los espectáculos, basado en la selección de sus tres bailarinas, su increíble coordinación psico-física en una interpretación exigente, entrelazada fantasía entre el tres y el cuatro, sobre una escenografía simple, efectiva e inocente. Música de Astor Piazzola.

Memorias del dorado, fantasía indígena americana que valora las raíces prehispánicas, su leyenda aurea (de la que tuvimos todos noticias por las clases de historia de primaria) se presenta con un nuevo valor y el marco que ofrece para entregar un montaje que deja claro que el futuro de la danza dominicana, es aquí y es ahora, que tiene rostros y marcas, que se asume con cuerpos de hombres y mujeres que ya aprendieron a darlo todo. Música, Max Rictcher, Antonio Vivaldi, J.S. Bach y Michael Banabila.

Los apoyos y los créditos
Lo técnico: la producción fue del Patronato Dominicano por la Danza, el concepto y la dirección artística de Sthepanie Bauger, la escenografía y su ejecución es del arquitecto y artista José Muira, la producción ejecutiva de Sarah Esteva y Marianela Sallent, con el sustento de imágenes dela fotógrafa, actriz y   balerina Karoline Becker y las luces de Rubén Lara.
Auspicios: Este espectáculo con sus cuatro montajes, fue auspiciado, desde el plano oficial, por Ministerio de Cultura, Dirección General de Bellas y desde el sector privado, el apoyo provino del Banco de Reservas, el Banco Popular y Baskin Robbins, además de Pine Box (Visual Studio) y J. García Martínez y Asociados (arquitectos).
 

octubre 27, 2019 por Danza Portada 0

Karoline Becker: altísima expresión de danza, actuación, vestuarismo, canción y fotografía de artistas

El buen éxito de un artista es ser excepcionalmente bueno en su disciplina.
Pero a veces, solo a veces, en el afán denodado del camino, aparecen artistas que logran ser muchas expresiones del arte. Pero son pocas las oportunidades en que esa personalidad artística, lograr ser uno de los puntos más altos en varias expresiones estética.

Foto Karoline Becker (EL VESTIDOR, SALA RAVELO. PERSOAJE : Sir (Giovanny Cruz)
Cuando se reflexiona sobre la multi valencia artística, un nombre deslumbra: Karoline Becker: Actriz, bailarina, o fotógrafa o como diseñadora de arte.

Atrapar el instante que perpetua la danza. Es la obra de Karoline Becker
Una gama de artes
Visto su profundo sentir expresivo en los espectáculos de EDANCO (en Bellas Artes)  o como personaje teatral en una pieza tan crucial como su personaje de en  Flaca, la Paloma “Por los caminos del hambre acontecen palomas” , montaje en la que compartió escena con  Fausto Rojas, en un montaje cargado de drama, soledad y poesía textual y visual en el acogedor Teatro Babeque, lo que asombra es que esta mujer también se haya preparado en el arte fotográfico y que haya llegado a ser la referencia mas alta y respetada en materia de fotografías promocionales  y documentales a sus compañeros artistas.

 
Maria Castillo   y Judith Rodriguez , vistas por Karoline Becker 
Como actriz de cine ha participado en Al sur de la inocencia (Héctor Manuel Valdez, 2014), y su más desplegada actuación fue en Flor de Azúcar, dirigida por Fernando Báez (EPD) en 2016. Ha participado en musicales, área que es la que mas le llena por lo demandante que estéticamente resulta el género. Ha confesado en las contadas entrevistas que le han hecho, que el teatro musical es lo que interpretativamente, mas le atraen y desafían.

La fotografía
Hoy día, Becker está en la cumbre de la fotografía artística cuando de obtener la mejor imagen de los artistas se trata, puesto que ha ganado en base a talento, actitud y preparación teórica y académica.
Cuenta que recibió sus primeras clases de Fotografía en la carrera de Diseño Arquitectónico en UNIBE con el maestro Amado Hasbun, al tiempo que se formaba como bailarina en ENDANZA y formando parte del Ballet Nacional Dominicano y actriz de teatro musical.

“Me atreví a comprar una cámara semiprofesional y aprovechaba para tomar fotos de ocio en los ensayos de teatro, teatro musical y danza. Así fue como comencé a dedicarme formalmente a hacer fotos de espectáculos en escenarios y para 2013 crea el estudio fotográfico Pinebox. Por medio de la tecnología y entrenarme One to One con varios profesionales de la post producción fotográfica online.

La fotógrafa, fotografiada: Karoline Becker (DERECHOS RESERVADOS Y SUMINISTRAD POR LA ARTISTA)
Le preguntamos ¿cómo ve el panorama de la fotografía de retratos artísticos en RD?  Y responde enfática: “Muy pobre. La educación fotográfica en nuestro país consume y propaga pensums y materias desfasadas de hace 20 años atrás. Para el joven fotógrafo que quiere crecer el mejor maestro resulta ser YouTube y esto es fatal. Hace mucho tiempo que ya no se enseña fotografía a partir de las vivencias y experiencias visuales y psicológicas que ha vivido el artista y que lleva dentro desde que fue niño hasta su actualidad. Ese modo de expresión original se ha visto tronchado por muchos tecnicismos, tecnologías y datos genéricos que no hacen crecer al fotógrafo.

Considera que en la industria del arte y hace falta dejar de quejarse por la ignorancia, y la malformación,  por lo que “He decidido que si me quejaría de lo que sucede en este aspecto tendría que hacer algo al respecto para poder emitir la queja. Hoy soy maestra”.

septiembre 7, 2019 por Arte Cine Danza Portada Uncategorized 0

¡Mamma Mía! Teatro musical de altísimo nivel

Lo que habrá de ver la gente que opte por el musical ¡Mamma Mía!, que anoche ofreció una función premiere en Escenario 360, es mas de lo que pueda esperarse del trabajo de sus talentos.  Nada que pueda describirse ahora, dará la idea de lo que es este espectáculo, por muchas razones. Con sus 28 canciones, su escenografía, su danzar de conjunto, sus interpretaciones actorales, el vestuario y peinados, su respaldo musical  que hace honor al original. Sus funciones al publico inician este 15 de noviembre.
Lo que se logra a partir de este guion afamado internacionalmente como uno de los más representados y exigentes, es una versión fresca, perfeccionista, cuidada con esmero en sus aspectos danzarios, actorales, musicales.
La dirección general musical de Sánchez, lo establece como Señor del Teatro Musical Dominicano, trasformador del género al dotarle del sentido y la tecnología de este tiempo.  Han llegado otros valiosos talentos de la dirección con enorme formación que han fortalecido el género, ofreciendo diversidad en cartelera y sentido profesional.  Amaury Sánchez sigue siendo parte fundamental del punto de mayor altura en el genero.

Mamma Mía! representa uno de los puntos mas fuertes del 2018 en Teatro Musical que aprovecha el Escenario 360 para entregar un talento de equipo que dejara impactada a mucha gente.


Pablo Pérez, con todo y su juventud, asume una enorme responsabilidad y logra una coreografía que aprovecha al máximo el espacio, que se desarrolla sobre una escenografía impecable  y bien pensada  y que aprovecha la técnica de masas móviles para cambiar  con agilidad y estética, de un ambiente a otro a ojos vista, responsabilidad de Angela Bernal.
Paola González, nuestra potente y establecida soprano, muestra como se orientan hacia su objetivo, todos los talentos que cantan. Su invisible y sonora mano, nos transporte y eleva. Gina Terc muestra que sigue siendo un elevado referente en vestuario, al reproducir la época por medio del atuendo, tal cual debió ser siempre. Diseño de luces (Ernesto López) y Sonido de Félix Cabral, se ubican en un plano de trascendencia para permitirnos ver y escuchar con claridad significante.
Actuaciones
Interpretativamente se tiene un elenco de enorme fuerza histriónica (dirigido por Waddy Jáquez, visionario y gestor del teatro en cualquiera de sus géneros.
Solange Freyre (Donna)– la misma versátil y extraordinaria artista argentina que estremeció los jueces del Go Talent España,  y que nadie debería dejar de verla en su esplendor escénico. Disfrutarla a profundidad a lo largo de casi dos horas de actuación, supera en mucho los minutos 6 minutos y 5 segundos con 3 millones 215 mil visitas en You Tube, tan conocidos por video de su presencia en el certamen español. Es otra dimensión. Es una señora dueña del escenario. Ver su portal: www.solangefreyre.com

Georgina Duluc (Tanya), que con una actuación múltiple que evidencia ser una artista completa, integra y valiente, capaz de silenciar, a punta arte verdadero, las critiquillas en los corrillos de la farándula de cuando era tan solo estampita de y el jolgorio de sus atuendos en las alfombras de rojo chino.. Es una artista que sienta respeto por lo que hace aquí.

Sonia Alfonso (Rosie), con la actuación de su vida, parte de una carrera que vimos comenzar en el Festival de la Canción, con su humorístico papel, también muestra su afinada voz y su adaptación a las coreografías. Es una de las sorpresas más gratas.
Karoline Becker (Sophy), bailarina, cantante, fotógrafa profesionalisiama, eje de la historia y que muestra una entereza versátil bailando y cantando. Penetrante y sólida formación que se ponen a rendir episodios actuados dignos de no ser olvidados. Nos impacta el manejo de su voz.
Javier Grullón (Sky), que ratifica su sello diferenciante en escena, producto de su formación y tradición familiar. Carisma y presencia escénica que cuentan sobradamente con su juventud y empuje como principal potencial.
Irving Alberty (Bill) n la presentación más genial de sus créditos en el programa de mano que hayamos visto) reitera sus facultades. Excelente. Jose Guillermo Cortines iguala su elegancia física con un rendimiento en tablas que inspira respeto y Daniel Sarcos (Sam), digno exponente de la formación artística de su generación en Venezuela. Es exquisito y deja ver aspectos de su talento que no se perciben cuando hace otras funciones, sobre todo televisivas.
Mamma Mía! es un musical que cierra muy en alto el 2018 y que recomendamos con la complicidad de quien sabe que lo visto y escuchado, es de excepción. Inicia este 15 de noviembre en Espacio 360.

noviembre 13, 2018 por Danza Música Portada Teatro 0

Loading, noble arte, danzario en BA

Si era necesaria alguna señal para sentir orgullo de la dominicanidad como lazo de arte que nos hace una nación digna ante el mundo, el Ballet Nacional Dominicano, acaba de darnos el pase de oro.
El espectáculo Loading se emplaza como uno de los montajes danzarios más resaltantes del 2018 por la afinada coreografía, el recorrido por tiempos y estilos de la danza, guardando un respetuoso equilibrio interpretativo, incluso en el alusivo a la salsa, pero su fuerte radica sin dudar, en su expresión moderna y post moderna, acontecimientos que Pablo Pérez, coreógrafo residente, se encargo de darles sentido y preeminencia estética.

Desde sus primeras presentaciones en escena, Alexander Duval, que sin la fortaleza corporal d ahora, pero si el empuje productivo en la escena que muestra hoy, dejaba ver que llegaría muy lejos, que sus pasos tenían un trillo de claro orgullo y una estética danzaría y que en su espíritu radicaba la voluntad de trascendencia. Su vida estaba marcada por el danzar, razón de ser y signo equiparable a vivir.
El espectáculo danzario Loading (Cargando), ofrecido en sala Máximo Avilés Blonda supera el agendario cultural de la danza, escapando de los límites de un espectáculo de danza que recorre lo clásico, lo moderno y lo post moderno.

El director del BND, Armando González, ha dado muestras de visión generacional, de actitud abierta para auspiciar que el nuevo talento evidencia sus señales y se levante. Estuvo atento y satisfecho. El arte de la danza tiene vida propia y  no depende de personalidades iluminadas e imprescindibles.
Alexander, junto a María Emilia García Portella, quien marca un espacio propio y luminoso en escena,  y Pablo Pérez, de amplia experiencia y reconocimiento como danzante y coreógrafo, se han hecho responsables de una de las experiencias de la danza mas alucinantes del ano, comparable solo a algunas presentaciones criollas en Edanco 2018.

El espectáculo, y particularmente las siete entregas de su producción central Loading, dejan en el espectador la satisfacción de la trascendencia del arte, en cada uno de los espectadores que acudimos a Bellas Artes, al sentir como se expresaba en las tablas el sabor firme, y a veces amargo, de los meses de entrenamiento para formación danzaria, de los meses que se tomaron para lograr un producto de este nivel internacional.
GALERIA FOTOGRAFICA LOADING (GOOGLE PHOTOS)
Fue un recorrido por los tiempos de la danza, iniciado con el Grand Pas Clasissique, ballet del repertorio universal, tan infaltable como exigente en su desempeño, con música de Daniel Francois Auber, de la Opera Le Diu e la Bayaare, presentad por Yvette Chauvire y Vladimir Skouratoh.

Los danzantes del Ballet Nacional Dominicano prepararon durante meses de intensos ensayos, las cuatro producciones de su espectáculo en Bellas Artes. FOTO DE J. R. SOSA


Sabor Latino fue una pieza identificatoria, rica y caribeña, por toda la compañía, en la que resaltaban ritmo y vestuario, adecuados y precisos a lo  perseguido.
Por sus aires populares, pudo haber parecido estar fuera del marco estético, pero fue plasmado con tal fuerza por Duvall, que se sintió como digno y propio.
Pablo Pérez se luce como coreógrafo de Loading, que denuncia la mecanización, dependencia y alienación humana en nombre de una tecnología omnipresente pero dictatorial en oportunidades. Hermosa labor de conjunto en que expresión del cuerpo se une a un concepto de vestuario, y diseño de luces que llevaron el bailar contemporáneo a un nuevo nivel expresivo.
Notable la armonía de las mazas danzantes, la fuerza expresiva y la coordinación el filo de la perfección anhelada. Siete entregas (Machine, Cano, Feel, Air, Energy, Human, y Future) dignas de ser vistas más de una vez.
Un recurso resaltante es el vestuario de Renata Carretero, signo de criterio  y elegancia, armonizado e integrado al conjunto de expresiones de un montaje de este nivel.
Un espectaculo absolutamente recomendable.

Ficha Técnica
Loading (Cargando)
Compañía: Ballet Nacional Dominicano
Director: Armando González
Maestras y ensayadoras: Doris Infante y Lisbell Piedra
Coreógrafo residente: Pablo Pérez
Coreógrafos: María Emilia Portella (Sin fin), Alexander Duvall (Sentimiento Latino) y Pablo Pérez (Loading).
Vestuario: Renata Cruz Carretero
 
 
 

noviembre 4, 2018 por Arte Danza Portada 0

Edanco une, en Bellas Artes, a RD con la danza moderna internacional

Cuando se montó en el Palacio de Bellas Artes, la primera edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea, en 2005, más conocido como EDANCO, no había mucha claridad sobre los caminos que recorrería el evento.  La propuesta de Edmundo Poy, maestro de ballet y danza moderna, se planeaba como novedosa, pero inmensa a inabarcable.
Había en el ambiente criollo del ballet criollo de la modernidad, tanto dudas  como  esperanzas. Incertidumbre sobre su sostenibilidad en el tiempo y la esperanza de que se pudiera concretar como encuentro anual que relacionara a quienes hacen de la poesía del cuerpo en movimiento, su principal objetivo vivencial en escenario.
WEB DE SANDRA GARIP

Cabeza, montaje de Espana, en EDANCO 2018. FOTO CORTESIA DE SANDRA GARIP


Hoy día se muestra que el proyecto se ha transformado en el vínculo con el resto del mundo del quehacer danzario dominicano contemporáneo. Es que se trataba de un encuentro costoso y logísticamente desafiante, que implicaba grandes recursos económicos, mucha coordinación previa, concertación de voluntades, tomando en cuenta las agendas de las compañías.
GALERIA DE EDICIONES PASADAS. FOTOS DE SANDRA GARIP

Lo que es hoy
EDANCO 2018, inaugurada el pasado 24 de septiembre cuenta en su cartelera 23 compañías internacionales con 24 funciones durante sus 14 días de duración, del 24 de septiembre hasta el sábado 7 de octubre, ofreciendo una cartelera internacional que no sería posible de otra forma.
Ven acción compañías de México, Panamá, Costa Rica, Puerto Rico, Canadá, Venezuela, Martinica, Estados Unidos, España, Colombia y Corea del Sur. El precio de entrada es 200 pesos, el costo de tres “frías” en un colmadón barrial promedio.
Los anfitriones son la Compañía Nacional de la Danza Contemporánea, el Ballet Nacional Dominicano, Compañía Nacional De Danza Contemporánea, Teatro Popular Danzante, Ballet Teatro Dominicano, Ballet Concierto Dominicano, Ballet Alina Abreu, Escuela Nacional De Danza. Tiene el patrocinio de Dirección General de Bellas Artes, Banco Popular, Centro cultural De España y Ministerio de Cultura. Edanco es una fundación sin fines de lucro cuyo objetivo es la difusión y desarrollo de la danza.

Un espectáculo la actuación la compañía Art/Fact, dirigida por el coreógrafo martiniqueño Jean Huges Miredín. FOTO DE EDANCO


Martinica: Invitada de Honor
Se destaca entre los invitados, la compañía Art/Fact, dirigido por el coreógrafo martiniqueño Jean Huges Miredín, una personalidad reconocida en el danzar del tiempo actual, con una trayectoria de premios y reconocimientos internacionales.
Martinica es el país invitado de honor y trae cuatro grupos:  Art/Fact, fundada por Miredín en 2011, con una clara línea de rescatar en sus trabajos, la existencia de los seres humanos más olvidados y oprimidos, cuidando al extremo la estética, alejada del populismo y el panfleto.
Adicionalmente vienen desde esa isla del Caribe inglés “Cie Christiane Emmanuel”, “Murmure Du Silence” y “La Cie Yonn De Moun”.

Cabeza, España. FOTO : SANDRA GARIP


Hoy todo RD
Hoy sábado 29 es la noche dominicana con la Compañía Nacional de la Danza Contemporánea, el Ballet Nacional Dominicano, Compañía Nacional De Danza Contemporánea, Teatro Popular Danzante, Ballet Teatro Dominicano, Ballet Concierto Dominicano, Ballet Alina Abreu, Escuela Nacional De Danza. Este domingo 30 actúan la OM Grown, de Estados Unidos y las compañías 33 Danza, y Novena Cuenta, de Costa /Rica, Colectivo Claroscuro, de Puerto Rico y signos vitales, de México. El lunes primero de octubre, actúa en Bellas Artes la Compañía Murmuro del Silencio, de Martinica.

Edmundo Poy, creador de EDANCO 


Los inicios
En 205, en los inicios, como es normal cada vez que se presenta un proyecto precursor, hubo dudas y resistencia, Incertidumbres y angustias al pensar en las condiciones que demandaba crear y mantener en el tiempo.
El concepto
EDANCO es una iniciativa del maestro Poy, quien ha desarrollado una importante carrera como bailarín, docente y gestor cultural,  también director del Festival de Danza Joven, celebrado cada año en el marco de la Feria Internacional del Libro  y del Encuentro de Danza Contemporánea.  Las sedes alternativas son la Librería Café Mamey y la Quinta Dominica, en los que habrá eventos de exposición de debate.
EDANCO, y lo ha demostrado con esta  cuarta entrega, ha trascendido de ser un encuentro vitrina de compañías de danza moderna, a la creación de un espacio vivo de intercambio y pulimiento de destrezas estéticas entre países unidos por su pasión juvenil por la expresión danzaría.
 

septiembre 29, 2018 por Arte Danza Portada 0

La Bayadera, ballet que hace la diferencia en la danza de 201

Danza clásica que anota una inexorable diferencia estética y de producción indudables en la danza para 2017.
La Bayadora, es un ballet clásico consagrador para cualquier compañía de ballet que se respete.
Es un creativo montaje que tiene música de Ludwig Minkus, basado en dos dramas del poeta indio Kālidāsa y libreto Serguéi Judekov y MariusPetipa, (quien además creó la coreografía) y se estrenó en el Teatro BolshóiKámenny de San Petersburgo el 23 de enero de 1877, estableciendo sin lugar a dudas mundialmente primero a Lev Ivánov, haciendo a Soros y luego a Anna Pávlova en 1902,haciendo a Nikiya y Rudolf Nuréyev en 1958.

La Bayadera es un espectáculo de ballet impecable y mágico en cada uno de sus recursos y talentos.


La Bayadera es un ballet clásico que los directores de ballet del mundo respetan por sus exigencias estéticas y de producción.Se trata deun ballet fundamental del repertorio de las compañías de danza clásica y de especial utilidad para enseñar las actuaciones de masas de danzantes.
Son muchos los factores que hacen pensar a más de un director, antes de decidirse por interpretar La Bayadera: la cantidad de danzantes y la tierna, intensa e incesante coreografía, concebida originalmente por el bailarín y director francésMariusPetipa , considerado por la crítica como el Padre del Ballet Clásico, sobre todo cuando se involucró, dejando a la Gran Francia, con el arte ruso de la poesía en movimiento corporal.
Alina Abréu es una de las directoras que no lo dudó mucho y que tras acercarse a la pieza como proyecto, se convenció de que había que hacer su montaje para la historia del buen ballet dominicano.
La Bayadera logró, en el Teatro Nacional, el fin de semana, establecer un hito en la danza de primer nivel que se hace en la República Dominicana.

El montaje transmite la magia de la época que retrata, el tiempo y la atmósfera de la India Imperial, marco – reproducido con altísima consistencia estética de vestuario y danzario, a una historia de amor en dos actos, que logran, al final de montaje, esa sensación del valor universal que puede llegar a tener el arte del cuerpo en movimiento.
Meses de trabajo, junto a una considerable cantidad de recursos de producción, debe haber costado este cuidado espectáculo, que embriaga buenamente vista y consciencia.
Los fuertes renglones del éxito de este trabajo son: sobre todo la coreografía (Marius y LuciénPetipa, en versión de Alina Abreu),el poder de la historia, la perfección vestuario, peinados y accesorios (MagalysRodríguez) y la iluminación (diseño de luces de Bienvenido Miranda y Efyciencia); la limpieza y poder del sonido (Chips Limited) además de los efectos especiales.
La sobria y profesional escenografía de que evita facilismos, enrumbándose por la ruta difícil y cuesta arriba de transmitir la realidad de aquellas masas escenográficas para convencernos de que estamos realmente ante el ambiente de palacios y columnas, de fuentes y lenguas de fuego. Lo mejor de Fidel López en este año.
El aplauso al final del segundo acto, fue más que agradecimiento por el desborde de calidad danzaria, una forma de ver que el país cuenta con una comunidad entregada seriamente a un arte difícil, exigente, expresivo y trascendente.
Fue La Bayadera una compensación necesitada, ante tan malas noticias que nos abruman en estos días.

octubre 15, 2017 por Danza Noticias Portada 0

Los musicales merecen más tiempo en escena

Madagascar acaba sus presentaciones y, tras ver su calidad y su éxito, resuena una preocupación. ¿ por qué  el país no cuente con suficientes escenarios con condiciones y espacio en sus calendarios para que los musicales y otros montajes importantes, tengan una mayor exposición al público.
La labor de montar un musical, con toda la exigencia logística que implica, demanda meses de trabajo (adaptación libreto, ensayos de mesa y escena, creación de escenarios y vestuarios, diseños de luces y coreografía.

Es tiempo de tomar acciones para que el musical pueda tener en escena la permanencia a que se hace merecedor.
Tras el éxito del montaje de Madagascar, realizado en Teatro Nacional, hay que profundizar en las razones del impacto artístico de este trabajo, comenzando por la fundamental: la integración del equipo que sustentó la dirección del trabajo en cada uno de sus aspectos artísticos y técnicos.
Cuando se planteó el montaje, el pasado año 2016,  Elizabeth Lenhart y Luis Marcel Ricart, contaban con la precedencia de una labor de formación desde Jam Academy y la formación internacional suficiente para entender a quién delegar responsabilidades.
El impacto positivo que provocaron las dos horas que duró la función, se debió a la perfección de cada tarea en concreto, desde el hilo escenográfico finísimo, las actuaciones y los aspectos técnicos, queda aún en la mente de quienes acudieron a las tres funciones en el augusto Teatro Nacional.

Madagascar fue producto del trabajo de cantidad de profesionales especializados. La función excedió las expectativas de un montaje que tenía el reto de hacer versión en escenario de éxito veraniego del cine.


Lenhart y Ricart se apoyaron en el equipo adecuado: Gracielina Olivero (coreografías), Zeny Leiva (actuación teatral), Olga Cedeño (Utilería); Ángela Bernal/Track Stage Projects (escenografía) – construida por  Carlos Ortega-, Adolfina Lluberes y Juan Carlos Tavárez (diseño y confección de vestuario); Ariel Ramos/Grupo AR (sonido) y luces; Lux Arte. El maquillaje de caracterización es una de las especialidades de Luis Marcel Ricart.
Se unieron todos sus esfuerzos, y el resultado fue el hito creado: una representación musical que queda ahora como parte importante del musical en la República Dominicana.
 

junio 5, 2017 por Arte Danza Noticias 0

Madagascar, un musical que encumbra el género en el país

El musical Madagascar, fenómeno que encumbró en el gusto del público, desde la gran pantalla,  DreamWorks Animatión en base a libro de Kevín del Águila y música y letra  originales de George Noriega y Joen Someillan, se está presentando en el Teatro Nacional. Y la experiencia que queda, tras verlo, es de que el país cuenta con los talentos para una encomienda tal alta y difícil.
Jam Academy, en las personas de Elizabeth Lenhart, Luis Marcel Ricard, aportan al ritmo de la vida dominicana, un enorme respiro de arte verdadero que nos permite desplazar – por dos horas- todo el ambiente social, cargado y agitado, que nos estremece. Y eso hay que agradecerlo.
El musical es el género de mayor demanda de entrega y esfuerzo. Es suma  su exigencia de muchos otros géneros: danza, teatro, canto, mimo, por lo que siempre nacen expectativas sobre el éxito, dominio o corrección, cada vez que una compañía nacional, anuncia su compromiso con el musical. ¿Será bueno? Será digno? ¿Cómo se logrará el proyecto cuando quienes tienen la resposnabilidad de ejecutarlo es talento local?

Cada una de estas inquietudes, las hicimos antes de llegar a Teatro Nacional, nueva vez, para enfrentar lo que ofrecía la cartelera; el musical Madagascar,  para disfrutar de las aventuras de Alex, el León, Marty, la Cebra, Melman, la Kirafa y Gloria, la Hipopótama.
Elizabeth Lenhart, Luis Marcel Ricard y un exquisito elenco entregaron la magia y el encanto fascinador de los cuatro animales protagonistas de la inspiradora historia que inicia en el zoológico de NY y concluye moviendo el bote en la playa exótica de Madagascar, junto al Rey Julién y su cohorte de lémures adoradores.
Lo que disfrutamos fue una aventura que nos conquistó con su fluida destreza artística, reforzada por un uso tan fino de los recursos técnicos, entre los cuales resaltan: la espectacular escenografía (de seis ambientes distintos) y su terminación en diseño; el vestuario de notable realización y que era un elemento clave para hacer creíble y disfrutable la historia; la coreografía coordinada, agudamente cuidada (con excepción de algunos gestos exagerados de algunos personajes con deseos de resaltar por encima del trabajo del equipo; la calidad de las voces y la interpretación actoral (afectada tan solo por momentos en los que no se entendía bien los parlamentos).

La coreografía merece ser tocada aparte. Gracielina Olivero y  Elizabeth Lenhart y Luis Marcel Ricary, hicieron una atinada selección de talentos, en los que resaltan a quienes hacen los personajes protagónicos; José Alexander Díaz (Alex, el Ñeón); Priscila Maltés (Marthy, la Cebra); Cinthia  Céspedes Brens (Gloria, la Hipopótama) y Rafael Ravelo (Melman, la Jirafa) y Paulina Cuadra, quien logra impregnar al Rey Julián, del chispeante espíritu humorístico y grácil danzar, legado por la producción de cine.
La parte danzaria,  a pesar de la presencia de masas de bailarines integradas por infantes, revela un trabajo de dirección coreográfica realizado con entrega.
El nivel profesional alcanzado por Madagascar debe dar origen a un orgullo, ese que nace del encuentro con el talento verdadero, el atrevimiento necesario para marcar la historia escenográfico dominicano.
Una pena que un trabajo de esta magnitud, luego de tantos meses de preparación y desvelos,  sus funciones queden limitadas a dos o tres fines de semana, como mucho. Nos hacen falta salas con condiciones para alojar por meses, trabajos como este, tal y como ocurre en otros países,  en los cuales, los musicales duran meses y años en cartelera.

junio 3, 2017 por Danza Portada 0

La danza es poesía corporal inefable e indescriptible

Durante años he sido admirador de la fotografia, en tanto es el arte de capturar una imagen en un momento, lo que equivale a eternizar un contenido del tipo que sea: artistico, histórico, noticioso….
Aqui una muestra de fotos que me parece ideal tomar en cuenta cuando se trata de transmitir la fuerza de la danza. En este caso es el Ballet Cascanueces, presentado en Teatro Nacional, el pasado diciembre.

febrero 12, 2017 por Danza Portada 0

X Gala Danza Mundial entregará Gran Premio Quisqueya y dice "adiós" a Michelle Jiménez

Vuelve, desde el próximo viernes 4, y por las alturas más elevadas e imaginadas, la X Gala Internacional de la Danza Mundial, que entrega este año, por vez primera,  el Gran Premio de la Danza Quisqueya, Santo Domingo 2016!, con un repertorio que cuenta con 10 figuras internacionales  de  siete países con una laureada  trayectoria en el mundo, además de 30 danzantes criollos.
michele-jimenezMónica Despradel, directora general de la X Gala, anunció emocionada, que el evento reafirma a la República Dominicana como una de nación sede de lo mejor que la danza puede entregar al mundo.
Despradel, afirmó que décima edición tiene como figura especial invitada a Michelle Jiménez, en su despedida de los escenarios, con la interpretación junto a  Marcin Krajewski, de  la pieza “Transparente”.
 
Los Estelares
El país verá a  Katia Carranza y Eduardo Pi del Miami City Ballet y Ballet de Monterey, Claudia Mota y Moacir Emanuel, del Teatro Municipal de Rio de Janeiro,   Mathilde Froustey  de la Opera de Paris y Tit Helimets del San Francisco Ballet, Laia Salvador, bailarina  internacional de Flamenco, y los primeros bailarines argentinos Jorgelina Guzzi y Cristian Miñóm quienes harán La Cumparsita.
tiit-2-copiaLos locales
Más de 100 bailarines los que se han presentado en la República Dominicana a través de estas Galas. De todas partes del mundo, los primeros  bailarines de las mejores compañías  se dan cita en Santo Domingo a beneficio de la Fundación Nido Para Ángeles, cada año.
Estas  Galas fueron creadas por Mónika Despradel, en  beneficio de la Fundación Nido para Ángeles que preside y la cual  trabaja con parálisis cerebral en el país apoyando de manera gratuita  a 114  niños directamente y 450 personas de manera indirecta.
Las boletas Gala Benéfica de Estrellas de la Danza Mundial, a un precio de RD$ 2,000.00 platea central y RD$ 1,500.00 Platea Lateral, así como balcón RD$ 1,000.00, aportarán fondos a la Fundación Nido de Ángeles. Las últimas 7 ediciones la ha realizado con el empresario artístico Paul Seaquist.
“Hemos agregado, con motivo de la declaratoria del Año Nacional de la Danza, el  concurso internacional  Gran Premio de la Danza Quisqueya, Santo Domingo 2016”, se ofrecerán clases magistrales, charlas  y muestras  de los participantes, desde el hoy  1 de noviembre  para culminar  con el Premio el domingo 6 de noviembre en el Teatro Nacional Eduardo Brito a las 7:00 pm, en un evento que es gratis”.
El premoacir-blanco-copiamio es producido por Monika Despradel, Paul Seaquist y Cindy Sosa.
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noviembre 2, 2016 por Danza Portada 0

Propone homenajear a Villalona y Haché

Los figuras fundamentales del Teatro Dominicano, han partido, circunstancia que plantea la necesidad de buscar una forma para hacerles el homenaje que merecen.
Rafael Villalona y Ángel Haché  se han ido físicamente, el primero hace cuatro años (2012) y el pintor y actor hace apenas dos semanas.
Entre artistas del teatro se ha procurado buscar una forma de rendirles el homenaje que dos artistas de este nivel y este campo del arte merecen.
Se ha pensado, primero, en designar una sala de teatro que los homenajeé a ambos  al ponerle sus apellidos (Sala Villalona-Haché).
Exmín Carvajal, es uno de los partidarios de no solo bautizar una sala existente, sino de crear una, aun cuando fuera en unn espacio pequeño, como se ha puesto de moda y ha resultadoo tan efectivo, bastando el ejemplo de Teatro Las Máscaras o Guloya (ubicados casi frente a frente).
El hecho que es las nuevas generaciones de actores, que parten de los estudiantes de teatro, deben contar con un espacio (nuevo o designado) que rinda homenaje a estos dos personajes fundamentales de la escena dominicana.


Rafael Villalona (1942-2012). Actor y director teatral dominicano.
Estudió en la Escuela de Teatro de Bellas Artes. Más tarde, Actuación y Dirección Teatral en el Instituto Gubernamental de Arte de Moscú (GITIS) y desde 1964 hasta 1968, en el Instituto Teatral Lunacharsky.
En 1969, regresó al país y fundó, junto a su esposa y también actriz, Delta Soto, y otros actores, el grupo Nuevo Teatro, la primera y más importante agrupación teatral. Fue el primer grupo de teatro independiente constituido formalmente mediante un manifiesto sobre el arte escénico, hecho público en la Plazoleta de la Atarazana, el 10 de enero de 1969.
Sus actividades comenzaron con la puesta en escena en Bellas Artes de Los ojos grises del ahorcado, obra de Rafael Añez Bergés. Junto a su esposa, fue de los primeros en introducir el método de Stanislavsky en la formación del actor profesional para lo cual abrieron una Academia Teatral, que formó nuevos talentos que ampliaron las perspectivas del movimiento teatral nacional.
Con la aplicación de este método teatral marcaron una nueva forma de interpretación de los personajes y del montaje de diferentes obras entre las que se pueden mencionar Pirámide 149, Los invasores, Proceso por la sombra de un burro, La ópera de tres centavos, Las sillas, Casa de muñecas y Un tranvía llamado deseo.
angel-hache-e1458659940148ANGEL HACHE. artista plástico y actor Ángel Haché falleció el primero de abril  a los 72 años de edad, tras permanecer once días ingresado en la clínica Corazones Unidos luego de que el pasado día 21 de marzo fuera sometido a un procedimiento de cateterismo, tras sufrir un infarto.
Haché, había sufrido el infarto mientras se encontraba en su casa.
Haché desarrolló una carrera fructífera y diversa como pintor  y actor de cine y teatro.  Cultivador del realismo, tenía una excelente base de dibujante y logró obras de homenaje al hombre de la calle, con su colección Vivir en las Nubes, y concretó la más exquisita exposición de pintura dominicana a nuestro cine.

abril 18, 2016 por Danza Teatro 0

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