Teatro dominicano

Pepe Sierra, la gran sorpresa en El hijo de P…del Sombrerero

El teatro…!oh…el teatro! que  vuelve a establecer sus puentes vivos  matizados de  sentimientos en una amplia paleta que va desde la risa irrefrenable y generada a partir de la vitalidad histriónica del elenco  seleccionado, hasta el dolor que generan la infelicidad con todos sus garfios crispados, incluyendo el drama miserioso , y casi sin salidas, de las adicciones y la esfera de falsías de la infidelidad cuando o con quien menos se espera.
El hijo de puta del sombrerero, más que el sórdido resonar  de las “malas palabras” como atractivo comercial,   es una pieza sobre sentimientos dramáticos  extremos, cuidadosamente escrita y admirablemente presentada en un ritmo histriónico ejemplar por cinco talentos de la escena criolla, en el marco de los cuales sobresale la emergencia de un talento a ser tomada en cuenta, la de Pepe Sierra.

Pepe Sierra se revela como el gran descubrimiento teatral de la escena en el presente 2017


El montaje de El hijo de puta del sombrerero, original del dramaturgo neoyorkino Stephen Adly Guirgis, ganador en   2015 del  Premio Pullitzer en teatro con la pieza «Between Riverside and Crazy», es un acontecimiento que hay que festejar.
El texto de la pieza no fue pensado por su autor como el gran montaje que ha sido y que ha triunfado en diversos paises
Primero por la acertada selección del texto dramático de humor negro y la labor de producción  (responsabilidad de Raúl Méndez y Lino Hernández), de ordinario poco reconocida.
Segundo por la cuidada dirección (sobre todo en lo referente al ritmo y tiempo teatrales (Manuel Chapuseaux) que cuenta con una experiencia en el arte de proporcionar al nivel profesional mas alto que ha sido posible.
Tercero, el triunfo escenográfico (Miguel Ramírez),   al lograr  tres  ambientes interiores de apartamentos de Washington Heights, sobre un gran mural de grafittis callejeros y definidos a partir de rápidos movimientos de las masas escénicas.
Su diseño lumínico que ha corrido por cargo de Bienvenido Miranda, ofrece el sustento tan fundamental para actuaciones, entradas y salidas.

El conjunto ha sido armónico. Han evitado la sobreactuación tan incidente cuando se trata de procesos parlamentarios tan intensos y en ascenso.


Las actuaciones
Y cuarto, el factor más trascendente: las  cinco actuaciones, enfiladas en una coordinación que logra una vida expresiva que genera risa, admiración y silencios dramáticos a partir de la gama de sentimientos que desfilan de modo incesante, sin pausa alguna.
El conjunto ha sido armónico. Han evitado la sobreactuación tan incidente cuando se trata de procesos parlamentarios tan intensos y en ascenso.
 
 

Kenny Grullón (Ralph,  “asesor-consejero”) reitera su veteranía y se procesa como un pez en aguas conocidas, dando las tonalidades precisas de voz. Su actuación confiere la fuerza y veteranía que se puede esperar de su trayectoria.


Hony Estrella (Victoria, la mujer de Ralfh),  con un papel no estelar, lograr transmitir el drama de la mujer abusada por la preconcebida dominancia masculina con todos sus efectos deletéreos de género. Resalta el manejo de su voz, que transmite esa angustia reprimida. Entregada a sus líneas, la Estrella, se deja disfrutar intensamente.


Irving Alberti vuelve a evidenciar una versatilidad digna del escenario teatral latinoamericano. Grácil, agudo, sensitivo y auténtico, este talento nos fascina con sus giros en escena y le va bien la responsabilidad en la vertiente del humor negro que destila a lo largo del montaje.
Naslha Bogaert, (Verónica), es la actriz con un proceso que ha ido perfeccionándola cada vez más,  pone toda la sensualidad y belleza y armonía de sus  proporciones físicas, para trascender en la capacidad histriónica. Se le vive con intensidad para el espectador que se sabe ante una artista irrenunciable a sus faenas.

Pepe Sierra es un diamante en desarrollo del escenario dominicano, dueño de una capacidad para el desarrollo del ritmo parlamentario


El Sierra
El caso de actuación sobresaliente es que  nos representa José (Pepe) Sierra,  (Johnny,), actor que nos sorprendió por el nivel que alcanzó al ser revelado en Pueto pa mí,  drama barrial  en que hizo de Cacheo, bajo la dirección de Iván Herrera en 2015.
Pepe Sierra es un diamante en desarrollo del escenario dominicano, dueño de una capacidad para el desarrollo del ritmo parlamentario, con acertadísimos movimientos escénicos, estampa muy propia bajo las candilejas. Reactivo y vivo al instante, es un regalo al espectador. Sabe provocar la risa   y permanecer en el momentum dramático, tiene un registro vocal limpio y a tono.
Sierra es responsable del punto interpretativo más alto del montaje y hay que ponerle atención y darle seguimiento. Tiene potencial para llegar a niveles insospechados de la interpretación tanto en cine como en teatro.
La actuación ha sido su pasión. Estudió teatro en la Escuela Nacional de Arte Escénico y hasta hace unos años era un desconocido de las grandes masas. Proyectos artísticos e menos incidencia y escala nos había ocultado este valor histriónico. Su papel en este montaje, es el punto más intenso que le hayamos visto, dramática con esa tonalidad de agridulce humor negrísimo. Hay que celebrar, con auténtica alegría, el descubrimiento.
Ficha Técnica
Título: El hijo de puta del sombrerero
Autor: Stephen Adly Guirgis
Producción: Raúl Méndez y Lino Hernández
Dirección: Manuel Chapuseaux
Diseño de sonido: Bienvenido Miranda
Escenografía: Miguel Ramírez
Talentos: Naslha Bogaert (Verónica); Pepe Sierra (Johnny); Kenny Grullón (Ralfh); Hony Estrella (Victoria) e Irving Alberti (Julio).

Lilli Jolie: formación y talento montan su más hermosa fiesta

Con el montaje de Un pedazo de muñeca Lilli Jolie, escrita y dirigida por  Licelotte Nin  Mojica en Sala Ravelo del Teatro Nacional,  la escena nacional  se felicita a si misma por el reconocimiento de un talento creativo  femenino sustentado en una formación internacional y un reconocimiento  académico parisino, condiciones que deben obligar una mirada a fondo de lo que representa.
Nadie que pueda hacerlo, debe dejar de ser testigo de este fenómeno teatral que respira aliento, fantasía y fuerza novísimas, para un escenario criollo.
Nos sorprende, desde la entrada a la sala, antes de iniciar las acciones,  la atmósfera  micótica y opresiva del sub-mundo laboral planteado, el de una fábrica de muñecas,  portador  de un lenguaje simbólico  y universal, al cual se la ha impreso un diseño de arte que se acerca, por sus vuelos de imagen, a lo apetecible para la pantalla grande, quehacer que en cine  fantástico,  que nadie se ha atrevido a acometer.
Lili Jolie es un teatro  que desafía las  facilidades  escénicas, marcadas por la previsible visión de explotar lo conocido y traquilleramente efectivo,  para mostrar un universo nuevo, con una impronta que no veíamos desde los principales trabajos de Waddy Jáquez, y de entre ellos, Perfectus Quórum.

Licelotte Nin  Mojica se  erige ahora como una figura alta y definida en la dramaturgia dominicana, junto a su juventud, al lado de la experiencia que logró en las aulas dela Escuela Nacional de Arte Escénico y lo que le representó haber sido dirigida por Haffe Serulle en  montajes, que le enseñaron a romper con moldes estrictos de la tradición teatral acartonada y limitante. Si alguien debe estar contento al extremo…es Haffe: !su semilla ha fructificado y de qué forma! Hay garantía de un relevo artistico generacional que agrega su propia marca al teatro por llegar.
En Lilly Jolie se disfrutan notables aportes teatrales que se inician por un texto escrito con alienante circularidad a conciencia y una caracterización de personajes, cinco femeninos y uno masculino, ofreciendo un universo interpretativo caracterizado por el trabajo histriónico logrado a fondo, con notable criterio .

El elenco completo de Lilli Jolie recibe el aplauso del público en Sala Ravelo. FOTO DE JOSE RAFAEL SOSA


Desde antes del inicio de la obra, con esta escena se va introduciendo al público el ambiente de la pieza. impresionista


La mano de la directora/autora  se  desliza  con enorme sentido y responsabilidad para lograr la entrega  actoral de sus seis personajes (las tres  obreras, el capataz y la “otra” obrera y la ejecutiva estilizada,  respaldada por los recursos  de vestuario, diseño de luces, universo sonoro (desarrollado con acierto excepto al final, en que hay tramos  ensordecedores.
Sobre la escenografía, que recuerda de trasluz la diseñada por Guillermo Cordero para El Último Instante (Carlota Carretero) por el rompimiento del espacio rectangular tradicional, pero usado con en el trabajo de  Nin Paniagua, con criterio propio.
Indiana Brito,  (inolvidable en La Casa de Bernarda Alba y Hasta el Abismo);  Johanna González; Clara Benoit Casanova; Cindy Galán, y Karina Valdez y Juan Manuel Gautier, todos con una impresionante interpretación de sus papeles.
La buena fortuna precede este montaje dado que el Centro Nacional de Teatro Francés, una de las principales instituciones francesas para la difusión del teatro contemporáneo, le otorgó a Licelotte Nin,  en mayo de 2015 el Premio Encouragements por su obra «Un morceau de poupée» de Lilli Jolie (Un pedazo de muñeca de Lilli Jolie), a través de su Comisión Nacional de Apoyo a la Creación de Textos Dramáticos con el propósito de dar a conocer a las casas editoras de la nación los nuevos talentos en la escritura teatral, Este certamen, de carácter abierto para toda Francia, cuenta con las categorías Texto Dramático, Traducción, Dramaturgias Plurales y Estímulo. La dramaturga dominicana ganó  en  esta última.
Ficha técnica
Puesta en escena y dramaturgia: Licelotte Nin – Cia. SangFauve.
Actuaciones: Cindy Galán, Johanna González, Indiana Brito, Karina Valdez, Juan Manuel Gautier y Clara Benoit-Casanova.
Escenografía, diseño de luces y creación sonora: Juan Manuel Gautier.
Diseño de vestuario: Margarita Mojica y Licelotte Nin.
Fotografía y diseño gráfico: Lizette Nin – Cia. Sin Plomo.
Video promocional: Iván Aybar.
Producción: Otro Teatro.
Sinopsis
Tres obreras que trabajan en una fábrica de muñecas, en el departamento de recolección y conteo de cabellos, quienes ante la sospecha de que “la nueva” en la fábrica ha tenido un accidente, se mantienen inmutables. Y es que les tienen prohibido moverse de su zona de trabajo antes de la hora de descanso. Cuando deciden ver qué sucede, ya es demasiado tarde.

Malas: un elenco excepcional con ácido humor inolvidable

Malas ofrece una excepcional oportunidad de disfrutar en escena un elenco e figuras femeninas de enorme presencia y prestigio en el arte popular y la vida pública, cimentada sobre años de trayectoria y éxitos, y que de ninguna forma debe tomarse como teatro serio, porque no lo es. Se trata de un espectáculo picaresco más propio del cabaret de primer nivel  que del Palacio de Bellas Artes. Pero  en el balance, pasa muy bien y justifica todo el empeño del público que están llenando hasta más no poder, la sala Máximo Avilés Blonda.
Malas es espectáculo grácil y divertido, sarcástico,  que no puede  ser tomado al pie de la letra de la intención proclamada: el principal enemigo de la mujer es la propia mujer (concepto obviamente errado), aun cuando la realidad es distante de ese yerro: quien oprime, discrimina y asesina, es el hombre, o cuando menos, determinados hombres.
Malas tiene en su favor dos factores. El primero es  un equipo de “todas estrellas” en los medios de comunicación nacionales e internacionales, (Charityn Goico, Luz García, Milagros Germán y Giselle Bondet); cantantes de larga trayectoria (Yolandita Monge), todo en una complicidad entre talentos puertorriqueños y dominicanos,  a cuyo panorama se agregó  a Bryan Villarini un efectivo y equilibrante  actor, maquillista y modelo puertorriqueño, (invisibilizado en el programa).
El segundo factor, son los siete libretistas de televisión (nada que ver con dramaturgia verdadera): el chileno José Ignacio Chascas Valenzuela; los españoles: Antonia San Juan (hizo el papel de Agrado en Todo sobre mi Madre/Pedro Almódovar); Juan Carlos Rubio, Yolanda García Serrano, Féliz Sabroso, Eduardo Galán y Ignacio Moral.
Estos creadores producen textos sobre temas tan propios de la mujer, que el éxito sería el de lograr el tratamiento preciso sobre los temas de: competencia entre mujeres, el chisme, los amoríos lésbicos, los conflictos que mezclan lo familiar y lo laboral, la mujer y las ofertas oportunistas del mercado para llevarlas al quirófano para “arreglitos” del cirujano.
Con los libretos sobre la mesa, la labor de estas seis mujeres y el actor boricua, fue dar cuerpo escénico  vida y  expresividad  a las ideas plasmadas, para arrojar un balance altamente positivo que se reivindica.
Las actuaciones
Sin duda que las estrellas de mejor desempeño son Charityn Goyco, la Yolandita Monje y Luz García. Están bien, pero sólo bien en sus papeles, Giselle Blondet y Milagros Germán. Bryan Villarini, de un desenfado en escena que resulta modélico, es clase aparte.
Malas es un espectáculo de humor  de y sobre mujeres digno de ser visto, con la reserva sobre el real culpable de los vacíos y hondonadas de la depresión femenina.
Ficha Técnica
Malas.
Dirección, letras de canciones y escenografía: Giberto Valenzuela
Productores; Lorna Otero, Lino Hernández, Giselle Blondet y Luz García.
Libretistas: José Ignacio Chascas Valenzuela, Antonia San Juan,  Juan Carlos Rubio, Yolanda García Serrano, Féliz Sabroso, Eduardo Galán e Ignacio Moral.
Utilería: Ariel Ramos
Vestuario: Edgardo Cortes y Gustavo Arango. Joe Lousand (el de Iris Chacón).
Coreografía: Víctor González
Elenco: Giselle Bondet, Iris Chacón, Luz García, Milagros Germán, Charityn Goyco, Yolandita Monge y Bryan Villarini.

 

Ave Negra, teatro de exquisito y casi indefinible y sabor

CRITICA Y FOTOS DE JOSE RAFAEL SOSA
El teatro es, ha sido, y siempre será un abanico de infinitas alternativas e innumerables maneras de disfrutarlo y concebirlo.
Habrá de seguir siendo un Universo que abre espacio a todas las actitudes, desde aquellas que procuran impactar desde sensibilidad que pende de los gustos, hasta  únicamente los resultados de boletería.

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Laura Lebrón, es Una.


T&M Proa Teatro  nació en 2009 de la pasión de dos hombres de la escena, buscando crear una trayectoria propia, con  un estilo que respetara el quehacer escénico, que premiara al público con proyectos de noble exigencia y que dejaran su huella en el entablado.
Teo Terrero y Mario Lebrón expresaban de esta forma la consistente relación que cultivaron desde años juveniles. Era el tiempo de proyecto propio.
Rompieron fuente en 2009 con El Método Gronholm,  del dramaturgo barcelonés Jordi Galcerán, entente de competitivos trazos psicológicos que jugaba con las apetencias de ocupar un cargo corporativo importante. Una recordable actuación coral de José Roberto Díaz, Amauris Pérez, Giamilka Román y Ernesto Báez.
El paso  de Proa afirmó el sentido buscado en 2015 con La venus de las pieles” en Sala Ravelo con  Josué Guerrero y Laura Lebrón, oportunidad en que el teatro fue estreno verdadero para el inicio real de una carrera, la de Laura. Era claro que un tesoro se comenzaba a concretar, ese que comportaba el talento de una profesional con sentido de que carrera.
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Francis Cruz, es Ray


Ave Negra
Teatro desgarrante, maldito y de autor, es el tipo de piezas que puede marcar tanto la vida de sus intérpretes y el gusto del público por la traumática relación entre un adulto y una menor de edad, lo cual genera marcadas tonalidades emotivas  que plantean desafío para cualquier pareja de actores por la cuidadosa entrega y la  exigencia que  plantea a la construcción de sus personajes.
Laura Lebrón ofrece un concierto interpretativo en el brillan su gestualidad natural y precisa, los requiebros de su voz en el que destaca su identificación con el traumatizado personaje, por cuya memoria y cuerpo, hicieron raíz los  tormentosos momentos de utilitarismo erótico de que fue la víctima, tal cual ocurre con tantas mujeres, y no solo en el teatro.
Con una entrega actoral fresca, limpia y sacada desde lo más profundo de sí misma, Lebrón, ya no depende ni de apellidos ni de las indulgencias por su juventud ante los arrebatos que con gracia le podría dispensar la crítica. Quién está allí es una mujer que sabe con certeza el tamaño de la responsabilidad aceptada ante un tema tan actual y tan decididamente disimulado socialmente, a pesar de la trascendencia que mediáticamente ha adquirido la violencia sexual. Sus lágrimas no son el producto de ningún retruécano técnico para impresionar.
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El elenco y los productores


De Francis Cruz, a quien vimos por vez primera  en julio 1998, cuando, en esta misma Sala Ravelo, con la dirección de Germana Quintana , hizo de Lorenzo en Vamos a contar mentiras, comedia del inolvidable Alfonso Paso, podemos decir ahora, casi lo mismo que escribimos entonces: “ Cuando se siente el talento, brillan un millón de estrellas a plena luz del día, y las aguas de los océanos se hacen mansas”, para entonces un tanto exagerado,  pero a la cual  su dedicación y desempeño, le hacen ahora merecedor de tan idealista criterio. (Vamos a contar mentiras…y verdades, El Nacional, sección Que Pasa).
Cruz, quien debe su carrera a la maestra domínico/venezolana, se inició en 1994 montando luces y conectando cables para el Teatro del Club Arroyo Hondo (al cual no se le ha hecho nunca el homenaje que merece por su labor de formador de talentos escénicos), tuvo su primera actuación 1997 cuando hizo un papel la comedia Monja o detective, para desarrollar una extendida carrera que tiene, antes de este papel para Proa Teatro.
Inolvidable el cuidado con que construyó su personaje Pep, en Toc-Toc, hilarante comedia sobre los curiosos Trastornos Obsesivos Compulsivos de seis personajes (el cubanoOrestes Amador (Camilo),  Gianni Paulino (Blanca), Exmin Carvajal (Fred), Patricia Muñoz (María) y la argento-dominicana Lorena Oliva (Lili), escrita por el francés el francés Laurent y dirigida aquí por la misma Quintana de siempre, uno de los logros de producción más atinados de Atrévete, de Gianni Paulino. En el marco de una actuación coral a seis figuras, Cruz supo establecer un sello de impecabilidad con que nos hizo reír a carcajadas tanto en la Ravelo como en el auditorium del Domínico-americano, a donde acudimos a seguir su rastro.
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Francis Cruz alcanza con el rol de Ray, el punto más alto de su carrera como actor y uno de los roles masculinos más significativos del teatro en 2006.


Francis Cruz alcanza con el rol de Ray, el punto más alto de su carrera como actor y uno de los roles masculinos más significativos del teatro en 2006.  Centrado en su papel de hombre abusador inveterado frente a quien era una menor cuando los hechos ocurrieron, logra transmitir el sentido de culpa por su irresponsable arrebato y el abandono quien le entregó sin reservas lo mejor que podía darle.
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Laura Lebrón ofrece un concierto interpretativo en el brillan su gestualidad natural y precisa, los requiebros de su voz en el que destaca su identificación con el traumatizado personaje.


Sinopsis:
A muchos años de los traumáticos hechos, Una  para entonces era una menor de edad, se encuentra con Ray, el hombre maduro su abusador sexual y quien no apreció la entrega de su víctima. Descarga y culpas en un episodio emocionalmente intenso.
Ficha técnica:
Autor: David Harrower,
Dirección artística: Mario Lebrón
Asistente director: Nancy Espínola
Productor general: Teo Terrero
Elenco: Laura Lebrón (Una); Francis Cruz (Ray) y Avril Renée Lazala Guerrero
Escenografía: José Miura
Regiduría de Escena: Dolly Martínez
Realización de Utilería: José Enrique Rodríguez
Iluminación: Lilyana Díaz
Traducción Eduardo Villanueva
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Je, je, je, reír y reír cuando no han muerto los actores

TEXTOS Y FOTOS JOSE RAFAEL SOSA.
El final del año ha conspirado bondadosa y sorpresivamente  para que se pudiera disfrutar de del mejor  teatro  producido en República Dominicana en este período.
Los atisbos de teatro conceptual consistente se iniciaron con El Último Instante (Franklin Domínguez/Guillermo Cordero, Director/Carlota Carretero) y ha continuado con La Vida es Sueño (Calderón de la Barca/Teatro Guloya/Claudio Rivera); El diario de Ana Frank (Ana Frank/Antonio Melenciano); Ave Negra David Harrower/ Mario Lebrón/Proa Teatro) y ahora con Je, je, je cuando la risa es poesía, que se monta para reiterar una  muestra el múltiple talento  artístico y docente de Haffe Serulle, creador de una escuela  teatral,  superior tanto a un estilo personal escritural o de dirección personal  como a  una corriente  escénica alternativa.
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De lo que se trata cuando se enfoca el trabajo de Serulle, más allá de una crónica que evalúa una entrega más de su  alucinante  estilo, sino de enfocarlo en cuanto representa un factor diferenciable del teatro local de cara al movimiento de la escena en América Latina.
Se hace necesario ubicar este trabajo en un marco más amplio, menos isleño y de perspectivas que conjuguen, al juzgar una trayectoria de la cual es Je, je, je cuando la risa es poesía,  el empeño escénico más reciente, el acto de justicia al apreciarlo y  la caída de todos las ventas que han limitado el reconocimiento pleno de un trabajo
Serulle es un buscador de formas expresivas y en su labor se ha hecho acompañar de una serie de talentos jóvenes, de aquellos capaces de comprometerse con la ruta difícil, la que no es tan mercadeable como otras, oportunamente encontrado en la ruta del docente teatral que procura afirmar el futuro de sus prendas de aula.
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Serulle hace tiempo que apostó por la validez de un teatro al que no importan las  grandes masas haciendo filas en la boletería,  anhelantes de la risa fácil  o el sensacionalismo escénico en la cual actuar obedece a pautas pre-establecidas.
Lo que hizo Serulle, desde todos sus proyectos, fue demandar  y lograr de sus actores y actrices un desempeño histriónico superior, agotador, elevado  hasta el extremo de las fuerzas internas, las que piden  una organicidad que se cruza roles con habilidades del circo,  la acrobacia,  y textualmente perfumadas  de comedia negra, sarcasmos y un marcado acento creativo sobre todo en escenografía, vestuario e iluminación.
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Cuando muere el actor
Agotando un ángulo de “teatro en el teatro”,  el director nos lleva a las honduras existenciales de la reacción humana ante la muerte y en particular cuando quien fallece es el intérprete, justo antes de comenzar su actuación, a lo que agregan la  egoísta apetencia por el dinero y la permanencia del valor de lo poético en medio del caos, factor este último que es una constante en  lo “Haffafiano”.
El texto, aspecto en el cual se hace poco énfasis al evaluarlo, es literatura cultivada con un enorme sentido poético y documental, reflexión sobre las densas dimensiones que pupulan cuando es la muerte la que toca a las puertas.
Actoralmente, el discurso de acciones actorales  abre un mundo de acciones impresionistas que captan atención y coloca en vilo total a espectadores ante el dinamismo visual, el cambio de las masas de utilería mayor, en las 69 posiciones distintas  en que son colocados  añaden seis cuerpos, conformando una masa  escenográfica fascinante y lúdica.
Resaltan el perfeccionamiento de la capacidad de interpretación  actoral que ha sustituido el grito por la interjección gutural adecua mente modulada, sostenida la risa en matices que  desgranan un texto cuidado y provocador.
Haffe, que deja ahora los vestuarios reciclados  de múltiple uso  para dar oportunidad a que disfrutemos de una  Gromcim Domínguez, quien  deja ver su arte en las prendas de estos seis personajes,  acertados y adecuados a la visión del espectáculo, que excede la noción seca y simple de montaje teatral.
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FICHA TECNICA
Je,je,je cuando la risa es poesía
Producción General: Otro Teatro
Dramaturgia y dirección: Haffe Serulle
Productor ejecutivo: Santiago Vásquez
Vestuario: Gromcim Domínguez
Diseño escenográfico y línea gráfica: Lalí Guzmán
Maquillaje Taina MakeUp
Relaciones públicas: Nodalia Arias
Elenco: Karina Valdez (La productora), Stuart Ortiz (El poeta), Camilo Landestoy (El Joven), Yariris Báez (La boletera),. Johanna González (La pelo blanco), Robelitza Pérez (La bella mulata)
Sinopsis:
La supuesta muerte de dos actores que trabajan en el espectáculo  de amplio repertorio, pone en vilo al público. La productora se vale de mil triquiñuelas  para entretener a los asistentes, que se comienzan a inquietar. La risa asoma a la atmósfera teatral.

Mi ex lo hace mejor, cuando hay risas sobre un drama de fondo

Franklin Domínguez es el monumento teatral viviente merecedor del mayor respeto por su extendida comprometida carrera con lo escénico, sea que sea el autor de una obra teatral antitrujillista, con unas Espigas Maduras,  presentadas en 1957 en plena Era de Trujillo, o el mismo que es capaz de escribir y actuar en una comedia de notable compromiso social, cuando dio la orden de búsqueda de un nombre honesto (en 1963), cuando Juan Bosch era la muestra de que esa personalidad era posible.
Domínguez transpira teatro en todas sus formas, vive por las tablas y estas se reivindican en él, tal cual ocurre ahora que toma el texto dramatúrgico de Carlos Vega Abreu, (nacido en Isabela)  con el que  provoca un festín de risas incesantes en la sala Máximo Avilés Blonda, del Palacio de Bellas Artes, como producción de Jenmarip, de los periodistas Pedro Jiménez y Anaibelca Rosario.

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 La comedia, que se regodea  en un chispeante doble sentido, y bajo el título muy dominicano de Mi Ex lo hace mejor, (que no es el original) comedia oportuna cura para escapar, por el camino de la risa incesante, a las terribles noticias de estos días. 


En realidad lo que ofrece es un tema dramático, a pesar de su tono de chiste la  obra teatral toca un tema tan real como sensible: el hastío conyugal de las parejas, -status que invariablemente y silenciosamente afecta a la mayor parte de las parejas, aun cuando nadie lo reivindique. Ese es su valor y ése su mensaje.
Phillip Rodríguez, Hony Estella,  Iván Camilo y Evelyna Rodríguez,  lograr desempeñar sus papeles con soltura y profesionalidad, dando matices precisos, produciendo  un resultado que se gana al público por la gracia de sus giros interpretativos. Evelyna tiene una página web que es un modelo para mucha gente del medio.
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Phillip Rodríguez se ve con la oportunidad de mostrar más detalladamente sus condiciones, ahora alejado de los breves segmentos de humor televisivos.
Hony Estrella se sabe en situación de mostrar su instrumental para la comicidad e Iván Camilo, se hace acreedor de un reconocimiento por su excelente rol secundario.
Iván Camilo nos premia con una actuación teatral en la que se adapta perfectamente al resto del elenco, tiene gracia y efectividad. Debería estar con más frecuencia en el teatro.
Evelyna Rodríguez nos resultó una sorpresa más allá de lo agradable. Ella es una artista que evidencia su deseo de crear una marca de respeto en la actuación, alternativa profesional  que junto con la comunicación, conforma su oferta más impactante. Ella hace en este montaje hace una evangélica sorprendente y es la que logra ganarse el favor de la gente debido al impacto de su personaje, sus parlamentos sorpresivamente irreverentes y el sub-tema de la autenticidad de la fe, tan frecuentemente obviado cuando de evangelismos se trata.
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El mensaje
Mi ex- lo hace mejor en realidad de  un llamado a revisar la dinámica de las parejas, invariablemente marcadas – luego de cierto tiempo- por el hastío y  cansancio conyugal, elemento que se aprovecha histriónicamente  al máximo, con este montaje de situaciones duales, auto-denuncia marital y rejuegos de realidades.
Mi Ex lo hace mejor se ocupa, en tema de broma e hilaridad, de enfocar una realidad que genera tanta tensión, incomprensión y pasiones torcidas, como es el asesino del amor: los celos, sobre todo cuando se enfocan en retrospectiva.
La pieza de humor, vista en proyección, puede considerarse como un rayo de esperanza para una tragedia de muchos: ese declive pasional que, casi invariablemente, afecta a todas las parejas.
Ficha técnica
Mi ex lo hace mejor
Director: Franklin Domínguez
Asistente dirección: Canek Denis
Autor: Carlos Vega Abreu (Puerto Rico)
Producción general: Pedro Jiménez y Anaibelca Rosario
Escenografía: Gutiérrez Rodio Workshop
Luces: Roberto de León
Maquillaje: Patricia Lantigua
Elenco: Hony Estrella (Yoli); Phillip Rodríguez (Jimmy); Iván Camilo (Rafa) y Evelyna Rodríguez (Lorena).

Juicio a una zorra equivocada : Helena de Troya

Vuelve el Teatro, de nuevo y con fuerza sorprendente,  a ejecutar su obligado  viaje de emociones, acontecimientos, ficciones y existencias.
Retorna ese teatro auténtico y difícil de manipular, esta vez a la Sala Ravelo  que sigue siendo digno escenario, amigable, cómplice e intimista, a iniciativa de un Juancito Rodríguez que supo de este montaje comercialmente cargado de riesgos y premiado por sus características estéticas y de mensaje.

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Imagen cortesía del  director y actor Luis Dantes Castillo.


Viene de nuevo ese teatro, ahora con las riendas tomadas por un joven director  (que es una realidad y no promesa de nada ni de nadie), a transitar  por la misma senda de quereres y esperanzas, del talento en sus variadas formas de expresión para ser vía y marco de vidas imaginadas o perdidas, encontradas o reconstruidas con nuevas maneras de ver lo que siempre fue tenido como versión oficial e irrefutable.
Vuelve el Teatro, con Elvira, la única al punto de que su apellido resulta accesorio,  a subvertir versiones y creencias, tomado de la mano de quienes abrazaron este quehacer escénico,  en una actitud de vida que convoca personajes reales, mitológicos, imaginados y, simplemente inexistentes, en toda dimensión.
Juicio a una Zorra, monólogo del director, actor, productos y libretista español Miguel del Arco, tiene sobre sus signos, el germen de la subversión contra las versiones tradicionalmente conocidas y que ubican a esta mujer en perspectiva de mujer de muchas camas, de entrega fácil a los placeres de la carne y  proclive a la traición de su patria. Es uno de esos montajes a los que nadie, en condiciones de hacerlo, debería obviar este encuentro de arte de primer nivel sobre un entablado que desafía con la convocatoria. La crítica al montaje en Madrid, debe ser leída.
Del Arco  produce ficción sobre ficción, con teclado de una óptica marcadamente femenina, la historia de estos hechos de la mitología  desde perspectiva de esta mujer, que para ser mejor disfrutada requiere de conocer el universo fascinante de personajes  del pasado heleno/romano. Parte de la tragedia escrita por Eurípides, Helena de Troya, montaje original pendiente en los escenarios dominicanos.
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Representación de época de la imaginada Helena de Troya. DR/Wikipedia.


La oportunidad de ver Juicio a una Zorra, permite una incursión en el universo de personajes, desde Menelao, hermano de Agamenón, embajador griego llegado a Troya para reclamar la entrega de la mujer más bella a la vista de ojos humanos; el amante y poderoso Paris (el único hombre que realmente amo la griega tenida por troyana), Tindáreo  quien eligió como marido de Helena; Antenor, anciano consejero troyano, sustentador de reflexiones verdaderas y Partenio de Nicea, testigo de los sufrimientos de amor por los que pasaron los que aspiraban al amor de Helena.
El de estos personajes La pieza se disfrutará mucho más si se tiene manejo de sus personajes: Helena, quien  hizo estallar pasiones: Menelao mató a Deífobo y a punto estuvo también de matar a Helena, pero quedó deslumbrado y enamorado de nuevo por su hermosura y la perdonó. Algunos autores antiguos cuentan que fue la propia Helena la que mató a Deífobo y que Menelao perdonó a Helena cuando vio sus pechos desnudos. Helena y Menelao fueron padres de Nicóstrato, para referir solo a partes de ellos.
El concepto
El libreto  con un  parlamento subvertidor, de esos no llamados a fascinar a todos ni a tenerse como monedita de oro, refiere a Helena, (ésa, la de Troya)  cuyo nombre que en griego  quiere decir «luz que brilla en la oscuridad»; y que para los troyanos esa sinónimo de ser “antorcha”,  a pesar de que su recuerdo pasa a la historia  más vinculado a los  epítetos “zorra”, traidora, infiel, seductora y otras lindezas del estilo.
Los valores y perspectivas gerencia Miguel del Arco, exponen la inutilidad de la guerra, la doble moral de los poderosos, la miseria que radica en sus ejecutorias motivadas o por el poder, o por la ambición o por el sexo. Buenas las contabilidades de la intención humana que se nos ha vendido tanto por medio de la culpabilización de la mujer como culpable de las muertes y desastres que ella no ha provocado. Es ése es el valor textual de montaje.
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Magnífica instantánea de Luis Dantes Castllo que captura en plenitud el desborde de expresión escénica de Elvira Taveras.


La actuación
Elvira Taveras es una marca teatral en sí misma y su vocación por hacer personajes femeninos de altos registros, contradictores de los patrones tradicionales, ha sido más que una trayectoria de coherencia estética.
Ha sido tanta y tanta la mentira vertida sobre las mujeres, que para ella ha sido misión aportar una visión que desmitifique criterios  y eleve dignidades y percepciones.
En este montaje, nos seduce por su  colorida paleta de requiebros vocales, el matiz que alcanza en sus giros del drama a la expresión cómica, fina en su sarcasmo.
Su  polifonía es rica forma de ubicar la imaginación del público ante esa nueva desafiante versión de la Helena, logrando establecer un vínculo muy firme con su público, a pesar de lo rompedor de rituales y esquemas en que se resuelve.
Esta mujer toma lugar en el mundo de la mujer retratada teatralmente, hace de su cuerpo un instrumento de efectiva comunicación, físicamente se adueña Recorre aquel entablado, con firme actitud.
director, elvira y juancito

Richardson Díaz, director, Elvira Taveras, actriz y Juancito Rodriguez, productor.


La técnica
El vestuario,( Gromcin Domínguez)  rico en  verosimilitud, acento de época, elegancia  y la efectiva  simpleza ;el diseño de las luces (Roberto de León) que destacan la protagonista de la historia al momento de sus ires y venires; el universo de sonidos (del director), el aporte de los tocados y el valor de utilería simbólica (no acreditados en el programa) ; el diseño sobrio y elegante del espacio escénico por parte de Fidel López, el maquillaje de (Francis de la Cruz); los efectos especiales (Ernesto Báez).
Juicio a una Zorra a pieza imperdible. No se atreva a vacilar.
LD Helena tres

FITE 2016 cierra con Bolo Francisco, altísimo signo teatral dominicano

Al llegar a su etapa final, con el cierre mañana lunes con Bolo Francisco, (Reynaldo Disla, Premio de Teatro Casa de las Américas, 1984), el Festival Internacional de Teatro entrega una de sus ediciones más completas, actualizadas y sirviendo de marco para que el quehacer escénico dominicano se evidencie tal cual es: un oficio de trayectoria profesional de tanta validez como cualquier otro del ámbito internacional. Hay oportunidad de verla hoy domingo y mañana lunes como cierre oficial en el Palacio de Bellas Artes.

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El público de dio gusto con las presentaciones del FITE 2016 debido a la calidad del teatro nacional e internacional a un precio que por democrático , debería ser vigente todo el tiempo. FOTO DEL SR. SOSA


El FITE 2016 ha sido el marco para reconocer la calidad de 16  grupos y compañías de Argentina, Colombia, Chile,  Costa Rica, El Salvador, España, México, Portugal, Puerto Rico y Venezuela, cartelera a la que se ha agregado la, a  veces subvalorada, oferta escénica criolla con las propuestas de compañías independientes de tremenda consistencia como Guloya y Las Máscaras, hasta el quehacer de la Compañía Nacional de Teatro, con su buque insignia Bolo Francisco,  demostración  total de la validez universal de lo criollo en las tablas.
Las salas se han llenado de un público joven y adulto ávido de calidad artística en escena y no ha salido defraudado. Karina Noble y su Dirección de Festivales, del Ministerio de Cultura, han inscrito este evento entre lo mejor que en teatro ha ocurrido este año.
Obra "Bolo Francisco". Alegría

Bolo Francisco (Reynaldo Disla-1984) cierra el Festival de Teatro 2016. FOTO JOSE RAFAEL SOSA


Bolo Francisco
El FITE termina mañana lunes con un cierre de altura: Bolo Francisco, uno de los exponentes más altos de la dramaturgia social dominicana, única pieza de la dramaturgia criolla  que ha premiado la prestigiosa institución cubana del pensamiento creativo.
Como pieza teatral, Bolo Francisco ha contado con cuatro factores poderosos a su favor.
El primero es el hecho textual del que parte y respecto del cual no hay dudas de su brillantez y creatividad, dado el ejercicio de un dramaturgo joven como Disla, autor que aun cuenta algunas resistencias porque no se inscribe en el concepto aristocrático y “noble” del escritor del “star sistem”. Para muchos, y pese a una labor intelectual. Disla crea, a partir de rasgos de la realidad, un mundo mágico de personajes y condiciones.
El segundo, la dirección de Claudio Rivera, uno de los cuadros profesionales de mayor vuelo en esa crucial función de traducir a escena, con los múltiples recursos de la técnica y el arte, lo que alguna vez fue una idea divagante en los entretelones de la imaginación autoral. Rivera, uno de los cinco mejores directores teatrales dominicanos, evidencia madurez y sentido expresivo que sacan provecho al máximo de tendencias y capacidades humanas, conducidas hasta el tope de sus entregas.
boloSu arrojo al experimentar con los aires y símbolos, las máscaras, el acento carnavalesco, la coreografía simétrica y puesta para ser captada y eternizada en instantáneas de arte y el  armonioso movimiento en tablas. Una masa humana que sobrepasa el valor individual de lo histriónico concebido en su valor como expresión de conjunto, en la cual las partes agregan un sabor compartido por ellas  y el público.
El tercero es el desempeño de los talentos.  Muchos de ellos con más de un personaje a su cargo: Jhonnié Mercedes, con el protagónico Bolo Francisco, llena escenario con voz, figura y una gestualidad de persona mutilada de una pierna, en un experimento que cautivó por su verosimilitud. Su maquillaje y peinado le adicionan magia a la personificación del músico típico que vuelve de la muerte para censurar opresiones y pequeños tiranos; Maggi Liranzo, otro de los tesoros actuantes del teatro dominicano, envuelve al público con su estela roja de bruja artesanal y luego como campesina oprimida; Yorlla Lina Castillo, un talento que se propuso dejar cualquier oficio que no fuera el actuar y que demuestra la fidelidad de su compromiso, con expectativas que van mucho más allá de sus medidas corporales perfectas; Amauris Pérez ratifica sus condiciones de actuación  destacable, tanto para cine como para teatro y Ernesto Báez, imponente y opresivo como el teniente Then y Mazamúbula, simplemente está grandioso; Canek Denis es otro talento con un potencial que evidenció desde sus tiempos en la Escuela de Teatro de Bellas Artes. Está fantástico como militar; Gilberto Hernández, Cristela Gómez y Wilson Ureña nos dejan esa sensación satisfactoria de lo bien logrado.
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Miguel Bucarelli es sustituido en esta versión por Manuel Raposo. Foto JOSE RAFAEL SOSA


El cuarto y último factor del éxito de Bolo Francisco es la técnica teatral, tan diversa como efectiva: vestuario, máscaras zoomórficas, peinado, escenografía (con la excepción del telón de fondo que pudo haber estado mucho mejore logrado), concretada con elementos funcionales, diseño de luces, todo  empleado con  calculada medida. Hay una estética cromática vinculada al vestuario que da un sabor “comic”, aportando vivacidad a las escenas en yuxtaposición armoniosa con el rendimiento actoral del equipo.
Las máscaras adquieren un significado particular para quienes conocimos los personajes referentes. Para las actuales generaciones, serán expresión de arte escénico.
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Karina Noble cuando anunciaba el Festival de Teatro. Las ojeras reflejan el nivel de cansancio por el trabajo para montarlo. FOTO DE MINISTERIO DE CULTURA


La experiencia FITE
El Festival, el último que organiza Karina Noble, quien se retira a la actuación al considerar cumplida su labor desde la Dirección de Festivales del Ministerio de Cultura, desde la cual montó tres eventos de este nivel, todos con notable labor organizativa y estética, queda ahora inscrito como suceso histórico del entablado nacional.
La Noble debe marcharse tranquila, en conciencia de que su trabajo quedó hecho en exceso.  A ella las gracias, por su gestión que nos ha proporcionado emociones intensas del más diverso tipo. Perdemos una gestora teatral. Ganamos un talento femenino que vuelve a al lar que le corresponde: el espacio de sueños y tiempos, personajes y signos emanados desde una ficción que estimula la imaginación, la motivación y la sensibilidad.
 

IX FITE: 40 obras desde hoy martes en 13 sedes

La novena edición  del  “Festival Internacional de Teatro 2016 (FITE)”, continúa este martes con una variada cartelera de 26 obras de distintos países a ser presentadas en las principales salas del Distrito Nacional, Santiago y San Juan de la Maguana. Las boletas cuestan 100 pesos
La fiesta teatral es organizada por el Ministerio de Cultura y fue inaugurada el pasado viernes por el ministro José Antonio Rodríguez y concluirá el 27 de junio y en ella participan representaciones de Argentina, España, Puerto Rico, Venezuela y República Dominicana. DESCARGAR PROGRAMA AQUI
DSC_7471Para este martes, la cartelera  que ha implementado  el Ministerio de Cultura, a través de la Dirección  de Festivales Nacional e Internacional de Teatro, que dirige la actriz Karina Noble, incluye un programa  educativo, teatral y cultural.
Se informó para hoy la puesta  en escena  de la obra  “Una taza de té para una mujer casada”, desde la 8:30 de la noche,  en la Sala Ravelo  del Teatro Nacional Eduardo Brito, dirigida por  Raúl  Méndez.
Mientras  que la Sala la Dramática del Palacio de Bellas Artes se presenta  la obra “Elle Femme”, a las 6:00 de la  tarde,  a cargo del  Teatro  Ojoluna.
En el Centro Cultural Narciso González, de Villa Juana, se presenta la obra teatral “Cuerpos ausentes o ensayos para mi muerte” (Costa Rica), a partir de las 6:00 p.m,
La obra “Hasta el abismo” se está presentando a partir de  8:30 p.m. en la sala Cristóbal de Llerena de Casa de Teatro.
DIVORCIADAS EVANGELICAS Y VEGETARIANAS 2 - CopyEn la sala  Otto Coro, del  Teatro Guloya, estará en escena la obra “Divorciadas, evangélicas y vegetarianas” desde 8:30 de la noche,  dirigida por Juancito  Rodríguez.
Miércoles
El  miércoles 22, se pone en escena “Labio de liebre” de (Colombia), dirigida por el Teatro Colón de Bogotá  y el Teatro Petra, a partir de 8:30 p.m., en la Sala Carlos Piantini  del Teatro Nacional Eduardo Brito.
En  la Sala Ravelo del mismo teatro se presenta la obra  “Una taza de té para una mujer casada”, desde la 7:00 de la noche.
También se presentara la obra teatral “Otelo” de (Chile), 7:00 p.m. en la Sala Máximo Avilés  Blonda, Palacio de Bellas Artes; y “Cuerpos ausentes o ensayos para mi muerte” de  (Costa Rica), a la  6:00 de la tarde, en la Sala Monina Solá del Centro Cultural Narciso González.
En el Auditorio del Centro Cultural  Narciso González, se presenta la obra “Lloronas” de (Estados Unidos), desde 7:00 p.m. y “Confesiones de un elefante”, a las 8:30 p.m. dirigida por  Orestiada, en la Sala Cristóbal de Llerena, Casa de Teatro.
La Sala Otto Coro del Teatro Guloya, acogerá la obra “Divorciadas, evangélicas y vegetarianas”, desde 8:30 p.m.,   bajo la dirección  de Juancito Rodríguez.
En la Sala Laurel Beltrán del Centro Cultura Babeque,  se pondrá  en escena la obra “Por los caminos del hombre acontecen paloma”, desde la 8:30  de la noche, Teatro la velada.
EULOGIO BADIAJueves
El jueves 23, se pondrán en escena ocho funciones teatrales: La obra “Labio de liebre”, de (Colombia), desde 7:00p.m, en la  Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo  Brito, y Donis Taveras presenta  la obra teatral “Eulogio Badía” de (República Dominicana), desde 8:30 de la noche  en la  Sala Ravelo del referido Teatro.
En la Sala Máximo Avilés  Blonda, Palacio de Bellas Artes,  se ofrecerá la obra “Otelo” de (Chile),  en la dirección del  grupo Viaje inmóvil, desde 8:30 de la noche.
El Salvador, presenta  la puesta en escena de la obra “La audiencia de los confines”, desde 7:00 de la noche, en la Sala  la Dramática Palacio de Bellas Artes. La obra “Lloronas”,  se presentará partir de la 7:00 de la noche, en el Auditorio del Centro Cultura Narciso González.
Además, en la Sala Otto Coro se presentara “Terapia dolorosa”, de la Fundación  Theomai, a partir de 8:30 de la noche; mientras que el Teatro Veladora pondArgentina, Tiempo de Paz (2)rá en escena “Por los caminos del hombre acontecen paloma” desde 8:30 de la noche en la Sala Laurel Beltrán del Centro Cultural Babeque.
Asimismo, desde Puerto Rico, se presenta “Una taza de té para una mujer casada”, desde la 7:00 p.m., en la Sala Danilo Taveras, Centro Cultura Monina Cámpora, San Juan de la Maguana.
Viernes
El viernes 24,  se ofrecerá un amplio calendario de actividades educativa, cultural  y teatral, empezando  con la puesta  en escena de la obra “Eulogio Badía”, desde la 8:30 p.m. en la  Sala Ravelo del Teatro Nacional, Eduardo Brito. Asimismo, la obra “La audiencia de los confines” de (El Salvador), a partil 7:00 p.m. en la Sala la Dramática Palacio de Bellas Artes.
También, España llega la obra “¿Cuando?”, que se presenta a partir de la 5:00 de la tarde en el Auditorio del Centro Cultura Narciso González. Además, la Corporación Caja Negra &  el Teatro de Itinerancias presentan “Las criadas”, a partir de la 8:30 de la noche en la Sala Cristóbal de Llerena.
En la Sala Otto Coro se presentara la obra “El último instante”, a partir de la 7:00 de la noche, de la compañía  Teatro Otoño.
La FITE 2016 es dedicada a la Compañía Nacional de Teatro de la República Dominicana por sus más de 70 años de existencia.
Durante los diez días se entregarán al público unas series de actividades con la participación de 16 grupos internacionales y 30 nacionales. Las personas interesadas en obtener más información pueden visitar la página web del Ministerio de Cultura.