Desde el tres de octubre de 2006, cuando anunció en rueda de prensa junto a la entonces embajadora de México, y Peyi Guzmán, director de fotografía, hasta este 2017 cuando se apresta a poner desde el jueves próximo en pantallas Patricia, el regreso del sueño, han pasado once años.
Entonces, por diversas razones, el proyecto no pudo ser, pero Fortunato sabía que debía lograrlo. Y, calculamos nosotros, que antes de ese anuncio, debió haber trabajado al menos dos años de pre-producción, (guión y sus procesos de curación, selección del cuadro técnico básico y vinculación del proyecto con el factor internacional), por lo que estamos hablando de un hecho artístico que ha tomado cuando menos, trece años de su atención…y de su vida.
VER TRAILER
René Fortunato es persistente y tiene claro, a lo largo de su trayectoria, sabe hacia dónde quiere llegar y decide lograrlo.
Patricia, el regreso del sueño es ya un proyecto a término y ahora solo falta la respuesta de la gente a un propósito realizado con amor, la disciplina y el tesón de un director que sabe con precisión cómo contar una historia de amor y sociedad, con la ciudad y el campo dominicanos como hermoso marco, en una de las perspectivas nacionales mejor fotografiadas de este país. ¡Vende el país y qué bien lo logra! La clara intención es levantar la marca dominicana.
LOS PROFESIONALES QUE HA HICIERON
Objeciones
No es perfecta. No es obra maestra. Probablemente debió tener menos extensión (es una de las más extensas películas dominicanas). En algunos momentos, muy contados, se debieron sostener mejor, los colores interpretativos y el control de personajes evitando, gritos o sobreactuación.
Los aportes
El discurso visual de Patricia, el regreso del sueño, es impecable respecto del país todo: ciudad y campo. La forma en que se captaron los colores del caribe, y que no es solo responsabilidad de haber contado con una de las mejores cámaras de la industria actual a nivel mundial (la Alexa TX), sino de haberla puesto en manos de Peyi Guzmán – sin dudas uno de los tres mejores directores de fotografía del país.
El pasaje y la construcción del paisaje urbano (mediante precisos efectos digitales), rememorando los cambios en la ciudad (muchos de los cuales son un descubrimiento para las actuales generaciones, como el Palacio de las Telecomunicaciones en Plaza España). En cierta forma, la producción nos hace descubrir la ciudad de otra forma, una lúdica y novedosa, respecto de la ordinaria percepción de telón de fondo, como parte de un paisaje obligado a recorrer.
La música de compuesta por Misael Mañón (Premio Nacional de Música, dos veces), joven maestro, orquestada por Caonex Peguero para la Camerata de Washington Heigths, que crea un discurso sonoro altamente cinematográfico para el filme, a lo que se añade la música popular (Sueño, bachata que interpreta Félix de Óleo, y Patricia, ambas interpretadas por Félix d Óleo, ambas con letras de Fortunato; Dominican York (de El Poeta Callejero).
VER TEASER SOBRE LA MUSICA DE PATRICIA
Las actuaciones
Amaury Pérez es el personaje más expuesto, el que lleva el peso interpretativo de Patricia y junto a la joven actriz Stephany Liriano, para dar en pantalla en primer lugar, dos buenas actuaciones y sobre todo la química que logran proyectar-
Pérez, un hombre de experiencia en cámara, orientado por la maestra María Castillo, es sostén histriónico de la historia, recrea ese dominicano que se fue a Estados Unidos y regresa en busca de si mismo, del amor y de su país, en un amasijo de tensiones que producen una trama, reproducen nuestra forma de ser. La película nos bien retrata.
Liriano logra su primer protagónico y nos envuelve de romance y sensualidad. Sus parlamentos los desarrolla con precisión, La dirección de cámaras le saca el máximo a su expresión. Es una representación bien captada de belleza y talento.Miguel Angel Martinez, Gina Desangles (la mejor en los matices de drama y humor), Augusto Feria, Raymundo Ortiz (breve y sorprendente), y Mario Núñez.
Entre los papeles de soporte, nos llaman la atención la entrega que desarrollan: Johnnié Mercedes,
La dirección
Dueño de una larga trayectoria como formador de estudiantes del cine desde el aula a los que infundió la pasión por el cine como arte y como registro histórico y con las alas de la ficción , como co-fundador de la Asociación Dominicana de Cineastas, que incidió de forma determinante para lograr la Ley Nacional de Cine,
En el marco del cine dominicano, tras la realización de siete documentales histórico (sin dudas su fuerte hasta el presente) y tres libros) conoce a fondo el mercado del arte audiovisual y desde que anunció la primera vez el proyecto Patricia, , invierte lo necesario imprimir a sus obras un carácter diferenciador, aprovecha su experiencia como uno de los mejores mercadólogos del cine (desarrollada con éxito con sus documentales y sus libros),imprime calidad plena en los productos que genera y de seguro logrará, cuando menos es nuestro deseo, e respaldo del público en los cines.
FICHA TECNICA
Patricia, el regreso del sueño
Dicción y guión: René Fortunato
País: República Dominicana
Empresa productora: Ave Fénix Films SRL
Género: Historia Romántica
Dirección de fotografía; Peyi Guzmán
Música: Misael Rondón
Productora en línea: Leticia Tonos
Idioma Español
Productora Ejecutiva: Matty Vásquez
Duración: 11.56 m
Elenco principal: Amaury Pérez, Stephany Liriano, Miguel Angel Martínez, Geihsa Montes de Oca, Alfonsina Bencosme, Mario Núñez, Gaby Desangles, Johnnié Mercedes, Victor Espinal, Augusto Feria,Raymundo Félix, Miguel Pérez Santana, Aquiles Julián, Fifi Almonte, Miguel Lendor, Reyna Acosta, Claudio Le Buono, Indhira Whu, William Martín y Gustavo Arias.
Sinopsis
Juan Carlos, tras irse por razones económicas a Estados Unidos, regresa para casarse con la novia que dejó, a quien encuentra casada con un italiano. Desesperanzado, se encuentra con una joven, Patricia, que le cambiará la vida. De paso, la relación nos hace descubrir una República Dominicana que solo vemos regularmente como telón de fondo. Y resulta un descubrimiento en todo sentido.
CALIFICACIÓN: Siete estrellas de 10
Portada
Quiero un cuento provoca las lágrimas de sus artistas
Quiero un cuento trasciende las expectativas de un gran espectáculo musical rico en valores, supera su consideración para ser tomado en cuenta para nominaciones y premios de arte para ser una demostración del valor humano que reta y deja su ejemplo de triunfo ante cualquier condición en que toque a alguien desarrollarse.
Nada extraño que al final del montaje, en la función de las cuatro de la tarde del domingo, cansados por la intensidad y la extensión del espectáculos, Javier Grullón, (El Lobo), y Bianca García (Caperucita Roja), salieron al final conteniendo las lágrimas por la emoción. Sabían perfectamente que lo que habían terminado era más que un espectáculo.
La opción de reinserción social que presenta a la sociedad la Fundación Yo Puedo, al presentarnos más de 30 niños y jóvenes de condiciones diferenciadas, luciéndose como artistas, fue, para decir lo menos, un ejemplo de reconstrucción social.
En este montaje se procuró ofrecer, actoralmente el máximo del rendimiento interpretativo, con una especie de lazo estético que niveló bastante la actuación coral que define el libreto; la mejor entonación posible, aspecto en que sobresalen sin dudar Javier Grullón, Carolina Rivas, Estefani Peña, Bianca García y Karla Fatule.
Grullón marca fuertemente el montaje como hilo conductor en un papel sumamente difícil de lograr que se arraigue en el gusto de la gente por la intensidad y extensión de sus partes, que debe desarrollar con notable cantidad de maquillaje y efectos especiales de vestuario. Carolina Rivas, clase aparte, juega con el público como la reina, luciéndose al extremo.
Bianca García y Karla Fatule, no dejan espacio para dudas de que estamos frente a dos talentos de consistencia y frescura.
Los artistas diferentes
¡Quien fuera a decir que se puede obtener tanto rendimiento entre chicos y chicas que conviven con Síndrome de Down. Insuficiencia intelectual, autismo y Parálisis Cerebral
Las actuaciones, desde el joven que, vestido de frac, emociona con una canción tan y tan sentida, hasta los que actúan como actores -bailarines y cantantes, (haciéndolo por primera vez en vivo) se ganan el aplauso sincero, sin lastimeros motivos ni paternalismos condescendientes. Dan mucho más de lo que en justicia se podría esperar.
La fundación
El éxito de este montaje excede los protocolos contemplados. Fue más que una experiencia de arte en escena que conjugó música, interpretación actoral, buen uso de los recursos técnicos. Fue más que eso. Su triunfo queda en cada garganta emocionada. En cada lágrima contenida ante el clamor de unos aplausos merecidos y justos. Un reconocimiento a la labor de la Fundación Yo también puedo.
Quiero un cuento muestra el arte de la escena en todo su valor
El relato escénico-musical Quiero un cuento, trasciende las expectativas de un proyecto más que se monta como parte del incremento de producciones de este tipo, por las características y objetivos que persigue, parte de una estrategia que involucra más que lo establecido para una cartelera artística. Para este caso, el espectador y el crítico, están frente a toda un proyecto que excede las buenas intenciones y el deseo de dar un papelito a una niñez normalmente marginada. No hay tal. Hay arte. Y hay arte consistente y llamado a trascender.
Orientado su argumento por los valores familiares y personales, Quiero un cuento tiene el valor de ser arte escénico bien logrado, responsabilidad que se debe atribuir a la educadora María E. Haché (creadora de la Fundación Yo también puedo) y Wendy Quéliz (dirección artística y teatral), que pusieron el empeño en el proyecto y trabajaron, junto a un cuerpo de directores sectoriales y el elenco, para entregar este resultado, el mismo que cosechó extendidos y emocionados aplausos en su función de gala, este pasado viernes.
Este proyecto permite una conjunción de talentos profesionales y vocacionales que se configuran en torno a una historia original, derivada de varios cuentos universales (El Flautista de Hamelín, El gato con botas, Blanca Nieves y los 7 enanitos, El Lobo y los cerdos, y la Caperucita Roja) para desembocar en el triunfo de los valores positivo, produciendo en el público una notable identificación emotiva.
Continuación de dos montajes similares anteriores, Escucha mi sueño (2011) y el candoroso montaje Gliburbit, una aventura del otro mundo (2013), que permitió a los medios de prensa unas fotos inolvidable, Quiero un Cuento, se replantea un elenco mixto en el cual se lucen artistas de ejercicio extendido, junto a chicos y chicas de habilidades especiales (sobre todo Síndrome de Down), para consagrar una experiencia poco comparable a cualquier otro espectáculo que cursa este fin de semana en el auditorio Máximo Avilés Blonda del Palacio de Bellas Artes.
Probablemente un poco más extenso (dos horas y cinco minutos) de lo aconsejable por la naturaleza infantil tanto de intérpretes como de público, la circunstancia palidece cuando el espectador se levanta para dar el aplauso final a estos artistas. En cuanto a la extensión, sin dudas que se excedieron.
Si un patrimonio particular aporta la Fundación Yo también puedo (parte de cuyas figuras aparecerán en la película Mañana no te Olvides) es que ha mostrado un camino: el que reivindica sociablemente por medio del arte a seres especiales.
Elenco:
Resaltante la luz propia con la que brilla Javier Grullón (El Lobo) , eje de toda la historia, personaje al que imprime una belleza expresiva propia, apoyado en su talento expresivo y con el sostén de elementos de vestuario, peinado y maquillaje que no deja duda de la perfección técnica con que se concibió el trabajo.
Carolina Rivas está magnífica como la Reina del cuento Blanca Niegas, belleza escénica que se completa con un buen criterio de vestuario y accesorios.
Bianca García, que se aleja de la conocida imagen de Sofía Globitos y crea un personaje realmente nuevo, como Caperucita Roja, valida cada una de sus líneas.
El resto del elenco, amplio y de diversas edades, completan el cuadro de una experiencia artística que no requiere de paternalismos para apoyar “buenas iniciativas”.
Criterio de producción
Quiero un cuento es una empresa escénica bien plantada y cuidadosamente elaborada, desde el uso de sus recursos técnicos: música, maquillaje, vestuario, escenografía y diseño de luces, tan bien usados, con todo y la economía de recursos que se notan en algunos aspectos, como para no usar evasivas justificatorias en función de la nobleza de una causa.
MujerCoop, CCC-CA y ACI Américas dicen aumenta 21% violencia género
Tres organismos femeninos cooperativistas denunciaron que la violencia contra las mujeres se ha incrementado 21% en casos y se ha aumentado la crueldad en las formas de asesinar mujeres, sobre todo las adolescentes.
En una declaración conjunta, el Comité de Género de la Mujer Cooperativista (Mujercoop), la Confederación de Cooperativas del Caribe, Centro y Suramérica (CCC-.CA) y la Asociación Cooperativa Internacional (ACU-Américas) firmada por sus principales dirigentes, Anaisa Pérez, Eufracia Gómez Morillo y Xiomara Núñez de Céspedes, indican que los tres organismos decidieron respaldar masivamente la marcha de este domingo de la Asociación de Reporteros Gráficos, desde el parque La Lira, a partir de las diez de la mañana, como forma de llamar la atención contra la creciente violencia contra la mujer.
La Asociación de camarógrafos y fotógrafos de prensa se dirigieron a las mujeres cooperativistas para solicitarles su integración a la marcha de este domingo que parte del Parque La Lira a las diez antes meridiano.
Pérez,
Núñez de Céspedes y Gómez Morillo, advirtieron que en lo que va de año, respecto del mismo período del pasado año (hasta el 30 de agosto) el índice de mujeres asesinadas se ha incrementado 21 %, según los cálculos estadísticos que han hecho las tres organizaciones.
“Pero el problema no radica sólo en el incrementó aritmético de las mujeres (adolescentes y adultas) asesinadas. Lo grave es como se ha incrementado la crueldad, sadismo y la saña que se aplica en estos casos, a lo que se agrega un mal uso ético de las imágenes de las víctimas, sobre todo en redes sociales” habían afirmado las tres dirigentes habían afirmado el pasado miércoles en rueda de prensa, celebrada en el Consejo Nacional de Cooperativas.
Indicaron que las autoridades se han visto presionadas a actuar diligentemente en determinados casos cuando estos se vuelven tema de las redes sociales y son expuestos por los medios de comunicación, sobre todo los impresos, digitales y televisivos.
“Mujercoop, ACI-Américas y el Comité de Género de la CCC-CA condenaron estos crímenes y advirtieron que se corre el riesgo de un acostumbramiento social a la barbarie machista a fuerza de tener tan cotidianamente tantos casos” dijeron.
Llamaron a las autoridades del Ministerio Público a abandonar la actitud receptiva de denuncias y actuación a posteriori para avanzar junto con el Ministerio de la Mujer, con las organizaciones sociales, incluyendo el sector cooperativo, para que se desarrolle una estrategia nacional contra la violencia de género
“Estos feminicidios han estremecido la conciencia nacional, por ser espantosos asesinatos de tres adolescentes en hechos por separados incluyendo en ellos la menor de edad que estaba embarazada” explicaron.
Anchoitas, descubre una extraordinaria Mabel Paulino
Si en el musical Anchoitas, que se estrena a partir de hoy jueves en Blue Room de Blue Mall, se destaca una figura novísima, ella es Mabel Paulino, con una estelaridad basada en su gracia, su dominio de la expresión corporal, la técnica del tono vocal, y una imagen atrayente y amigable.
Dotada de una discurrencia expresiva muy notable y una fuerza escénica, la Paulino nos resulta un descubrimiento más que agradable, valioso.
Mabel Paulino, primera desde la derecha, es una revelación en el musical Anchoitas.. FOTO DE JOSE RAFAEL SOSA
Esta mujer en escena tiene la fuerza de algunos otros talentos femeninos de otras generaciones. Ella, junto a la labor que rinden sus compañeros de elenco, hacen totalmente recomendable este musical que inicia su temporada recién ahora.
Un elenco bien seleccionado, en el que se destacan, además de la Mavel Paulino –que sin dudas es el personaje que queda luminosamente instalado en la memoria emotiva del público- se lucen: Gabi Desangles, Jean Villanueva, Gracielina Olivero, (directora Coreógrafa) Rosa Aurora López, Chabela Estrella de Bisonó, Diego Vicos, Luis Minervino, Miguel del Villar, Jared Gómez, Ismael Almonte, Gabriela Gómez.
Mención aparte hacemos de Katyuska Licairac, a quien disfrutamos en el monólogo Que no se culpe a nadie de mi muerte (Humberto Robles, México) en Teatro Guloya – dirección de Viena González- por adecuarse con profesionalidad a un montaje de actuación coral, en el que cumple y excede lo que de ella podría esperarse.
Al momento de escribir la historia del musical dominicano, el nombre de Luis Marcel Ricard, deberá estar muy a la mano.
Talentoso y trabajador, el director ha desarrollado una trayectoria que ha aportado títulos fundamentales al género con variedad de temas, desde lo religioso y litúrgico, iniciando con un montaje rompedor como fue en el Teatro Nacional, en 2009, El Milagro de Fátima, una obra escrita en 1998 por Bárbara Oleynick y Cantata 7 Palabras – 2016, hasta proyectos de divertimento de alta estética, como es el caso de Tilín Tilón , el inolvidable Oliver (ambas de 2014) Madagascar (2016) , uno de sus trabajos más complejos y demandantes y el único que nos quedamos con el deseo de verlo dos veces.
Los musicals de Anchoitas son evocadores y con una alta carga de recuerdos de la música de los 80´s y los 90´s.
La función premiere fue anoche (un ensayo general bien terminado) dotado de la ligereza aparente de un salón de belleza, evidencia que el espectador está frente a un proyecto profesional y demandante del rendimiento al extremo de los talentos y recursos técnicos.
Musicalmente, evocador de los éxitos musicales populares de los años 80 y 90, el trabajo tiene en estos números su mejor atractivo.
Argumentalmente está bien, muy bien al recrear el ambiente del salón. Solo objetamos algunos chistes en los que las mujeres aparecen seducidas y desesperadas por un hombre musculoso. Esas partes debieron ser material editable.
Anchoitas es una pieza teatral musical que recomendamos con entusiasmo.
Sinopsis: Sábado en un salón de belleza, entre rolos, shampoos, tintes y esmaltes se tejen historias de encuentros y desencuentros. Las canciones románticas de amor y desamor de los años 890´s y 90´s prestan sus palabras y melodías a las vivencias de una trulla bastante dispajera. Lo que que resulta es un universo divertido y animoso.
Ficha Técnica:
Anchoitas
Director general y artístico: Luis Marcel Ricart Grullón
Producción ejecutiva: Chavela Estrella de Bisonó y Rosa Aurora López.
Coreografía y Estilo: Gracielina Olivero
Música: Ambiorix Francisco
Libreto: Ramón Guzmán
Escenografía: Carlos Ortega
Vestuario: Magdalena Gutiérrez
Iluminación: Lux Art
Maquillaje;: Teatro Musical Theamus
Las películas iberoamericanas imperdibles del VIII Festival Fine Art´s
La octava edición del Festival Internacional de Cine Fine Arts, que monta del 28 de septiembre al 11 de octubre, a intención de Caribbean Cinemas, trae 63 películas de primer nivel de calidad, cantidad de ellas premiadas en festivales, otras con enorme reconocimiento de la crítica.
El acto de lanzamiento fue realizado en el Garden Tent, del Hotel El Embajador, con un estilo Vintage (manifestación de la cultura posmoderna, producto de la pérdida de fe en el progreso y el desencanto del motor de la innovación propia de la modernidad que, en vez de mirar al futuro, se recurre con nostalgia a elementos de eras pasadas), sirvió para dar a conocer todos los detalles ante: patrocinadores, directores, actores, actrices, guionistas, productores y periodistas.
Para confeccionar esta cartelera fue fundamental el trabajo de una colombiana, Diana Salcedo, ejecutiva de programación de la cadena Cineplex, de Colombia, vio más de 300 películas en 2016 y este 2017, viajando a más de 20 festivales y eventos especializados, premieres especiales y proyecciones diversas para definir la que vendrían al evento anual y que dirige Zumaya Cordero en Santo Domingo.
¿Cuáles son las iberoamericanas que no se pueden dejar de ver?
¿Cuáles las “imperdibles”?
Optamos por una óptica geográfica: Iberoamérica. Dejamos que otros opinen sobre las Europeas, asiáticas, de Medio Oriente o Norteamericanas. Simplemente preferimos Iberoamérica, por obvia coincidencia de los Premios Platino que tendrán su IV entrega en Riviera Maya, México.
Todas las películas de la parrilla del VIII Festival Fine Art´s tienen méritos, premios internacionales o calidad para estar en el ofertorio fílmico.
Dentro de las iberoamericanas (España y América Latina, Brasil y Portugal), tenemos un listado de recomendadas o porque ya las hemos visto en festivales o porque sus referencias en la prensa internacional, las ratifican.
- Bueno que es que vean la cartelera en linea en la página del FICFA:
- http://www.festivaldecinefinearts.com/secciones.php
Nuestra recomendación de imperdibles iberoamericanas es esta:
- La novia del desierto, (Cecilia Atán y Valeria Pivato, Chile, 2016), protagonizada por la que creemos es la mejor actriz chilena, Paulina García (Gloria) y el argentino Claudio Rissi, y que vimos en Cannes en el curso de una presentación en la que fue aplaudida hasta el delirio. Intensa y tierna, con un guión de cortes precisos y el remate de dos actuaciones de antología, se resuelve en una muestra de la calidad altísima del cine iberoamericano. Esta fue nuestra opinión tras verla.
-
Paulina García y Claudio Rossi (La Novia del Desierto)
In th Fade, el drama socio-político In the Fade, dirigida por Fatih Akin, nominada por Alemania a los Premios Oscar en la categoría de Mejor Película en Lengua Extranjera y que le valió a su protagonista, la alemanda Diana Kruger, el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes 2017. Su director es un cineasta alemán de ascendencia turca. Recibió el Oso de oro como mejor director y mejor film por su película Contra la pared en el Festival Internacional de Cine de Berlín en el año 2004. Es el dueño de la productora de películas Corazón Internacional. Es la película de clausura. Esto opinamos al verla en Cannes 70:
http://acento.com.do/2017/cultura/cine/8460902-in-the-fade-crudo-drama-social-aleman-alta-estetica/
Trailer:
https://www.youtube.com/watch?v=BKBqOE3WNu0
- El silencio de los fusiles (Natalia Orozco, Colombia, 2017) Co-producción con Alemania y Francia que describe un momento que marca para siempre la historia de Colombia. Un homenaje a 8 millones de víctimas de 50 años de guerra en Colombia entre las FARC y el Gobierno, como cierre del pacto de paz, es un trabajo solicitado en cantidad de países por el interés que genera el conflicto recién terminado confianza. La directora tuvo que ganarse la confianza del liderato de la guerrilla durante 12 viajes previos a filmar. El documental tomó cuatro años en total para ser realizado.
- Las 7 muertes, cinta de suspenso, es la cinta de apertura, (Gerardo Herrero, España, La playa de los ahogados, El corredor nocturno) para cuya selección como película de apertura, fue determinante su calidad y el haber sido rodada en parte en el país con cuatro talentos criollos David Maler, Frank Perozo, Francis Cruz y Celinés Toribio.
- Las novias de Abril (Michel Franco. México, 2016) ganadora en el Festival de Cannes con el Premio del Jurado de la sección Una Cierta Mirada y en la que la actriz española Emma Suárez tiene un rol de madre maldita que no será olvidado nunca. Franco demuestra con este drama de familia que corta la respiración, que no es un apadrinado emotivo de Cannes. Evidencia que tiene garra y profundidad para disponer de los elementos y dar con una película inolvidable. VEA NUESTRA CRONICA DESDE CANNES
- Últimos días en La Habana (Fernando Pérez, Cuba. 2016) Que sigue la linea crítica del cine cubano a su propio régimen, en este caso el tratamiento a sus enfermos de VIH. Un cine que llega afirmando la conocida marca de ese país para un cine vivo y vibrante.·
- Tamara (Elia Schneider, Venezuela, 2016), La historia es un canto a la libertad y un homenaje a la diversidad sexual, inspirada en la vida de Tamara Adrián, abogada transexual venezolana y reconocida activista por los derechos de las mujeres, de los colectivos sexuales GLTBI. El actor Luis Fernández, uno de los de mayor versatilidad de la escena y la pantalla de Venezuela y –América Latina, personifica a la legisladora.
- Documental (Director y protagonista, René Pérez Joglar. Puerto Rico, 2017). Una prueba de ADN para identificar sus raíces ancestrales llevó al rapero puertorriqueño Residente, ganador de 25 Premios Grammys de la música, a realizar un viaje de dos años por cuatro continentes en el que conectó con sus antecesores a través de la música, un recorrido narrado al milímetro en su más reciente propuesta: un documental cinematográfico. Este documental, que fue grabado durante dos años, lo lleva Siberia, el Cáucaso, China, África Occidental, España, Inglaterra y su natal Puerto Rico, dentro de una aventura global que sigue los pasos de sus antepasados. Esas proyecciones estarán colmadas por parte de los “fans” de Residentes. TRAILER
- Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen, España. 2017) Muy reconocida internacionalmente, es un triller policial intenso con soluciones argumentales sorprendentes. https://www.youtube.com/watch?v=oDi16FTe66s
- La reina de España (Fernando Trueba. España. 2016) que permite a Penélope Cruz, la gran actuación cómica de sus años recientes, en opinión de la crítica internacional reportada.
- La reina de España (Fernando Trueba. España. 2016) que permite a Penélope Cruz, la gran actuación cómica de sus años recientes, en opinión de la crítica internacional reportada.
- Últimos días en La Habana (Fernando Pérez, Cuba. 2016) Que sigue la linea crítica del cine cubano a su propio régimen, en este caso el tratamiento a sus enfermos de VIH. Un cine que llega afirmando la conocida marca de ese país para un cine vivo y vibrante.
- El otro Hermano (Israel Adrián Caetano, Argentina 2017) Lo que llega de este drama, habla de la ratificación de la marca fílmica argentina, bien asentada en el público cinéfilo dominicano, desde antes de Relatos Salvajes y El Clan. https://www.youtube.com/watch?v=84pomwF_0Sangre en la boca (Hernán Bretón, Argentina, 2016) Que cuenta con dos de los mejores actores dramáticos de Argentina: Leonardo Sbaraglia y Claudio Rissi. Es un drama boxístico/amoroso, que tiene como protagonista a Erika Blanc.
- Los 8-6 (Javier Mujica, 2016) y El Inca (Ignacio Castillo Contín), ambas prohibidas en su país durante momentos determinados por orden judicial, censura oficial totalmente criticable. Ambas parten de hechos reales: Los 8-6, filmado en el barrio San José de Cotiza, en el cual operaba una banda dirigida por dos hermanos que llegó a tomar el control de la capital de Venezuela
- El Inca se apoya en la historia de un popular boxeador.
Diana Kruger.In The Fade
Los señores y las mujeres hermosas del Jurado, junto a Zumaya Cordero, directora del Festival.
Concierto de Luiba María Hevia fue viaje por las Vidas Paralelas
Las 9:40. La noche es joven, sobre todo si se espera en paz una cita promisoria de luz y de poesía, de ritmo, de voces que llegan al alma y en el eje de todo, la figura de una mujer del Caribe que desde temprano definió que la comunicación de emociones, mediante la música, era su destino: Liuba María Hevia.
Entra y se instala el taburete. Tras de sí, una pantalla prometía un recorrido audiovisual quien sabe por cuales mundos. El murmullo que lo arropaba todo hasta hace un momento, cede el paso a un silencio respetuoso y de espera comprometida. Un silencio noble.
“No sé, pero siento que estoy en la Habana”, dice la artista como frase de entrada, sintiendo el afecto cómplice de quienes acudieron a la entrega de Vidas Paralelas (el disco de duetos que incluye destacadas voces de la balada), arreglos musicales. El concierto Vidas Paralelas, presentación del disco de Liuba María Hevia para Santo Domingo, no fue tal. Sentirlo como compendio de canciones en vivo por el cual se paga una entrada, sería reducirlo a lo aparente.
Fue un viaje que cruzaba por amores y tiempos, por poesía penetrante y voces que enriquecen el sentir del Caribe, tal cual era el deseo de la mujer cubana que, feliz, entregó un evento de dos horas y algo, que se antoja inolvidable…e impecable.
Fue un encuentro en el que talentos y notas revivieron obras y figuras, recuerdos y memorias del alma, con Sonia Silvestre en la punta de la lengua, homenajeando el infinito amor por el cual cantó a todos y a todo, la vocalista de Hato Mayor.
Tiempo de iniciar: Freddy Ginebra, el infaltable, ofreció con ese humor tan natural y tan propio, saludó a quienes llegaron a escucharla.
De Liuba, dijo que era un poema hecho mujer, que se nutre y en forma de homenaje nos presenta una maravillosa selección de temas transcendentales a lo largo de su carrera artística.
El duende mayor de Casa de Teatro, el mismo que fue anfitrión del primer concierto de Silvio Rodríguez y Noel Nicola en República Dominicana, dijo que la Hevia era además “un ángel que nació en la Habana”, nos une a todos los que baña el Mar Caribe. Y dicho esto, sale. No era necesario que permaneciera un segundo más en escenario.
Era el concierto para bautizar en tierra dominicana, un disco que se transforma en meta de vida, por lo complejo de grabar y la estatura artística de sus participantes.
El concierto
Los momentos del proceso estético, mejor forma de llamar a lo que aconteció, se inicia cuando la cantante y compositora, saluda y llama a Víctor Víctor ´para hacer a dúo un éxito que nunca deja de enternecer por ritmo y melancolía: Mesita de noche.
Con Carlos Luis, cubano y dominicano, canta «Pudo Ser… e Ilumíname-
Ella hace la introducción sobre su producción de tangos: Cambalache
«Mucha gratitud, es una bendición dedicarme a lo que amo”
Sigue con Amaranta Venezuela con quien canta “Mi abuelo”-
Relata que en el 2002 conoció a su hermano y trovador José Antonio Rodríguez, a quien llama para cantar Mi tierra, subiendo intensidad para lo que sigue: Habanamé y Luna del 64, que hace a dúo con un impresionante y generoso Carlos Valera, que vino desde Cuba sólo para hacer esas piezas.
Se toma un tiempo para hacer justicia a quienes sirven la plataforma de la música y presenta la orquesta:
Carolina Rodríguez, Chelista; Alejandro Falcón, Piano; Pedro Enrique, Guitarrista; Arnulfo Guerra, Bajo;
Feliz García, percusionista y las voces de Laura Sánchez y Alba Pérez.
Sigue la tierna canción infantil El despertar (infantil) a dúo con Varela, para pasar luego a cantar con Maridalia Hernández “Pasaba un ángel”. Explica que era un homenaje a Sonia, que representó un pacto de amor con esta isla hermana. Fue el gran homenaje a la Silvestre, con la proyección de imágenes de su vida y talento.
Llegando al final, entra Pavel Núñez, recortado con nueva imagen y hacen ambos Yo me desangro y Vidas paralelas con Pavel y antes de la salida falsa, deja sentir su versión de Te doy una canción, en homenaje a Silvio Rodríguez. Sale y los aplausos, como un ritual necesario, la hacen regresar. Al final “Si me falta tu sonrisa” con José Antonio Rodríguez.
Una pantalla en el fondo del escenario se proyectaban imágenes acordes con las canciones.
El concierto completo fue una especie de gratitud a la vida y al poder dedicarse a lo que se ama, a todas las personas y artistas que la han ayudado, enseñado o servido a mentores.
Repertorio
- Mesita de noche. Con Víctor Víctor.
- «Pudo ser”. Carlos Luis
- “Ilumíname” a dúo con Carlos Luis
- Sola Cambalache, de Enrique Santos Discépolo
- Amaranta, con el instrumento cuatro venezolano
- “Mi abuelo” a dúo con Amaranta
- “Mi tierra” a dúo con José Antonio Rodríguez
- “Habáname” con Carlos Valera
- “Luna del 64” con Carlos Valera
- “El despertar”, con Varela
- «Algo me está arrimando al cielo»
- “Pasaba un ángel”, dúo Maridalia.
- “Ausencia”, dúo Maridalia
- “Yo me desangro”, con Pavel
- “Vidas paralelas” con Pavel
- Sola “Te doy una canción”, homenaje a Silvio
- “Si me falta tu sonrisa” con José Antonio Rodríguez
Al final
Un público agradecido y una cantante que no cabía en si misma. El arte había hecho su trabajo y había dejado en firme, ese lazo invisible que se establece cuando las almas sincronizan sus tonos y ya puede pasar lo que sea. Lo que sea.
Gianni Paulino en uno de sus mejores montajes: Le Prenóm
El año teatral ha sido rico en presentaciones memorables y, en ese marco, El nombre (Le Preñom, Matthieu Delaporte y Alexandre de la Petelliere, 2010) se inscribe ya como uno de proyectos teatrales de mayor trascendencia de este año, al concretar una versión bastante cuidada en sus aspectos artísticos y técnicos y que, en ejercicio de buen juicio crítico, debe inscribirse en el listado de lo escénicamente más importante.
Esta comedia dramática francesa, y de la cual se hizo una película en 2010 que replicó el éxito que había alcanzado el trabajo montado en tablas, cuenta con un sarcástico, bien escrito y fino humor, que expone, ridiculizándoles, los pre-conceptos discriminatorios, y prejuicios develando la miseriosa concepción que se tiene en torno a una serie de temas de la cotidianidad, doble moral incluida.
Resalta en esta producción de Atrévete SRL (cuya primera función se hizo a beneficio de la Fundación Manos Arrugadas y la instalación de sistemas de seguridad de su hogar para personas de la Generación Consistente y de pocos recursos), el libreto, escrito con absoluta inteligencia, con agudísima visión crítica de una sociedad apoyara para sus juicios definitivos en lo efímero de la apariencia y en al facilismo de prejuicio vivido de la peor forma.
La obra es renombradísima en Europa y que arrasó con cantidad de premios tanto en París como entre los galardones de naciones vecinas. Gianni Paulino, (Atrévete SRL), que ya es adorablemente reincidente en su criterio para el montaje de obras de enorme trascendencia con buena selección de elencos, tal cual ocurrió con su aventura anterior (Tic, tac, toc, 2015).
Es una comedia escrita con inteligencia, que evita el itinerario de la sucesión continua de chistes, y administra tan adecuadamente su carga de humor e ironía. Evita ser fiesta que evita el chiste por el chiste. Es teatro de la inteligencia que se inscribe en la onda de la recientemente exhibida película Perfectos Desconocidos (Pablo Genovesse, 2015) .que tuvo una versión española dirigida por Alex de la Iglesia) y la obra teatral Amigas Desgraciadas (dirigida por Niurka Mota sobre libreto de Hugo Daniel Marcos): una reunión de amigos/familiares, en cuyo desarrollo afloran miserias sorpresivas y falencias afectivas innombrables, revelando la vida secreta que nadie osa mencionar por su nombre, parafrasenado a Oscar Wilde, en De Profundis, su obra epistolar más intensa.
Actuaciones
Richard Douglas (Pierre) que retornó a la escena local tras 14 años de ausencia y que evidencia su veteranía en el manejo de la voz y el desempeño gestual. Su personaje es rico en matices y con la responsabilidad de un co-protagónico en contrapunto. Sus textos y los apuntes de los autores y la orientación del director, le dan oportunidad de redescubrirlo. Es exquisito en escena. Actúa como pez en sus aguas
Elizabeth Chaín (Anna) que nos resulta una agradable revelación con notable desempeño (aun cuando se dejó atrapar por la risa en un instante). Alta y decidida, esta mujer tiene mucho que dar pare el teatro. Es muy buena, tiene consistencia escénica. La disfrutamos. Sabe ser intensa, domina en su voz los matices. Es la novata del grupo de talentos.
Pepe Sierra (Pierre), que ha ratificado su condición de una estrella escénica para teatro y cine en claro ascenso, esta vez en un rol de carácter, alejado de su papel de “tiguerazo”, parecido al personaje barrial que hizo en Puéto pa Mi (Iván Herrera 2016), en la que hizo un secundario que le robó todas las candilejas al resto del elenco de la producción de David Collado y Entrepeneur Films. Este papel “serio” lo revela como un profesional capaz de afrontar grandes desafíos. A la luz de su actuación ya debe dejar de ser considerado como “promesa” o “revelación”. Es un profesional en capacidad de dar lo que sus papeles le demanden.
Gianni Paulino, productora y actriz, que tiene menos tablas que sus colegas y que logra una actuación acertada mantiene el clima y porta la verdad más permanente de las expresadas a lo largo del trabajo. Es una parte crucial y emotiva, con parte de los principales mensajes de la pieza. Lo hace bien, se desempeña pero hubiéramos deseado tuviera un “in crescendo” escénico más sostenido.
José Roberto Díaz (Vincent) es la gran figura actoral. Se crece a nivel sobresaliente. Su personaje, que pauta el ritmo y el argumento al proponer el nombre para la criatura por llegar. Si un personaje será inolvidable en este montaje, ese es el de José Roberto.
Lo técnico
Resalta el buen gusto de la escenografía de un apartamento parisino, con vista a la Torre Eiffel y sus amenidades con nivel para ser creíble; el diseño de luces es crucial para resaltar momentos de la producción y el recurso de la “cámara lenta”, muy pocas veces usado, sale con naturalidad en coordinación con el uso de la voz en off para apuntar elementos narrativos que completan el marco de la historia.
El efecto especial cuando se produce una pelea (que implica rotura de muebles y sangrado) está tan bien logrado que alguna gente en el público creyó que fue un accidente real.
Completamente recomendable para quienes gustan de un teatro que se respete.
Ficha Técnica:
Dirección: Antonio Melenciano
Producción: Gianni Paulino / -Atrévete SRL
Autores: Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patelliere
Versión española: Fernando Masllorens y Federico Del Pino
Talentos: José Roberto Díaz, Gianni Paulino, Richard Douglas, Elizabeth Chaín, Pepe Sierra,
Escenografía: Darío Vélez
Estilismo: Melissa Valdez
Sinopsis:
Vincent, cuarentón y triunfador, va a ser padre por primera vez. Invitado a cenar a la casa de Élisabeth y Pierre, su hermana y su marido, se encuentra con Claude, un amigo de la infancia. Mientras Vincent espera a Anna, su joven esposa, los demás le hacen preguntas sobre su próxima paternidad. Pero cuando le preguntan si ya ha elegido un nombre para el niño, su respuesta sume a la familia en un caos.
Amigas Desgraciadas… de regreso la magia del teatro
El principal error de interpretación de un montaje como éste, es suponer que se trata de una comedia de carcajada continua y se la pasa uno…bien, se puede disfrutar como tal, pero no debe escapar su gran virtud: exponer la vida, alegría, fantasía, angustias y deseos de ser una mujer auténtica, sin trazos culturales que condicionan y sin las trabas que impiden disfrutar de cada día como una jornada de gozo pleno. Esa es su realidad última, que hay que saber ver, más allá de la carcajada y el aplauso. Esta pieza tiene hoy domingo a las 6:30 en Sala Ravelo, su última función de temporada. No se le ocurra dudar. Asista si puede.
Amigas Desgraciadas está distante de ser una pieza más que se apoyan en la relación de pareja, para vender boletas, congraciarse con la crítica y tener un título interpretativo más en el curriculum de cada una de sus cinco intérpretes. Verlo así es simplista.
Se trata de la magia del teatro, esa maque sólo surge cuando se encuentran el conjunto de condiciones imprescindibles para la trascendencia: el texto de un dramaturgo que, siendo hombre, escribe con garras afiladas desde la subjetividad femenina, un público infinitamente agradecido de la experiencia, una exhibición de estilos interpretativos que pocas veces suben juntos a escena, una química inter-talentos producto de la buena onda, la amistad y el influjo de una directora a la cual, un éxito artístico y de público tal cual ha tenido, le resultaba más vital y reconfortante que el agua a tiempo para el caminador sediento en las dunas del desierto.
A Amigas Desgraciadas, concluida con una de las expresiones masivas del público más hermosas que hemos visto, sólo le faltó respaldo empresarial que le diera sustento material a un montaje costoso y digno, Hay que saber vender el teatro, tal cual logró el montaje de Pareja Abierta, que consideramos uno de los mejores modelos de mercadeo artístico de este tiempo.
El autor
Sin un excelente concepto escrito, no hay posibilidad de teatro digno. Hugo Daniel Marcos es un dramaturgo, actor, director argentino, residente en Beer Sheva, Israel, desde diciembre del 99, y creador del primer grupo profesional de teatro de habla hispana en Israel y luego funda otro en otro en Arad, que tiene la creatividad ácida de los creadores capaces de reflejar en sus textos, la vida en sus detalles, superando lo superficial y sacando el mejor provecho para el escenario, empleando la risa como atractivo, para insistir en conceptos de vida, en la validez de los sentimientos, en la autenticidad de las actitudes y lograr todo eso en el marco del humor…he ahí la magia del teatro.
Las actuaciones
Amigas desgraciadas es la expresión coral de cinco protagonistas, un derroche de buenas y excelentes actuaciones de cinco actrices de generaciones sino distintas, diferenciadas un poco por escuelas, trayectorias y el tiempo en escenarios.
Lidia Ariza, la más veterana, hace de hilo conductor interpretativo de la singular reunión semanal de otras cuatro de sus amigas. Convincente, puntillosa y efectiva, marca el ritmo picado de diálogos e interjecciones, que alcanzan sus más altos niveles de eficacia histriónica. Una maestra que deja sentir su impronta. Gracia y un ejercicio extendido que es ya historia.
Patricia Muñoz, en un papel que parece haber sido escrito para ella, es centro de las acciones más hilarantes. Dominante de la escena, sabe emplear todo: expresión facial, voz, traslados y se sabe claramente en dominio de su importancia para que el engranaje opere a perfección. Muñoz tiene una gracia natural, afortunadamente instruida con acierto con talleres y práctica. Su enorme ventaja es una imagen de señora provocativa a la risa con su sola mirada. No le sobra una sola libra de peso. Tiene la elegancia y la gracia justas.Vale lo que pesa.
Giamilka Román, increíblemente entregada, diestra en sus habilidades, lleva consigo esos dones que el público agradece: entrega y profesionalidad a su rol de pivote de humor, con una historia personal particular y, sin embargo, similar a la de sus compañeras. Adicionalmente fue la creadora de la escenografía, dotando de un ambiente amigable, cómodo y funcional para las acciones. Se sabe, desde que se le ve, que estamos en presencia de una figura de peso, pese a lo esbelto y cuidado de su figura.
Pamela de León, uno de los aciertos interpretativos y origen de la primera de las incidencias que dan un giro dramático al curso, tiene menos trayectoria, pero que nadie se equivoque: tiene empuje y fuerza. Se sabe responsable del giro argumental y lo sostiene en crecimiento.
María Angélica es una que ha sabido hacer diferencia entre su labor como comunicadora y sus responsabilidades como actriz, pese a una carrera escénica menos nutrida, sabe ponerse a la altura de las “todas estrellas” que son sus compañeras.
En esta obra se produce con natur
alidad el Síndrome de la Risa Coincidente: hay situaciones tan hilarantes que hasta las propias ejecutantes tienden a reír, pero como el mandato del texto las dispone riendo, no se nota la diferencia. Se ríen de la situación, pero lo hacen sin dejar sus personajes, en ese instante riendo de buena gana.
La directora
Niurka Mota recoge con este montaje, el éxito que merece. Pasa de las tablas al exigente asiento de la directora, que con un elenco de este nivel y sobre un libreto inteligente y sensible de Hugo Daniel Marcos, tiene la recompensa que merece. Eleva su cualificación artística y siente una profunda y sublime satisfacción al sentir una sala colmada de gente, aplaudiendo al delirio del acto artístico bien logrado.
Amigas desgraciadas debe ser evaluada en todo su valor, ese especial status que reivindica el quehacer teatral como expresión de una magia que deja más que la explosión de la risa y la resonancia de la carcajada.
¿Dónde estuvo el fallo de El peor comediante del mundo?
El peor comediante del mundo es un proyecto que merece atención especial por las experiencias que deja, aportes y deficiencias que, de ninguna forma, debe ser ni ensalzados, ni estigmatizados. Todo cuanto deja este proyecto es eso: experiencias que ayudan a mejorar la marcha del camino.
La película no ha tenido pegada en el público sobre todo por la falta de una campaña promocional y en parte por responsabilidad del producto en si mismo: no gustó al público, moldeado en materia de comedia a otro patrón fílmico. Hay una parte del falló que es responsabilidad directa de la inconsistencia del guión.
No es la primera vez, ni habrá de ser la última ocasión en que se expone en una película el tema de la soledad, desamparo, o mal manejo de una estrella del escenario abandonada a su suerte, degradada en su fama, hundida en los vicios ordinarios. Cantidad de filmes han trazado por esos caminos, con variada suerte e impacto. En este caso, el tema falló. Una pena que no haya contado con el respaldo necesario, del gran empresariado, primero, y del público, después.
Y para ratificarlo, todavía está fresco el recuerdo de la película El Artista, cinta en blanco y negro , producción de Francia y Bélgica que resultó la gran ganadora de los Premios Oscar 2012, al llevarse las estatuillas correspondientes a Mejor actor, mejor película y mejor director.
Miguel Alcántara, actor, productor y guionista, y a quien le hemos reconocido más de una vez su talento, decidió emprender un proyecto fílmico a su estilo, para lograr el protagónico que hasta ahora la industria le había negado. Finalmente se evidenció que Phillip Rodríguez, funcionaba mejor para el papel y no tuvo vacilación alguna en dejarle el lucimiento del rol principal.
Tras un inicio que resulta prometedor y un Phillip Rodríguez que se entrega a un formidable esfuerzo por dar credibilidad a su personaje, empeño ante el que se debe reconocer que mantiene una línea histriónica adecuada, aun cuando en algunos momentos se deja sentir la influencia del facilismo televisivo.
Miguel Alcántara se recrea en el personaje de sustento argumental más importante, y logra el propósito declarado de pasar al primer plano de la cámara el mayor tiempo posible, alejándose de los papeles secundario que apoya, solícito el protagonista, haciendo de su agente.
Luis Corporán, el director, muestra habilidad, buena fotografía, notable desempeño en los efectos especiales, pero no debió dejarse atrapar por la visión tubular muy teatral, que marca la mayor parte de las escenas, aun cuando el guión proviniera de una obra teatral de Alcántara. Corporán debe tener nuevas oportunidades, sobre mejores conceptos.
El hecho de que el 80 por ciento sean en una sola locación y con dos personajes (Rodríguez y Alcántara), no quiere decir nada en si mismo. Tienes partes interesantes pero es deficiente en otras. El buen trato fílmico de una situación planteada, no es mejor o peor porque sea en una sola locación.
Hay experiencias notables que citar con notable economía de locaciones: el ambiente deliciosamente clautrobofóbico de Perfectos Desconocidos (Italia, dirigida por Paolo Genovese, 2016), cinta dramática con toques de humor, que se convoca a n cuatro parejas invitadas a una cena de amigos y que se desarrolla, básicamente en una mesa, ó En la Cama ( Matías Bize, Chile, 2005), que se desarrolla en un cuarto de hotel, o la venidera en 2018 El Closet,(Miguel Vásquez), que de rodó en una sola locación (un closet, con una actuación intensa y extendida de un solo actor (Anthony Álvarez). En los tres casos, la diferencia la hacen el guión y el tratamiento de la dirección.
En el guión de Alcántara algo falla. Falta algún ingrediente y sobran otros. Lo peor es el chiste en el cual Alcántara quiere rehuir, dentro del carro, de una mujer negra, gorda y “fea” (de acuerdo con los cánones discriminatorios y racistas de la sociedad tradicional). Grave error de concepto que no debió darse el chance de llegar a pantallas. Esta escena echa por tierra todo. En otros países había sido acusada la producción de racista.
No se puede hacer cine para forzar los procesos. Se deben tener las condiciones mínimas para competir en igualdad. La ausencia del mercadeo fue un factor que selló el resultado.
La ley Nacional de Cine, la 108-10, benefició solo la post-producción de El peor comediante del mundo. ¿Cuál fue la prisa? ¿Por qué no se sometió su producción completa a la lesgislación? ¿Por qué cargar con esos gastos, si existe un marco jurídico que puede protegerla?
Finalmente, como parte de la experiencia que deja El peor Comediante del mundo, hay que tener claro que el cine es industria y que la publicidad debe estar garantizada como parte del proyecto.
Desearíamos que el equipo vuelva sobre un mejor concepto y en mejores condiciones para impactar en las pantallas. Tienen consistencia y condiciones para ello.
Sinopsis
A veces la comedia de la vida se convierte en un tormentoso drama, AURELIO es un comediante que está pagando con creces el precio de la fama. Su indisciplina y la manera de manejar su carrera han fomentado su exclusión de los escenarios. Ahora, encerrado en su casa todo el día y sin nada que hacer, vive el peor momento de su vida recordando sus pasadas glorias. Martha, su mujer, lo ha abandonado, al igual que todos los que le rodeaban en la bonanza. Sumido en la depresión ha intentado suicidarse sin éxito alguno.
FICHA TECNICA:
Director: Luís Corporán
Dir. De Fotografía: Miguel Ángel Magallanes
Guión: Miguel Alcántara
Productores Ejecutivos:Phillip Rodríguez y Miguel Alcántara
Productores de Línea: Luisito Lora y Kamal García
Dir. De Arte: Joseph Morel Reyes
Vestuario: Cesarina Nivar
Música: HDP Music
Edición: Luís Corporán
Maquillaje: Génesis Concepción
Sonido: Víctor López y Ronald Rouch
Casas Productoras: La Brújula Films, Caballo de Troya, Imakonos.
Actores: Phillip Rodríguez, Miguel Alcántara, Alina Vargas, Ovandy Camilo.
Actores Invitados: Juan Carlos Pichardo, Fausto Mata, Lumy Lizardo, Richard Douglas, Tony Pascual, Antinea Suarez, Geovanny Jeréz, Raúl Grisanty, Fernando Pucheu, Jhon Frías, Fidia Peralta, Rafael Alduey, Oscar Carrasquillo, Rashell Santos, Gerald Ogando, Iván Camilo, Ana María Arias, José Pintor, José Montoro, Jacqueline Estrella, Luís Cruciel, Héctor Sierra, Karla Hatton, Dilenny Segura, Karina Pérez, Yerlyn de la Cruz, Greimy Menéndez, Chucky Núñez.
En Pareja Abierta, Raeldo y Georgina, logran química y respeto al buen teatro
Pareja Abierta es uno de los tantos brillantes libretos que le generaron a Dario Fo el Premio Nobel de Literatura en 1997, es , como muchos otros trabajos, producto de experiencias personales.
Este surgipocuando impera la monotonía conyugal y la pareja decide romper con viejos moldes culturales y lo que llega es un desastre peor que lo dispuesto por la tradición para la pareja.
Pareja Abierta es trascendente por su concepto generado por la aguda y radical creatividad intelectual de Darío Fó, Premio Nobel de Literatura 1997, y que en el caso de Pareja Abierta, recoge experiencias que tuvieron el y la dramaturga, directora y actriz Franca Rame, como tal y que les generó el mismo problema que se deja sentir en la trama expuesta con humor y sarcasmo.
Rame fue secuestrada el 9 de marzo de 1973, por un grupo de cinco delincuentes que la violó durante cuatro horas en una furgoneta cerrada, hecho al que finalmente sobrevivió y a partir del cual escribió Le Stupro (La Violación) dos años más tarde.
Esta comedia dramática, con más malas palabras de las necesarias, trasciende por sus actuaciones de Raeldo López y Georgina Duluc, que dejan sentir que ciertamente se prepararon para la intensidad histriónica que demandaban las acciones apuntadas en el libreto.
En
Pareja Abierta, el espectador se encuentra ante una propuesta teatral muy valiosa y que debe ser vista y disfrutada en el resto de sus funciones en Bellas Artes.
Raeldo evidencia sus garras para adueñarse de su personaje y lo hace con seriedad, Georgina muestra su entrega y profesionalidad, a pesar de no ser una artista escénica de carrera.
La conexión que logran con la gente es total. En algunos momentos, ella no se entiende bien pero deberá superar esa falla con las bondades que aportan las siguientes presentaciones. La primera función, nunca deja de ser un ensayo general.
Raeldo debe evitar que se note tanto el sudor en su chacabana. Un cambio de pieza de vestir, con un color más discreto y disimulador, no estaría nada mal.
Georgina, a pesar de no ser talento académico, logra en el inicio de la pieza, un interesante y creíble desdoblamiento como la esposa aburrida, sufrida, simplista y casi al borde del suicidio. Luego en su proceso de actuación, será más una mujer parecida a lo que ella tiene como ideal imaginario de mujer activa y dispuesta a todo.
El trabajo vale mucho por el desempeño de su joven y capaz director, de una de las escenografías más revolucionarias que ha producido Fidel López (al exponer seis locaciones ambientes en un multiplano, con diseño simplista y especialmente efectivo).
Su curriculum relata la trayectoria de un joven aplicado al estudio y desarrollado creativamente. Es un nombre en la dirección teatral a ser tomado en cuenta.
El El montaje divierte. Y lo hace a granel. La conexión brillante entre artistas y público (éste tomado como una especie de terapeuta colectivo), tiene instantes inolvidables.
Pero lo trascendente es su mensaje, que esperamos prenda en la conciencia de quienes se reirán de buena gana. Suma de factores positivos, y pese a fallas menores, recomendable totalmente.
Liuba María Hevia, inició con Sonia su relación y su amor con el país
Liuba María Hevia, cantautora cubana y embajadora de Buena Voluntad de UNICEF, quien viene a ofrecer un concierto el 2 de septiembre próximo en Escenario 360, sostiene que su relación con el país fue responsabilidad del talento interpretativo de Sonia Silvestre.
La artista cubana, una de las voces femeninas más bellas de América Latina, sustentada en tiernos textos poéticos que compone, cantara los temas de su disco más reciente Vidas Paralelas, acompañada en algunas piezas por Carlos Varela, Pepe Hevia y Carlos Luis, Pavel Núñez, Víctor Víctor y José Antonio Rodríguez.
Vidas paralelas es una compilación de 68 canciones en el que la autora comparte a dúo con excelentes músicos cubanos y caribeños temas de su autoría y de varios de sus colegas.
La artista nos concedió una entrevista en la que narra desde sus inicios en la canción, cuando era niña, hasta su evaluación de la Nueva Trova y como ella no se siente encasillada en ningún movimiento musical, aun cuando los disfruta e interpreta a todos.
Esta fue la entrevista con Liuba María Hevia:
P- ¿Cómo se inclina por la canción como arte de vida y cuál es el origen de Liuba María Hevia y compositora?
LIUBA MARIA HEVIA. Desde la infancia manifesté una inclinación, casi delirante, por la música. Mi infancia estuvo siempre acompañada de música; hablo de la más variada de estilos y ritmos. Primero fue la música popular cubana, tan rica y colorida, también la Trova en toda su dimensión, tanto la tradicional y la nueva, la latinoamericana, en la cual resaltaba a mis ojos, el tango que formaba parte de las películas argentinas, que casi siempre estaban llenas de música. Comencé cantando en casi todos los juegos, en el coro de la escuela. A los 8 años ponía algunos acordes en la guitarra y participaba en todos los eventos culturales. Ese fue mi mejor juego. Mi madre me regaló un camino para disfrutar siempre de la música, en la casa y fuera, en un espectáculo, me llevaba al Teatro «Guiñol» (que, con títeres, representaba obras clásicas dirigidas a los niños) y viajé en un mundo de títeres y marionetas. Asistí a conciertos de artistas muy disímiles. Mi madre fue mi puerta a la música, a la felicidad verdadera. Ella era una mujer guajira, sensible y melómana a ultranza, cualquier pregunta podía respondértela con un estribillo popular o con la frase más aguda de algún trovador popular.
P- Como compositora, nos llama la atención el cuidado de los textos de amor… cómo se ha logrado eso?
LMH- Nací en diciembre del 1964, y justamente a mediados de esta década, justo cuando iniciaba la el movimiento de la nueva trova por lo que crecí llena de poesía, Silvio y Pablo fueron fundamentales. Ellos encabezaron un movimiento de jóvenes músicos, poetas, que llenaron de luces mi infancia y adolescencia. Históricamente la Trova Cubana siempre tuvo un alcance popular de intensidad marcada, también aquella trova joven se acercaba a lo mejor de la poesía, como los que los antecedieron, creaba textos de alabado lirismo, musicalizaban poetas imprescindibles como Martí, Guillén y otros grandes de nuestro continente.
Fueron años luminosos para la creación en Hispanoamérica, Serrat, por ejemplo, era uno más en casa, y con él vinieron León Felipe, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti y tantos otros grandes poetas. Era tanta aquella atmósfera de música y poesía que, a los 11 años, me vi entonando en la escuela algunas palabras que querían revelarme algo, eran, aunque seguramente muy elementales, las primeras señales que insinuaban un nuevo camino, el de la creación. En la escuela cantaba estas cosas, muchas veces ni decía su origen, por vergüenza, extrañeza, miedo a la canción misma, luego se fue haciendo natural andar con mi canción a cuesta. Segura estoy de que sin un Silvio, un Pablo y un Serrat, mi carrera y mi vida pertenecieran a otra dimensión.
P ¿Se considera ahora, tras el tiempo pasado, como una figura de Nueva Trova Cubana, o una compositora e intérprete del amor universal? ¿No le limita ser parte de un movimiento musical?
LMH- Nunca me he clasificado. Eso prefiero dejarlo a los críticos, estudiosos de tendencias, movimientos, estilos. Me honra haber sido heredera de tanta maravilla. Se me ha catalogado de tantos modos «novísima trova» «trova contemporánea», pienso que todos los calificativos me honran y todos de algún modo componen un poco mi esencia, que nace de la gratitud a mis grandes maestros.
P- Por qué el interés en cantar a la niñez? ¿Tienen los niños sensibilidad para entenderla?
LMH- El trabajo para los niños es una especialidad muy particular, con ellos se transita por un lugar de absoluta honestidad, es un riesgo que me seduce, que me divierte a mares, que me descontamina y renueva siempre.
Son almas llenas de sueños, descubrimientos, preguntas, pudieras ser el mejor cantante del planeta, el gran actor, el genio de la lámpara, pero si el niño no se siente reflejado en tu trabajo, no vuelve a la próxima función. Ellos lo saben todo, saben cuándo se les minimaliza con exageradas retóricas, diminutivos y banalidades, por ello creo que no hay que «bajar» para que te entiendan, más bien, hay que «subir» para nosotros entenderlos y ser mejores personas. Creo que todo el sacrificio es poco si el destinatario es un niño o niña que representan lo mejor de nosotros.
P ¿Qué impacto siente que ha tenido en los diversos países en que ha actuado, con ejemplo articular de Angola y RD?
LMH- La música tiene un modo misterioso de calar, transportando sensaciones y perspectivas de culturas, idiomas, volando por encima de las barreras geográficas. Me han privilegiado vivencias estremecedoras en lugares muy disímiles, como Angola, Suiza o Etiopía. Pero hay algo importante a tomar en cuenta, no basta la instrucción cultural para alzar el vuelo, desde luego, un pueblo con una base cultural es más sensible a la percepción artística que un pueblo mudo en historia y raíz, pero la sensibilidad es un misterio, hay quienes necesitan un avión para volar, otros con una melodía han visto el espacio.
P- Cómo ha sido la relación de cómo ha sido su vinculación con RD?
Mi primera relación con República Dominicana tiene el nombre de una mujer, un ángel que enamoró a toda Cuba, cuando nos visitó en los años 70. Alguien que, con los años, se convirtió en una hermana mayor, imagina, es que antes de conocerme, me privilegió poniendo su voz en «Ausencia», una de mis canciones, para mí ella es la que desató el misterio de este amor por la República Dominicana, quién sino: Sonia Silvestre.
Mi primera visita fue en el año 2002, desde entonces sucedieron regresos cada dos o tres años, casi siempre a la emblemática «Casa de Teatro», también al teatro Nacional, la Feria del Libro, conciertos en el Centro León de Santiago de los Caballeros. Muchas de estas experiencias, se realizaron gracias a mi hermano, el trovador dominicano José Antonio Rodríguez, a él siempre agradezco esta devoción por la República Dominicana, que es mi segunda patria, un sitio donde la palabra amor, familia, han sabido darle un sentido muy especial a mi vida, a veces no sé dónde estoy, si en Santo Domingo o en La Habana. Es que el Caribe es una misma casa.
Empleadores violan la ley al hacer pruebas ilegales de VIH
El Consejo Nacional para el VIH y el SIDA denunció que muchos empleadores aprovechan los exámenes clínicos de sus aspirantes a trabajar para obtener ilegalmente información sobre si tienen el virus del VIH y negarles oportunidad de laborar si resultan positivos.
El doctor Víctor Terrero dijo que esa práctica fue investigada por ese organismo en base a denuncias de afectados por esta práctica, de la que dijo viola la Ley 135-11. La denuncia está en el portal de CONAVHISIDA
Terrero sostuvo que claramente se ha demostrado que hay decenas de dominicanos a los cuales se les ha negado un puesto de trabajo tan solo por vivir con el virus del VIH.
“Los empleadores deben detener esa práctica discriminatoria, so pena de enfrentar las penas que la ley establece para estos casos” dijo Terrero.
“Esa práctica es violatoria de la Ley 135-11, que en sus artículos 86 y 87 la prohíbe expresamente, y es una de las peores formas de discriminación que persisten en el país”, sostuvo.
Dr. Víctor Terrero, director de CONAVIHSIDA: “Empleadores violan la ley 131.11, sobre exámenes ilegales de VIH a aspirantes a trabajo”.
Consideró que antes de poner en movimiento la acción pública, los patronos responsables de la misma deben detener ya mismo de esa práctica.
“Una actitud de discrimen como esa, no le le ocurre a ningún departamento de Recursos Humanos. La responsabilidad está en la gerencia y hacia ella nos enfocaremos con todos los recursos que ley pone a disposición.
El funcionario reveló que el 11.6 por ciento de las personas que se hicieron pruebas de VIH en 2015 fue para obtener o permanecer en un empleo, como lo indica un Estudio de Opinión Pública sobre Estigma y Discriminación realizado por el ONUSIDA.
Recordó que todos los ciudadanos tienen derecho a acceder a las fuentes de trabajo, sin importar su condición.
Terrero intervino en el conversatorio sobre el estado epidemiológico y de respuesta nacional al VIH y Sida, efectuado en el marco del proceso de actualización del Plan Estratégico Nacional (PEN) 2015-2018.
Retos 2018
El director del CONAVIHSIDA aseguró que la Republica Dominicana tiene entre sus retos del año 2018 reducir de 6 a 2 % el nivel de transmisión materno infantil del VIH.
“Tenemos que continuar desarrollando esfuerzos para disminuir las infecciones en niños nacidos de madres seropositivos”, precisó.
Otros retos son ampliar los programas de prevención, enfatizando las poblaciones de hombres que tienen sexo con hombre, trans, trabajadoras sexuales, migrantes, residentes en bateyes; vincular al 80 por ciento de las personas con VIH a los servicios de salud; y que el 85 por ciento de las personas con esa condición tenga carga viral indetectable.
También lograr la aprobación del proyecto de ley sobre educación en salud sexual y reproductiva que reposa en la Cámara de Diputados, y la aprobación de la Ley de Igualdad y no Discriminación, actualmente en manos de la Consultoría Jurídica de la Presidencia.
René Fortunato se inicia en la ficción con Patricia, regreso de un sueño
René Fortunato, parte ineludible del desarrollo del cine moderno de la República Dominicana, ha salido del ámbito documental en el cual ha establecido referencias históricas en el más estricto sentido de las palabras, se ha embarcado por vez primera en un proyecto de ficción y lo hace aceptando el desafío de los estándares técnicos y artísticos más elevados posibles.,
En una presentación para los medios de prensa, Fortunato mostró, un panorama detallado de cuanto ofrecerá finalmente Patricia, regreso del sueño, que incluyó la intervención de los dos protagonistas Sthepany Liriano y Amauris Pérez, tres videos clips y un avance extendido que dejaron claridad de una fotografía impecable, la edición precisa y disfrutar de las corrientes musicales, sinfónica, urbana y bachatera que sustentan el proyecto.
Los dos protagonistas de la historia consideraron que los patrones de dirección cinematográfica de Fortunato están ubicados en una calidad de excepción y que los condujo por un intenso camino de caracterización. Para ambos, ser dirigidos por Fortunato fue una experiencia profesional que les ha marcado.
La cinta tiene preciosistas locaciones rurales y urbanas que refuerzan una clara marca país y los personajes accesorios se notan con un rico sabor dominicano, presentados con notable dignidad y elegancia, apoyados por una la dirección de arte cuidada. Se nota que no ha calculado los gastos que suponen una producción que se pretende lograr en sus expresiones más altas.
En lo que se pudo ver de Patricia, regreso de un sueño, es obvio que René Fortunato ha desarrollado con sumo cuidado el proyecto de su primera película de ficción, Patricia, el regreso del sueño, tras haberse establecido como el primer documentalista de la historia reciente.
Vista panorámica del encentro con la prensa y el elenco de Patricia, regreso de un sueño. JOSE RAFAEL SOSA. FOTO PANORAMICA
Patricia, regreso de un sueño, aportándole unos valores de producción que la establecen como una cinta realizada con elevados estándares. La película se estrena el jueves 28 de septiembre en los cines. La cinta es una producción de Ave Fénix Films.
Explicó que la música es responsabilidad, en el plano del ritmo urbano, de El Poeta Callejero, en música popular, de Ramón Orlando y Félix de Oleo, sobre letras de René Fortunato Con estos completan tres los videoclips de temas originales que lanza esta película, el anterior fue “El Sueño”, interpretado por el maestro Ramón Orlando.
Patricia, regreso de un sueño, se estrena el sábado 23 de septiembre en el 41 Festival Internacional de Cine de Montreal, en esa ciudad canadiense, que la aceptó como selección oficial, tras ser vista por el jurado de admisión en ese, uno de los eventos cinematográficos más prestigiosos del mundo.
La música sinfónica fue interpretada por la Gran Camerata de Washington Heights, compuesta por intérpretes de cuerdas, vientos y metales, de diversas nacionalidades y grabada en un famoso estudio de grabación de New York. y en la parte sinfónica se cuenta con el aporte del joven maestro Misael Mañón (Premio Nacional de Música) y orquestación del maestro Caonex Peguero.
ElencoLos papeles principales los interpretan Amauris Pérez y Stephany Liriano, complementados por s Mario Núñez, Miguel Ángel Martínez, Geisha Montes de Oca, Gabi Desangles, Johnnié Mercedes, Augusto Feria, Alfonsina Bencosme, Miguel Pérez Santana, Raymundo Ortiz y Víctor Pinales.
Angela Carrasco "Me he operado todo, menos la voz y el pelo"
PUERTO PLATA. Angela Carrasco sorprendió a mucha gente por su energía y su gracia en escena, Algunos pensaban que por el tiempo que tiene de carrera, vernían una artista de movimientos lentos, de voz apagada, haciendo un esfuerzo para procurar aplaudos solo por ser dominicana. Pero no fue así.
Ella fue mucho más que una cantante popular de 35 años de trayectoria (sobre todo en el exterior), que regresaba a su Patria. Fue “mujer-show”: sagaz, aguda y humorística en sus parlamentos, se burló, con gracia, de sí misma (“Lo único que no me he operado es la voz y el pelo”, “Muchas mujeres que se me han acercado a decirme que cantaron conmigo, me he preguntado quienes son…. están tan cambiadas!, Todas nos hemos planchado”.
Ángela fue pura energía en escena, tal y como lo habíamos previsto, tras haberla visto el pasado año cerrando la Feria del Libro en Lawrence, Boston.
El anfiteatro La Puntilla, de cual tanta gente olvida que su nombre real es Juan Lockward, el más prolijo y romantico de sus cantautores de boleros, y construido a un costo sobre los 230 millones de pesos, debe haber convencido a todos aquellos que no le veían su importancia de esa instalación para el auge de un turismo de variedades, tras el concierto histórico de dos figuras del arte popular en su más alta gama: Ángela Carrasco y Diego El Cigala.
Ángela Carrasco, abrió las acciones, tras una espera muy larga, de hora y 20 minutos, sencillamente sorprendió más allá de la fuerza dramática, poética, rítmica (Boca Rosa) y romántica (Necesito de alguien como tú, Cariño mío, Lo quiero a morir, o Quererte a tí) de sus canciones, o las proclamas de mujer empoderada de temas como Ahora o Nunca (o que te quedas o te vas) o la pieza lírica musicalizada titulada Pregúntale a la noche. Ningún éxito reciente. Todo de un repertorio histórico, valido, emotivo y valiente.
Se evidenció que tenían claras metas el Ministerio de Turismo y la alcaldía de Puerto Plata para apoyar la construcción de esta infraestructura, que hay que cuidar y evitar defectos y deficiencias que de ninguna forma pueden volver a repetirse.
Cuando terminó, la lluvia, que había estado amenazando con breves ires y venires a lo largo de su presentación, arreció y empapó de verdad, la artista, que salió a quitarse lo más rápido posible un vestido que resultó inadecuado y sobre-abundante para un escenario azotado por el viento, regresó a escena, ahora trajeada bellamente en seda roja, para bailar y cantar Caribe con los Taimáscaros (los personajes del carnaval de Puerto Plata) hasta ensoparse con el agua que ya caía a chorros, -fue un gesto de animación extraordinario para mantener la expectativa frente a El Cigala, que esperaba su entrada.
El Cigala
Diego El Cigala, que debió detener su presentación tras las dos primeras interpretaciones (Moreno soy – salsa- y Si tu supieras), por la lluvia y un tanto molesto porque el audio de su micrófono no estaba en el nivel que pedía insistentemente a los técnicos. Estaba empapado y prometió regresar. Y lo hizo, porque escampó 13 minutos más tarde, ahora sentado más adentro para prevenir mojarse si volvía a llover. El público sacaba los paraguas a mano, y una buena parte de la gente, sencillamente desafío el agua y se mojó más de una vez durante la presentación del cantaor madrileño, que se ha especializado en la fusión del flamenco con el bolero, el pop, la salsa y otros ritmos latinos.
Su estilo vocal, absolutamente único, definitivamente aguardentoso, (se tomó seis vasos de alguna bebida y salió brevemente – dejando a la magnífica orquesta en el centro de atención- tres veces al baño), carraspea las palabras, da unos giros agudos que sólo él pude dibujar en escena. Fue espectacular.
Fallos a evitar
Hubo fallos en el control de visitante para la entrada y la disponibilidad de baños para el público.
No es posible que la organización no contara con un sistema ágil para procesar la entrada de los concurrentes, con una clara rotulación para hacer las filas, de acuerdo al tipo de boleta y que personas que compraron boletas premium (10.000 cada una) asistieran con su familia y debieron quedarse sin asientos durante un buen rato (como ocurrió con uno de los ejecutivos del económicamente influyente Grupo M, que adquirió 70 mil pesos en boletas y tuvo dificultades para ubicarse).
Las zonas para acoger a los visitantes “Guest” – los de boletas más caras- los VIP, y las demás deben estar claramente delimitadas e incluso marcadas por una numeración de asientos que garantice a cada quien el lugar que ha pagado. La zona VIP, cuando uno entraba, se encontraba “Allá arriba al final”, una ubicación poco específica y sin que nadie llevara al visitante hasta el lugar preciso
Finalmente, los baños del anfiteatro no estaban en uso para el público VIP y de otras zonas Había algunos baños móviles sin la iluminación adecuada.
Si el anfiteatro se desea transformar efectivamente cn un factor para diversificar la oferta de un destino como Puerto Plata, hay detalles de operatividad que deben ser observados con sentido profesional.
Repertorio Ángela Carrasco
- Dominicana soy
- No me puedo quejar (Camilo Cesto)
- Lo quiero a morir
- Amigo mío
- Boca Rosa
- Quererte a ti
- Necesito de alguien como tú
- Ahora o nunca, o que quedas o te vas!
- Cariño mío
- Pregúntale a la noche
- Tu eres mi hombre
- La 40 (Dúo con Diego El Cigala)
Repertorio Diego El Cigala
- Moreno soy
- Si tú supieras
- Porque no ha de ser verdad
- Inolvidable
- La Mulata
- Corazón Loco
- Hacha y Machete
- Lágrimas Negras
- Indestructible
- Cóncavo y Convexo
- Dos Gardenias para ti
- La 40 (Dúo con Ángela Carrasco)
Alegría, sarcasmo, poesía y algunas lágrimas, recordaron a Armando Almánzar
El homenaje póstumo, anoche en Fine Art´s de Novo Centro, al más radical, documentad y auténtico de nuestros críticos de cine, (solo comparable sólo a Arturo Rodríguez, aun cuando son estilos claramente diferenciados) fue un ceremonial penetrante y poético a un maestro que seguirá viviendo por medio de su obra escritural, en cine haciendo justicia o vengándose de lo que la pantalla proyecta o como narrador breve con sus cuentos (el género que mejor dominó siempre) o en la literatura de largo esfuerzo que aportó novelas que en lo adelante es cuando se les valorará realmente en su valor como ficción trascendente. Este es su blog.
Organizado por el colectivo Cinemaforum, autorizado por la familia y respaldado por la logística de instituciones que, como la Asociación de Industrias, la Dirección General de Cine y otras se unieron al reconocimiento, el acto fue hermoso y con intervenciones precisas, las necesarias y que se inició a las 7:30 en punto con la exactitud que tenía Armando Almánzar.
La presentación del acto estuvo a cargo de Marc Mejía y Hugo Pagan Soto, de Cinemaforum, que agradecieron la confianza de la familia del escritor y presentaron a Vera Lucía Crespo, nieta, en una intervención que vio quebrada su voz al describir como era el abuelo.
Se continuó con un audiovisual de Luis Martín Gómez, (en base a las entrevistas que le hizo para su programa cultural La Yola Yelow), con un tremendamente bien manejado sentido sarcástico del humor -parte de una química que ambos construyeron durante años de relación-, sobre todo en la introducción en pantalla.
Siguió Alberto Perdomo, el amigo de más años en conocerlo y quien describió como se inició de crítico de cine, y como era cuando la calle El Conde, era el centro cultural de la ciudad y como inició la crítica de arte profesional en la República Dominicana. Perdomo terminó con una frase que hizo llorar a más de una persona.
Teo Terrero y Yanela Hernández hicieron una lectura dramática de su emblemático cuento El Gato para cerrar con la tremendamente bien escrita intervención de la productora, una participación que permitió vivir la escritura creativa de Almánzar.
Carmen Imbert Brugal, directora del Matutino Alternativo, medio para el cual Almánzar sirvió durante 24 años, comentando las películas nacionales e internacionales presentó una pieza fue tierna, poética y con una descrpción precisa de su temperamento junto a una valoración de su literatura.
Entre las instituciones que estuvieron representadas estaban la Dirección General de Cine, Caribbean Cinemas, Palacio del Cine, Acroarte, Colegio Dominicano de Periodista, Adompretur, la Asociación de Industrias de RD, los Estudios Quitasueño, revista Cineasta, la revista Movie Clic, productores de cine, directores, actores y actrices entre muchas otras entidades y personalidades.
Al final del encuentro, se obsequió a los asistentes con libros de cuentos y novelas del autor fenecido. Una idea que se sugirió entre sus amigos, es editar sus críticas de cine, ordenadas por tema, género, directores y épocas.
Armando Almánzar, cuentista, novelista y crítico de cine, Premio Nacional de Literatura 2012, constituye un referente de la literatura de ficción.
Bodas de Sangre: teatro y poesía en un efectivo Juego de Navajas
Montar a Lorca no es juego. Y, hasta cierto punto, es una locura respecto de la cual, poquísima gente está en disposición de aceptar cuando se agazapan en el horizonte cotidiano la falta de recursos y la traumática apatía generalizada contra el arte verdadero.
Montar a Lorca es un desafío inmenso y para intentarlo no basta el deseo. Se imponen un respeto a la alta literatura y una devoción incondicional a la poesía, pero además implica disponerse a desarrollar un esfuerzo los promedios interpretativos.
Isabel Spencer, tenía claro lo que pretendía hace cinco años, cuando fundó el Colectivo Maleducadas, siendo como es una profesional no dispuesta a hacer complacencia del mercado escénico,
Federico García Lorca sigue naciendo una y otra vez por la vigencia y creatividad de su obra para el teatro, porque siempre habrá quienes, como Isabel Spencer, preferirán abandonar el camino facilista de las modas y los autores de alto consumo masivo, para volver a recrear la feliz unión de poesía con la escena.
Es claro que se han superado prejuicios y paradigmas: No existen ni teatro rico y teatro pobre, construcciones relativas y sobradamente ideológicas. Hay teatro, mucho. De muchas formas y coberturas y proyecciones, en sus más variadas expresiones y, como ahora, teatro que trasciende a partir del genio humano, de la entrega, de la pasión hecha paradigma. Todo teatro es válido y aporta, de una parte, trabajo a los artistas y, por otra, fantasías, alegrías o penas al público.
Pero no todo el teatro permanecerá en la historia del quehacer de las tablas. No siempre se es capaz de recoger el enorme desafío de montar un autor trascendente e inabarcable, como ciertamente resulta ser Federico García Lorca
Cuando se anunció el montaje de Juego de Navajas, versión libre de Maleducadas de Bodas de Sangre, experimentamos la misma sensación de cuando se adelantó que Casa de Teatro, pondría en su escenario en mayo del 2014 La casa de Bernarda Alba del mismo García Lorca, con un elenco enteramente femenino y que en su momento nos satisfizo.
En esta oportunidad, la convocatoria al escenario, justificó todas las verdades dichas: artistas entregados a un objetivo, lo alcanzan sobradamente al entregar una pieza demandante y exquisita, en la cual el querer se hace víctima de las pasiones y el egoísmo del querer.
Cuando Lorca publicó en 1931, su poema trágico Bodas de sangre escrita en verso y en prosa, sabía que producía un texto universal sobre la pasión, el deseo, la vida y la muerte, pero no imaginó que la pieza, estrenada el 8 de marzo de 1933 en el Teatro Beatriz de Madrid por la Compañía de Josefina Díaz y Manuel Collado, tendría la consistencia de un clásico, tentando siempre a los teatristas de muchas generaciones, como al efecto.
Juego de Navajas es un trabajo escénico que sobrepasa su propia dignidad y en cual hay una entrega integral a lo interpretativo, pero en medio de la cual resaltan los roles de Manuel Raposo (Leonardo), Ana Oviedo (La criada) Paloma Palacios (La novia) y la propia directora Isabel Spencer (La madre).
Con una marcada economía de recursos escénicos, que se enfrenta con un efectivo simbolismo y algunos elementos de utilería simples, el proyecto teatral resulta admirable.
Su bien desarrollado diseño de sonido, su acierto en el vestuario ecléctico, que sugiere, mas no reproduce el signo de su tiempo, hacen de esta pieza, una de las más significativas del presente año y de algunos de sus intérpretes, candidatos a los premios más reconocidos al teatro ,incluyendo el dorado galardón del Soberano 2018.
Maleducadas es un colectivo de teatro fundado en el año 2012 por Isabel Spencer, actriz egresada de la Escuela Nacional de Arte Dramático, ganadora del Soberano 2017 como mejor directora de teatro.
En los cinco años del colectivo, este es su tercer montaje, el primero fue La casa de Bernarda Alba, propuesta que fue bien acogido por el público, el segundo fue Hasta el Abismo, con el que obtuvieron tres nominaciones al soberano y con el que Spencer ganó como mejor directora.
Los acontecimientos trágicos y reales en los que se basa la obra, se produjeron el 22 de julio de 1928 en el Cortijo del Fraile, de Nijar, en Almería y delos cuales se enteró por la prensa.
Cocote, establece precedente: gana el Festival de Locarno 2017
Cocote, drama del director dominicano Nelson Carlo de los Santos, resultó triunfador del primer lugar en la sección Señales de Vida, que en éste 2017 por vez primera, se le dio carácter competitivo.
El director de la cinta dominicana, primera de esta nacionalidad que logra ser seleccionada para este evento, recibió el Leopardo de Oro.
En su veredicto, el jurado sostiene que Cocote fue premiada por reinventar creativamente las tradiciones de RD
El jurado integrado por Chris Fujiwara, Jordan Cronk y María Bonsanti se decidió por esta película del director formado en la Facultad Universitaria de Cine de Buenos Aires y que contó en esta oportunidad con coproducción argentina.
La fundación Signos de la Vida, inscrita este año entre las competiciones del Festival de Locarno, tiene por tanto un acento dominicano. Cocote es actuada por Vicente Santos, Judith Rodríguez, Yuberbi de la Rosa, Pepe Sierra, Ricardo Ariel Toribio y Enerolisa Núñez, en base a guión de De los Santos.
Locarno es uno de los 15 festivales de clase A.1, de acuerdo con la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF), creada en 1933, y en los que todo director quisiera ver sus películas, como selección oficial.
Esos festivales son: Berlín (Alemania), Cannes (Francia), Shanghái (China), Moscú (Rusia), Karlovy Vary (República Checa), Locarno (Suiza), Montreal (Canadá), Venecia (Italia), San Sebastián (España), Varsovia (Polonia) y el de Tokio (Japón).
También están en esta clasificación los de Tallin (Estonia), El Cairo (Egipto), Mar Del Plata (Argentina) y Goa (India). Los más destacados son los de Berlín, Cannes y Venecia.
Cocote, que ha acumulado importantes premios internacionales, logró que decenas de distribuidores y productores, se interesaran por el cine de autor que se hace en República Dominicana. Entre los festivales y concursos que ha ganado Cocote, están: Premios: World Cinema Fund, Fonprocine de la DGCINE,
Doha Film Institute, Programa Ibermedia, la seccion Primera Mirada del Festival Internacional de Cine de Panamá (cuyo premio fue la presentación en Cannes 70) IFF Panamá.
El jurado entregó el premio Fundación Casa Wabi,Mantarraya, a Dane Komljen por el cortometraje Phantasiesätze. Además, el jurado le otorgó una mención especial a Era uma vez Brasília, del brasileño Adirley Queirós (Branco sai, preto fica).
Cocote es la primera película dominicana en exhibirse en los 70 años de Locarno, gana una dote de 5.000 dólares.
Cocote fue seleccionada para estrenar la sección Señales de Vida, estuvo acompañada por una comitiva integrada por: De los Santos, director; Wendy Espinal, directora de producción; Fernando Santos, productor; Lukas Valenta, productor (Argentina): Nahuel Palenque, director de sonido; Román Kaserroller, director de fotografía; Virginia Scaro, segunda cámara: Vicente Santos, protagonista; Judith Rodríguez, actriz (Karina) y la directora de la DGCINE, Yvette Marichal.
La noticia del triunfo fue dada a conocer hoy por el portal https://www.otroscines.com y el productor del filme Fernando Santos Díaz.
Otra información relacionada, en inglés: https://pardo.ch/
Tres pianistas de magia y encanto abren Temporada Sinfónica OSN 2017
¡Oh, la música, con su poder de misterio, placer, seducción pasión, unidad de distintos y diversidad de y entre los pueblos, culto y reconocimiento al gusto en su exigencia más extrema, talento que sorprende y prenda sensorial que se integra de por siempre a las experiencias de vida. Así es ella. Valor y permanencia. Disfrute que no requiere ni de idiomas ni identidades!. Es tal cual, la música.
La apertura de la temporada 2017 de la Orquesta Sinfónica Nacional, que ha ratificado su papel de llevar, desde su creación en 194l, la más alta y variada expresión de la noble conjunción de sonidos y tiempo, a tres generaciones, en un proceso de perfeccionamiento y entrega. La temporada cuenta con patrocinio de Banco Popular Dominicano y Claro, entre otras empresas.
El público que concurrió a la apertura de la Temporada 2017 de la OSN. FOTO DE DAVID SOTO
Tres pianistas exquisitos, y con estilos diferenciados, suma de talentos provenientes de tres naciones (China, Corea y España), apoyados en tres directores apasionados y también con modos singularmente distintos de encarar la tarima como puesto de máxima dirección orquestal. proporcionaron una noche de entrega musical inolvidable.
Las piezas de tres figuras fundamentales de la composición (Federic Chopin, con su Concierto No. 2 para piano y Orquesta); Frank Liszt (Concierto No. 1 para piano y orquesta) y Maurice Ravel – creador de mucho más que su famoso y popularizado “Bolero”, con su Concierto en Sol mayor para piano y orquesta) , fueron la plataforma para un festín de estilos y modos de extraer al instrumento (junto al violín) símbolo perfecto de la música permanente), el mejor de los resultados y que ello fuera compensado por publico que expresó su agradecimiento final con gritos y la mejor recompensa para el arte respetado al extremo: el largo aplauso de cierre.
FOTO DE DAVID SOTO
Los intérpretes
Jianing Kong, de China y con una trayectoria de preparación y virtuosismo, (dirigido por Santy Rodríguez, director residente) se adueñó de pleno del escenario con un dominio técnico y un estilo adentrado en los giros y matices, marcados por la tristeza y la pausada fuerza que imprime Chopin a su pieza para piano y orquesta.
David Jae-Weon, de Corea del Sur, (dirigido por el maestro Guillermo Mota) tenía a su cargo el conocido y popular Concierto N1 de Liszt, reto para cualquier instrumentista que desee sentar una versión personal, lo que logra con una entrega de todo su cuerpo, con una sorprendente digitación y una unidad de su sonoridad, notablemente profesional y lúdica, Fue un momento estelar del programa.
FOTO DAVID SOTO
Los tres pianistas de ensueño: FOTO DAVID SOTO
Para finalizar, un sorprendente valenciano, Juan Pérez Floristán (con una dirección magistral y apasionada de Molina), y que rompió la hegemonía que normalmente tiene oriente en los finalistas del Paloma O´sea ofreció la experiencia de una múltiple sonoridad, una espontánea y grácil actitud ante su instrumento, un desempeño intenso ante el eterno desafío del teclado.
HomenajeLa presidenta de la Fundación Sinfonía, Margarita Capellán de Rodríguez, fue reconocida con la medalla de honor de la Fundación Paloma O´Sea, por sus aportes a la difusión e impacto de la música clásica desde la Fundación Sinfonía.
Previo al inicio del concierto de apertura de la Temporada Sinfónica, la medalla fue entregada a la gestora de la música imperecedera, por la Embajada de España, los tres solistas al piano, el director titular de la Sinfónica, maestro José Antonio Molina, el Ministro de Cultura, Pedro Vergés y el director artístico del Teatro Nacional, Niní Cáffaro.
El homenaje fue largamente aplaudido e introducido con una carta de la Fundación Paloma O´Sea, leída por el ganador del Primer Lugar del Concurso Internacional de Piano Santander, Juan Pérez Floristán.
Jennie Guzmán se hizo Frida y da un ¡Viva a la Vida!
Jennie Guzmán, una artista y productora muy joven, nos asalta y sorprende, al encarnar el texto dramático del guionista, actor , director y gestor de derechos Humanos Humberto Robles de León, logrando, por segunda vez
Destaca el elemento actoral por encima de recursos técnicos, aun cuando se debe reconocer el aporte de vestuario, maquillaje y peinado, el punto brillante es la capacidad de esta joven actriz para conducir al público por las percepciones, sentidos profundos y sentencias de la Kalo, y que permite sentir que el teatro dominicano se renueva, se perfuma de una juventud dispuesta a seguir con dignidad el trayecto de las tablas.
Jennie Guzmán da vida a Frida Kalo por segunda vez, luego de hacerlo en 2010 dirigida por Ángel Haché, en ambas oportunidades con la dramaturgia del mexicano Humberto Robles de León. Ahora la dirige Ruth Emeterio.
Guzmán no tiene la altura ni el porte de Kalo, pero sabe compensar sus ausencias con un cuidadoso proceso de entrega a la responsabilidad de hacer creíble y vivible su personaje.
Ella nos conduce a los símbolos, encuentros y desencuentras que marcaron la vida de Kalo: viajes, personajes distantes y cercanos, percepciones de naciones que como Francia y Estados Unidos, fueron parte de un itinerario en que se desplegó su talento.
La artista domina sobre todo la gestualidad de una semiparalizada paciente, presionada por prendas de yeso y correas de cuero; se remonta al accidente vial, terrible por el que perdió de modo sangriento, la virginidad y, sobre todo, deja sentir el amor incondicional, pero opresivo y excesivamente abierto, desde un Diego Rivera, que hace innecesario acto de presencia, tanto como La Catrina, de la que hubiéramos deseado una mayor plasticidad en sus procesos corporales.
Jennie Guzmán, apoyada por su directora, Ruth Emeterio, también aborda un variado universo vocal, con acento mexicano, que desde expresiones cotidianas hasta imprecaciones, dejan ver a la dueña de La Casa Azul, tal cual se pronunciaba.
Nueva vez, Robles
La obra dramaturgia de Humberto Robles de León, se ha ido transformando en tradicional para el quehacer local.
Hace siete años (2010) se montó este mismo trabajo unipersonal (Viva la Vida) con la misma figura central, Jennie Guzmán, dirigida por el maestro Ángel Haché, a quien se hace homenaje póstumo ahora. Posteriormente, en 2016 se montó en sala Ravelo, del Teatro Nacional, dirigidas por Iván Mejía «7 Mujeres», una obra escrita junto con
Juan Ríos Cantú y que fue aquí actuada por Yanela Hernández, Rosa Aurora López, Katyuska Licairac, Johanny García, Chabela Estrella, Susy Aquino Gautreau, Elizabeth Chahín, y Patricio León.
Humberto Robles de León es autor de 7mujeres, Que no se culpe a nadie de mi muerte – actualmente en montaje en –Teatro Guyola a cargo de Karina Licairac, ratificando su condición de ser el dramaturgo mexicano vivo más representando en América Latina y España.
Robles de León es un creador de conceptos teatrales de una notable incidencia local.
Ficha Técnica:
Frida, Viva la Vida
Autor: Humberto Robles de León
Dirección: Ruth Emeterio
Producción: Jennie Guzmán
Maquillaje: Claudia González
Vestuario: Maskarella y Nicole Jiménez
Escenografía; Ángela Bernal
Línea Gráfica: Samuel Esteban
Frida: Jennie Guzmán
Personajes accesorios:
- Mario Núñez (Diego Rivera)
- Esthefany Vargas Pérez (La catrina)
